The Boroughs: Idosos e Ficção Científica combinam muito bem

 

The Boroughs: Idosos e Ficção Científica combinam muito bem

Essa produção é dos FDPs dos Irmãos Duffer. E isso já me deixou um pouco desconfiado. Para quem não sabe, esses dois homens, Matt e Ross, foram responsáveis pelo maior sucesso da Netflix nos últimos anos: Stranger Things. Essa série foi absurdamente bem até a primeira parte da última temporada. O restante foi de uma falta de respeito com o público, tudo malfeito e executado. Até o momento não houve nenhuma manifestação dos dois pelo que aconteceu com o fim da série. Até hoje há teorias sobre a quebra de ritmo e furos enormes no roteiro e nenhuma solução. Eu me recusei a fazer uma resenha desse último desastre que fomos obrigados a aceitar como término de uma história que começou tão bem, empolgou e reviveu a nostalgia da década de 1980. 

Tirando o ódio que ainda persiste, esse foi o único comentário que fiz e vou fazer daquele final escabroso, a não ser que algo aconteça que me contradiga. Esta história eles só produziram, a criação é de outros que realmente não conheço, Jeffrey Addiss e Will Matthews, que também assinam o roteiro dos episódios principais. E é uma ótima história. Divertida e com começo, meio e fim coerentes com tudo que foi escrito até ali, aprendam, irmãos...

Uma das coisas que realmente me desanimam ao assistir séries é ela ser cancelada do nada ou ainda se perder totalmente só para ficar agradando fã. Ela mingua e nunca termina. Só quando espremem todas as ideias mais estapafúrdias, que nem fazem sentido para aqueles personagens, só para prorrogar o fim. Então tenho preferido séries de uma temporada só para assistir. Nem sempre retorno para a segunda temporada se a primeira não me intrigou o suficiente. E The Boroughs parte dessa percepção. Ela tem uma história fechada, com um fim que até permite uma continuidade, o que é bem justo, caso queiram, sem interferir na história que já foi contada.

A história homenageia os filmes "Sessão da Tarde" dos anos de 1980, mesmo se passando no tempo atual. The Boroughs é uma casa de repouso diferenciada, literalmente forma pequenos bairros, daí o nome em inglês, com casas particulares para idosos se sentirem como se estivessem na sua própria casa e não num asilo sofisticado. Isso é abordado o tempo todo pelo roteiro e também a questão parental de se deixar um pai ou mãe em um lugar desses. Outra coisa que se aborda é como eles são esquecidos e desacreditados só por serem o que são, idosos. Isso é usado pela história, pois aparece uma criatura estranha durante a noite atacando uma senhorinha. Essa já é a cena inicial e evidentemente é escondida pelo CEO esquisito do lugar, Blaine (Seth Numrich). Com a casa vaga, eles logo a disponibilizam para um novo morador, que vai ser Sam (Alfred Molina), que está em luto pela recente perda de sua amada esposa. Lá conhece outros moradores, o casal Judy (Alfre Woodard) e Art (Clarke Peters) Daniels, ela jornalista aposentada, ele maconheiro inveterado, Wally (Denis O'Hare), um médico renomado que luta contra um câncer terminal, e Renee, produtora musical aposentada que é interpretada pela maravilhosa Geena Davis, que eu não via atuando há muito tempo. E não posso esquecer Bill Pullman, como Jack, que acaba quebrando um pouco a casca dura que é a armadura emocional de Sam. Conforme a história se desenrola, não vou comentar muito para não dar spoilers dos episódios, mas um gancho em cima do outro vai acontecendo, o que me deixou muito interessado até o fim. Só não maratonei por causa de compromissos que surgiram esses dias. 

Como disse, há homenagens aos filmes da década de 1980 e não tem como não recordar de Cocoon (1985), onde um grupo de idosos descobre que a piscina de um vizinho causa um inesperado rejuvenescimento. Aqui em The Boroughs a pegada é mais pesada e cheia de mistérios que aquele, e sem piscinas. Eu só acho um pouco forçada a sexualização de umas coisas um tanto desnecessárias. Eu não entendo a mentalidade americana de socar sensualidade em momentos esquisitos. Por isso são tão problemáticos com um monte de coisas, pois não há naturalidade em várias situações. A sexualidade existe e é algo natural. E olha que achei válido mostrarem o romance amoroso com direito a uma noite de sexo entre a personagem de Geena Davis e o segurança bonitão Paz (Carlos Miranda), que é usado como o pedaço de corpo sensual a ser mostrado. Em vários momentos a sexualidade de pessoas idosas é abordada, seja por situações engraçadas e inusitadas, os namoros de Jack ou mesmo uma suruba, que só foi citada, numa dependência comum do lugar que eles citam, entre outras coisas. 

A série diverte, traz uma pitada de nostalgia, é leve, mesmo causando um medinho aqui e ali, e tem um final coerente com tudo que foi produzido até aquele momento. E ver atores veteranos como os principais e sustentando um ótimo trabalho de interpretação é uma maravilha.

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The original text was written without the use of any AI tools; however, the translation was carried out by ChatGPT, as the author does not yet master English grammar. Perhaps one day.

If there is anything that may be difficult to understand or that seems unclear to the reader, this may be due to certain textual constructions, sentence structures, or even references specific to regional Brazilian Portuguese and the culture of Brazil.

All subsequent texts will include this notice.

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The Boroughs: Elderly People and Science Fiction Are a Great Combination

This production comes from those bastards, the Duffer Brothers. And that already made me a little suspicious. For those who do not know, these two men, Matt and Ross, were responsible for Netflix’s biggest success in recent years: Stranger Things. That series was absurdly good until the first part of the final season. The rest was a complete disrespect toward the audience, everything poorly made and executed. Up to this moment there has been no statement from either of them about what happened with the ending of the series. To this day there are theories about the broken pacing and massive plot holes, and no solutions whatsoever. I refused to write a review about that final disaster we were forced to accept as the conclusion of a story that started so well, thrilled audiences, and revived the nostalgia of the 1980s.

Putting aside the hatred that still lingers, this was the only comment I made and will make about that atrocious ending, unless something happens that proves me wrong. In this story they only worked as producers, the creation belongs to other people I honestly do not know, Jeffrey Addiss and Will Matthews, who also wrote the main episodes. And it is a great story. Fun, with a coherent beginning, middle, and ending that respects everything that had been written up to that point. Learn from that, brothers...

One of the things that truly discourages me when watching series is when they get canceled out of nowhere or completely lose themselves just to keep pleasing fans. The story slowly withers away and never ends. Only after squeezing out every absurd idea imaginable, ideas that no longer make sense for those characters, just to delay the ending. Because of that, I have been preferring single-season series lately. I do not always return for a second season if the first one did not intrigue me enough. And *The Boroughs* comes from that exact perception. It has a self-contained story with an ending that still allows room for continuation, which feels fair if they decide to continue it, without interfering with the story that has already been told.

The story pays tribute to the “afternoon session” movies of the 1980s, even though it takes place in the present day. The Boroughs is a very different retirement home. It literally forms small neighborhoods, hence the English title, with private houses so elderly residents can feel as if they are still living in their own homes rather than in a luxurious nursing home. This is constantly addressed throughout the script, along with the parental dilemma of leaving a father or mother in a place like that. Another theme explored is how elderly people are forgotten and discredited simply because they are old. The story uses this very well, because a strange creature appears during the night attacking an elderly woman. That is already the opening scene and it is obviously covered up by the creepy CEO of the place, Blaine (Seth Numrich). Once the house becomes vacant, they quickly make it available to a new resident, Sam (Alfred Molina), who is grieving the recent loss of his beloved wife. There he meets other residents, the couple Judy (Alfre Woodard) and Art (Clarke Peters) Daniels, she a retired journalist, he a lifelong pot smoker, Wally (Denis O'Hare), a renowned doctor fighting terminal cancer, and Renee, a retired music producer played by the wonderful Geena Davis, whom I had not seen acting in a very long time. And I cannot forget Bill Pullman as Jack, who ends up breaking through the emotional armor surrounding Sam. As the story unfolds, I will not comment too much to avoid spoilers for the episodes, but one hook after another keeps happening, which kept me deeply interested until the very end. I only did not binge-watch it because of commitments that came up over the past few days.

As I said, there are tributes to 1980s movies, and it is impossible not to remember Cocoon (1985), where a group of elderly people discovers that a neighbor’s swimming pool causes unexpected rejuvenation. Here in *The Boroughs* the tone is heavier and filled with more mysteries than that film, and without any swimming pools. I just find the sexualization of certain unnecessary moments a bit forced. I do not understand the American mentality of shoving sensuality into awkward situations. That is why they become so problematic about so many things, because there is no naturalness in several situations. Sexuality exists and it is something natural. And honestly, I thought it was valid to show the romance, including a sex scene between Geena Davis’s character and the handsome security guard Paz (Carlos Miranda), who is clearly used as the sensual eye candy of the show. In several moments the sexuality of elderly people is explored, whether through funny and unusual situations, Jack’s relationships, or even an orgy, which was only mentioned, in one of the common areas of the place, among other things.

The series is entertaining, brings a touch of nostalgia, feels light even while delivering some creepy moments here and there, and has an ending coherent with everything that had been built until that point. And seeing veteran actors taking the lead and carrying such a strong acting performance is wonderful.

Mother Mary: É Michaela Coel

 Mother Mary: É Michaela Coel

Mother Mary tem Anne Hathaway, fantástica, “recém-saída” de um lançamento mundial muito aguardado, que foi O Diabo Veste Prada 2. Ela nesse filme que me parece ser  um clickbait  de alto luxo para captar nossa atenção e ir assistir esse filme. O que não é errado, longe disso. Se tem uma coisa que Anne provou foi que faz bem o papel de sofredora chorana, sua Fantine em Os Miseráveis, até lhe rendeu um Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante, merecidíssimo.  E somente assistindo ao filme, depois de fisgados por essa isca de luxo, percebemos a coisa mais maravilhosa e surpreendente que a própria: Michaela Coel. Esse filme é dela. Por mais que a mídia incense Hathaway, é com Michaela que a tensão se forma, se condensa pelas paredes de nossa cabeça e escorre pelo nosso assoalho da psique causado não só o efeito de estranheza, como também de fascínio. O tempo todo seu olhar forte e intenso nos conduz na trama.   

Nem vou falar da produção toda diferentona que somente os estúdios da produtora A24 poderiam executar e da direção bem pontuada David Lowery, que também assina o roteiro. Também não vou falar das construções de figurino que não só trazem beleza, mas a essência do que é trabalhado no roteiro. E também, por fim, mas não menos importante, não tem como falar da trilha sonora, que conta com várias participações na produção das músicas, entre elas, Jack Antonoff,  Charli XCX  e FKA Twigs que está fazendo uma participação através de uma médium inverossímil.  

Temos uma estrela da música em crise, a própria Mother Mary, Hathaway. Em um surto de aparente estrelismo, ela some, vai embora da produção  nas vésperas de um show importante e vai parar nas portas da estilista Sam, Coel. Aos poucos, vamos descobrindo qual a relação das duas, qual o motivo do surto da grande estrela da música pop e daquela mulher misteriosa. É aqui que vemos que, apoiado totalmente pelo roteiro bem escrito, quem dá estofo para a história tomar a proporção de suspense é Michaela. Ela nos deixa tensos. Seu método de entender sua “cliente” é assustador. Ela, com seu olhar quase fanático e sua voz suave, ao mesmo tempo sonora, parecendo um sopro por um caniço maciço e melodioso, causa uma sensação perturbadora. E vamos entendendo o que liga aquelas duas mulheres aparentemente tão diferentes. É uma revelação de uma situação, é uma fala, é uma metáfora usada. É a construção da tensão que faz o fim, totalmente simbólico, fazer sentido. 

Eu não sei se minha brasilidade me deixa muito atento a isso, mas a única coisa de que realmente não gostei foi o “ritual” da médium interpretada pela FKA Twigs em dado momento que é nada mais que uma brincadeira do copo. Não falo que não haja força espiritual nisso. Quem acredita sabe. Esteticamente, como criação narrativa, é algo de fácil assimilação, e imagino que foi uma forma de retratar para o grande público uma ação necessária para desenrolar o que está por vir. Eu, particularmente, não gostei. Tirando o infantiloide e simplório "joguinho do copo" sem copo, acontece um rito muito ancestral nesse filme. Não que se deva se preocupar ao assistir, achando que algo vai se fazer presente, um portal para os infernos será aberto e sua alma vai ser comprometida com isso. Parece ser uma preocupação, esse comprometimento da alma, em alguns grupos religiosos que mais precarizam a psiquê  que a edificam nos seus adeptos. Podem ficar tranquilos, que suas almas já estão comprometidas com outras coisas que não sejam rituais assistidos em filmes, séries, teatro e músicas. Existe, sim, uma representação simbólica de um ritual, não o ritual em si, mas os elementos básicos estão ali para insinuar e não revelar. Tanto que, em um momento, Sam pede para Mother Mary repetir uma fala ritualística da médium, e ela não consegue, e Sam dá de ombros, dando a entender que não importa, somente a intenção basta. E isso com os objetos, que ela pega aleatoriamente, apesar de achar que não foi tão aleatório assim, mas os faz ser representativos. E, sem mostrar, o ritual está lá. Uma dica: quem conhece um pouco a noção de cura e também de axexê do Candomblé pode perceber uma similaridade.  

De mais da metade do filme para diante, temos uma mescla tão forte de realidade, metáforas e simbolismos que pode ficar um pouco confuso para algumas pessoas. E algumas pessoas podem achar chato, pois é um suspense “diferente”, o que, para mim, é uma virtude. Esse roteiro mostra que suspense pode vir de qualquer coisa. Cabe ao senso artístico transformar o que quer que seja em uma experiência estética que cause a emoção ou sensação que pretende. 

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Mother Mary: Michaela Coel

                Mother Mary stars Anne Hathaway, fantastic as always, fresh off the highly anticipated worldwide release of The Devil Wears Prada 2. In this film, she seems to function as a kind of high-end clickbait, drawing us in and making us want to watch. And there’s nothing wrong with that — far from it. If there’s one thing Anne has proven, it’s that she excels at portraying emotionally tormented women. Her Fantine in Les Misérables even earned her a well-deserved Academy Award for Best Supporting Actress.

                But it is only after we’ve been hooked by this luxurious bait that we discover the film’s most wonderful and surprising element: Michaela Coel herself. This is her film. No matter how much the media glorifies Hathaway, it is Michaela who creates the tension, who lets it build and condense against the walls of our minds until it seeps across the floorboards of our psyche, producing not only estrangement but fascination as well. Her powerful, intense gaze guides us through the story at every moment.

                    I won’t even get into the uniquely unconventional production that only A24 studios could pull off, nor David Lowery’s precise direction — he also wrote the screenplay. I also won’t dwell on the costume design, which delivers not just beauty but the very essence of what the script is exploring. And finally, but no less importantly, there’s the soundtrack, which features contributions from several artists, including Charli XCX and FKA twigs, who appears in the film through the role of an implausible medium.

               We follow a music star in crisis — Mother Mary herself, played by Hathaway. In what initially appears to be a fit of diva behavior, she disappears and abandons production on the eve of an important show, eventually arriving at the doorstep of stylist Sam, played by Coel. Little by little, we uncover the connection between these two women, the reason behind the pop star’s breakdown, and the mystery surrounding Sam. It’s here that we realize that, fully supported by the sharp screenplay, it is Michaela who gives the story the substance necessary for the suspense to take shape. She makes us uneasy. Her method of understanding her “client” is frightening. With her almost fanatical stare and her soft yet resonant voice — like air passing through a dense, melodic reed — she creates a deeply disturbing sensation. And gradually we begin to understand what binds these two seemingly different women together. It comes through a revelation, a line of dialogue, a metaphor. It is the slow construction of tension that ultimately makes the completely symbolic ending feel meaningful.

               I don’t know if it’s my Brazilian background that makes me especially sensitive to this, but the one thing I truly disliked was the “ritual” performed at one point by the medium played by FKA twigs, which is essentially just a variation of the “Ouija glass game.” I’m not saying there can’t be spiritual force in such practices — those who believe in it know that. But aesthetically, as a narrative device, it feels too simplistic and easily digestible, likely a way to present a necessary action to mainstream audiences in order to move the plot forward. Personally, I didn’t like it. Aside from the childish and simplistic “cup game” without the cup, however, there is a much more ancestral rite taking place within the film. Not that viewers should worry about accidentally summoning something, opening a portal to hell, or compromising their souls. This obsession with “soul corruption” seems more common in certain religious groups that weaken the psyche of their followers rather than strengthen it. Rest assured: your souls are already committed to things far beyond rituals portrayed in films, series, theater, or music.

            There is indeed a symbolic representation of a ritual here — not the ritual itself — but the basic elements are present, serving to suggest rather than reveal. At one point, Sam asks Mother Mary to repeat a ritual phrase spoken by the medium, and she cannot. Sam simply shrugs, implying that it does not matter; intention alone is enough. The same applies to the objects she picks seemingly at random — though I suspect they were not random at all — transforming them into symbolic instruments. Without ever fully showing it, the ritual is there. A hint for those familiar with it: anyone who understands a bit about the concepts of healing rituals and axexê within Candomblé may notice certain similarities.

            From the second half onward, the film blends reality, metaphor, and symbolism so intensely that it may become confusing for some viewers. Others may even find it boring, since this is a very “different” kind of suspense — which, to me, is precisely its greatest strength. The screenplay demonstrates that suspense can emerge from absolutely anything. It is the artist’s sensibility that transforms whatever material they choose into an aesthetic experience capable of provoking the intended emotion or sensation.

Francis Ford Coppola: um motivo digno de um cancelamento

 

Francis Ford Coppola: um motivo digno de um cancelamento

Eu gosto de dizer que sou cinéfilo, pelo menos eu penso que sou. Só não enveredei numa carreira mais ligada a esse universo porque, pobre, no interior de São Paulo, numa época longínqua, a vida me levou a tentar algo mais pé no chão para minhas condições. Nada me impediu de ser um apreciador e consumidor de cinema na medida do possível. Fiz Filosofia e isso me deu uma boa bagagem para entender textos, narrativas e construções ideológicas e imagéticas, entre outras coisas. A vida me levou ao curso de Letras e comecei a dar aulas como professor de Português e Inglês em escolas públicas. Grande erro. Era o que dava para fazer para pôr comida na mesa. Em 2012 eu resolvi, como um exercício de escrita, já que sonhava em ser escritor, fazer um blog. De início contava narrativas de minha vida num contexto bem estabelecido, depois tive a ideia de escrever sobre filmes e sobre o que mais aparecesse, no caso, livros e séries.

Consumo tudo desse universo. Como CLT, meu tempo nunca foi tão elástico e minhas 24 horas não eram as mesmas que as de outras pessoas. Quantas vezes eu chegava exausto de um dia enfrentando jovens que pareciam possuídos pelo mais puro espírito de pais e mães incompetentes em criar um ser humano minimamente capaz de respeitar alguém que está ali para ensiná-los. É tão absurdo isso que eu tive uma crise tão forte de ansiedade que parei de dar aula no final de 2023 e até hoje não voltei para a sala de aula. Estou me vendo obrigado a voltar por necessidade. Adoraria viver do que eu faço com a escrita, que ainda é pouco. A realidade me empurra e não liga se meu trauma está ou não bem trabalhado e superado em terapia. 

Com relação aos filmes, eu gosto de muita coisa e, por conveniência e por falta de maiores possibilidades, acabo assistindo muita coisa dos EUA, que têm uma indústria insuperável no momento em volume de produções, seja em música, séries ou filmes. Esses dias eu estava ouvindo alguns podcasts e os participantes debatiam sobre os diretores de que eles mais gostavam, quem eles realmente achavam os melhores, e parei um pouco para pensar e tentar elaborar meus preferidos. Me dei conta de que há diretores bons, de que eu gosto muito, com tantos filmes que eu sequer assisti metade do que dirigiram. E aí tive a ideia de apresentar a vocês os diretores pelo meu ponto de vista e os filmes deles que assisti. 

E já começo com uma heresia cinematográfica praticamente imperdoável, digna de um cancelamento: eu só assisti a dois filmes de Francis Ford Coppola. 

Dois, só dois filmes desse grande diretor, produtor e roteirista nascido em Detroit em 1939, que possui produções icônicas na cultura pop atual: Drácula de Bram Stoker e Peggy Sue, Seu Passado a Espera. Este último eu lembro muito pouco, assisti na televisão. E Drácula eu achei o máximo, e só depois descobri as referências e fiquei mais encantado ainda. Contudo, todos os outros filmes têm histórias que não me chamam atenção e eu acabava deixando para depois. E o depois nunca se consumou. Eu vi alguns trechos de Apocalypse Now e, desinteressado, fui dormir. O mesmo aconteceu com a cena da cabeça do cavalo em O Poderoso Chefão, só que esta me deu aflição e dó do bicho. E realmente eu não consigo me conectar com esse gênio artístico que é o Coppola. Falha da minha personalidade cinéfila. 

Não vou me defender em nada, eu sou o errado. E abaixo eu deixo uma imagem com a lista dos filmes que eu assisti e não assisti. Se possível, farei isso com outros grandes diretores.

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Francis Ford Coppola: a reason worthy of cancellation

I like to say that I am a cinephile, or at least I think I am. I just never pursued a career more connected to that universe because, being poor, living in the countryside of São Paulo, in a distant era, life pushed me toward something more grounded for my circumstances. Still, nothing stopped me from being an admirer and consumer of cinema whenever possible. I studied Philosophy, and that gave me a solid background to understand texts, narratives, ideological and visual constructions, among other things. Life eventually took me to a Literature degree, and I started teaching Portuguese and English in public schools. A huge mistake. It was what I could do to put food on the table. In 2012, as a writing exercise, since I dreamed of becoming a writer, I decided to create a blog. At first, I wrote narratives about my own life within a well-defined context, but later I had the idea of writing about films and whatever else came up, mainly books and TV series.

I consume everything from that universe. As a working-class employee, my time has never been elastic, and my 24 hours never seemed to be the same as everyone else’s. So many times I came home exhausted after spending the day dealing with teenagers who seemed possessed by the pure spirit of parents incapable of raising a minimally respectful human being toward someone who is there to teach them. It became so absurd that I had such a severe anxiety crisis that I stopped teaching at the end of 2023, and to this day I have not returned to the classroom. I am being forced to go back out of necessity. I would love to make a living from what I do with writing, even though it is still very little. Reality keeps pushing me forward and does not care whether my trauma has been fully processed and overcome in therapy or not.

When it comes to films, I enjoy many things and, for convenience and lack of broader possibilities, I end up consuming a lot of American productions, since the United States currently has an unmatched entertainment industry in terms of volume, whether in music, television series, or films. A few days ago I was listening to some podcasts in which the participants debated their favorite directors, the ones they genuinely considered the best, and I stopped for a moment to think about my own favorites. That was when I realized there are directors I truly admire, yet I have not even watched half of the films they directed. So I came up with the idea of presenting directors from my own perspective and discussing the films of theirs that I have watched.

And I am already beginning with an almost unforgivable cinematic heresy, something worthy of cancellation: I have only watched two Francis Ford Coppola films.

Two, only two films by this great director, producer, and screenwriter born in Detroit in 1939, a man responsible for productions that became iconic within modern pop culture: Bram Stoker’s Dracula and Peggy Sue Got Married. I barely remember the latter since I watched it on television a long time ago. As for Dracula, I absolutely loved it, and later, when I discovered its references, I became even more fascinated. However, all of his other films revolve around stories that simply do not capture my attention, so I always ended up postponing them. And that “later” never came. I watched a few scenes from Apocalypse Now and, feeling uninterested, went to sleep. The same thing happened with the horse head scene in The Godfather, except that one made me uncomfortable and sorry for the animal. And honestly, I simply cannot connect with the artistic genius that Coppola is. A flaw within my cinephile personality.

I will not defend myself at all, I am the one in the wrong. Below I leave an image with the list of the films I have watched and those I have not. If possible, I will do the same with other great directors.

Desgraça e Masculinidade

 

Desgraça e Masculinidade

De forma direta ou apenas insinuando, eu já deixei clara minha vontade de fazer outras coisas e talvez até encerrar o Blog para me dedicar a vídeos no YouTube ou mesmo Instagram, e ando estudando e me organizando para tal. Contudo, esbarro na minha vergonha de tela. Nunca gostei muito de aparecer em vídeo e também tenho um pouco de restrição em me expor, paranoia minha. Essa aversão em "aparecer" chega ao ponto de me atrapalhar muito essa vontade de me dedicar à produção de conteúdo. Gosto bastante de escrever, preparar e eu sei que preciso ter meu conteúdo próprio. E sabemos como limitado é escrever no Blogger. Enquanto não faço nada a esse respeito, continuo com textos quilométricos por aqui. No máximo faço um card para postar no Instagram informando que há uma resenha nova sobre um filme ou série. 

Outra coisa que gostaria muito é diversificar meus textos com assuntos pertinentes ao que gosto de fazer, não só filmes e um pouco de série. Falar de arte, literatura, cotidiano, o que me apetecesse: cultura geral. Penso até num projeto ousado que juntaria minha formação em Letras para falar de escrita, livros e estilo de vida de quem tenta conciliar tudo isso com o ganhar o pão diário. Ideias tenho de monte, falta execução. Não posso esquecer que meu contexto de vida atual está um tanto conturbado, moro, no momento, numa cidade do interior de São Paulo, acreditem, se tem um lugar onde a cultura está minguando é aqui. Não vou enveredar pelo caminho da reclamação de como não suporto estar aqui, senão o chororô vai longe. Contudo, tenho que admitir que esse sacrifício vai ser benéfico para mim. O que não deixa nada mais fácil, mas estou aqui por um bom motivo. Resolvendo, volto a morar em São Paulo no dia seguinte. 

Quem não me conhece de outros escritos pode dar uma olhada no meu texto em que falei sobre meus primórdios nesse Blog e vai entender um pouco umas coisas que vou abordar aqui sem aprofundar. Quem quiser o link é este aqui:

https://assuntocronicoviniciusmotta.blogspot.com/2026/04/meus-primordios-neste-blog.html

Eu sou um cara branco do interior de São Paulo, de uma cidade que se fortalece e cresce com a controversa vinda dos italianos para o Brasil para embranquecimento do país. Estou pisando aqui, ao falar disso, em um terreno bem movediço. Muitos não sabem da história do país e acabam estranhando quando alguns assuntos são abordados. Por mais que os europeus estivessem em busca de uma melhor condição de vida, fugindo da guerra, coincidentemente nossos líderes políticos estavam preocupados com a substituição da mão de obra escrava, que a libertação tinha ocorrido há algumas décadas, e também, a pior e mais nefasta preocupação, era embranquecer a população. Todo tipo de sandice na época era usada para justificar essa mazela. Com isso, não houve nenhuma reparação histórica para os escravizados e seus descendentes, pelo contrário, em muitas regiões do país o estado pagou indenizações aos donos das pessoas que se acharam lesados ao perder o patrimônio humano escravizado com a Abolição. Isso me dá um nó na garganta ainda hoje ao ter que falar disso. 

No interior de São Paulo onde cresci, a presença negra era muito menos visível socialmente do que em outros lugares que conheci depois. Eu mesmo tive pouquíssimos colegas na escola que eram negros. E eu precisei aprender muita coisa que não era ensinada na escola e em minha casa. Meu avô mesmo, por quem eu nutria um carinho enorme, foi o primeiro que me atentou para a cor da pele de um garoto que era meu amigo. Não que eu não percebesse que o tom de pele de alguém fosse diferente do meu. Eu percebia claramente, mas não tinha noção de que aquilo era motivo para eu me diferenciar e me achar melhor. Meu avô sim. E mesmo assim, não concordando com ele, eu introjetei muitos preconceitos que até hoje eu luto bastante para não influenciar negativamente, e muitas vezes eu traio nessa empreitada.

Por esse viés regional eu também recebi o catolicismo como religião de berço. Até houve um tempo em que flertei com o ateísmo e quiçá o agnosticismo, mas para quem leu o texto que indiquei sabe que eu me tornei seminarista da Igreja Católica. Maus tempos aqueles... Contudo, isso me propiciou morar em outras cidades e conhecer outros modos de viver que não o interiorano tacanho paulista. Cheguei a morar em Jaú, São Carlos e Campinas. Tive a oportunidade de morar em Nova Iguaçu, Seropédica e Piranema, no estado do Rio de Janeiro, e estava sempre pela capital do estado. O que pude conhecer eu conheci. E aqui começa um ponto de virada nos meus conhecimentos que é pertinente a tudo que estou escrevendo. Eu tive meus primeiros contatos com religiões não católicas através de pessoas que eram praticantes ao mesmo tempo que frequentavam a igreja. E foi ali que me despertou a percepção do senso religioso. Eu mesmo achava tudo que eu vivia no seminário muito racional e árido. Primeiro estudamos Filosofia, três anos, e depois fui para a Teologia, dependendo do lugar há alguma variação de tempo e de cursos. A vivência, até eu morar no Rio, era muito sem sentido místico, mas rica intelectualmente. E depois, quando abandonei de vez o seminário, quer dizer, fui mandado embora pela terceira vez, eu resolvi viver minha vida afastado da religião. Sempre aparecia alguém na minha vida com quem eu me relacionava, seja amizade ou no campo amoroso, que era do espiritismo, ou da umbanda, candomblé e outras denominações e até religiões. E, apesar de não sentir tanto a mística dentro do catolicismo, eu estudei bastante sobre o senso religioso, com viés católico, obviamente. E me espantei que o senso religioso era o mesmo em qualquer pessoa que acreditasse em algo. Parece óbvio, para mim não foi. Isso que chamo de senso religioso era o mesmo, mudavam as particularidades de cada religião em si. E sempre que era possível eu fui no que pude ir para conhecer os lugares. E vi e aprendi coisas, muitas coisas, e tudo com a segurança acadêmica de ter feito uma faculdade que me deu base científica para observar os eventos que presenciei. 

Este domingo eu escutei em algum lugar a Anitta com uma de suas músicas do seu álbum novo e, como alguns clipes já estavam lançados, eu quis saber por curiosidade o que o povo de fora do Brasil estava pensando e dizendo sobre ele. Aqui ela vai bem, mesmo que os evangélicos estejam criticando. E fui assistir alguns reacts, reação de algum youtuber ao assistir algo. E vi um monte desses vídeos, vários adoram e estranham essa fase da Anitta. Como eles não entendem a língua, ficam com a estética e com a melodia. Alguns fizeram uma pesquisa e descobriram que são clipes muito simbólicos, cheios de referência à religião dela,  o Candomblé. Falar assim é bem simplista, ela traz sim muitos elementos dessa religião, mas traz também elementos da umbanda, da religiosidade popular regional e até um pouco da cultura indígena. 

Em tempos de masculinidade frágil, homens fazendo retiros em montanhas com nomes que remetem a um ideal de ser verdadeiramente "homem", ou vão atrás de cursos para realinharem-se com o "ser homem" provedor "másculo", o clipe de Meia Noite acertou o alvo dos evangélicos, que julgaram haver uma incorporação real de Exu no dançarino do clipe. Só desprezaram o conhecimento real em torno da situação. Primeiro que um profissional da dança tem técnicas e fica muito claro no vídeo que não são danças de terreiro, são inspiradas em alguns passos de terreiros e a coreografia é cheia de movimentos próprios do universo da dança. E que, por mais que haja uma influência externa, uma entidade incorporar fora de um culto não é o correto. Pode acontecer numa situação muito especial. E ali é um set de filmagem. O tanto que se para para maquiar, regular luz, reposicionar elementos de cena... Não há entidade que tenha paciência para esperar. E entidade não faz o que um diretor quer na hora que quer. A entidade faz o que tem que fazer e vai embora. 

Eu penso, e aqui é um exercício mental baseado em tudo que vi, li, aprendi e vivenciei, que o mundo evangélico, e anterior a ele o protestante, na tentativa de se distanciar do Catolicismo acabou tirando o feminino do jogo. Enquanto os católicos receberam a base judaica de uma divindade patriarcal, que lá nos primórdios desbancou as divindades matriarcais, eles resgataram o feminino na figura materna de Maria. Não foi colocada no status de divina, mas deram uma importância de reverência por seu papel dentro da religião. Os protestantes a destronaram desse pedestal. E aí perderam um lado da trindade divina primordial, a grande mãe. Ao ter só o grande pai e o filho essa conta não fecha. E lembrando um pouco de Lévinas, o encontro com o "outro" não deve reduzi-lo ao "eu-mesmo". Então, comparativamente,  o polo masculino sem o outro polo, o feminino, fica sem uma percepção de si mesmo. Como você pode saber que você é diferente do outro se tirou o outro da sua existência? Usando o que estou abordando nesse texto, como alguém sabe que é o lado masculino se não tem o feminino para se ver e comparar como totalmente diferente? Percebe a crise que não ter uma representatividade no seu campo religioso causa? 

Se no catolicismo, mesmo rebaixada, temos a figura da mãe, no Candomblé e outras religiões de matriz africana isso é intrínseco. A família primordial é a base: mulher, homem e prole. E devido a isso estar claramente inserido no culto e na mitologia ninguém precisa fazer curso para entender a masculinidade. E, como o clipe da Anitta mostra, caso alguém esteja um tanto confuso sobre isso, as energias das entidades são bem definidas, sejam Orixás, sejam Exus e Pombagiras, que não fazem parte do mesmo culto, e aqui não vou entrar nessa explicação. Desgraça e Meia Noite são giras de Exu e Pombagira reproduzidas artisticamente em função do trabalho da idealizadora do álbum. Então é até engraçado perceber que o que os evangélicos disseram ser uma incorporação de verdade é uma centelha artística do masculino encarnado num culto popular na figura de Exu. 

Eu recomendo a qualquer um que queira sentir o que é ser masculino, ou mesmo feminino, de forma contundente, vá numa gira de Exu. E isso não quer dizer que o povo de Umbanda ou Candomblé não tenha problemas de misoginia, machismo e outros. Contudo, eles entendem um pouco mais essa pegada e não passam vergonha sendo "macho" no meio de outros "machos" gritando "Raul, raul, raulll". Como a vida, uma gira é para todos, indiferente ao sexo biológico. Em compensação, nem sempre será um Exu que descerá em um "macho" provedor. Respeita!

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English

The original text was written without the use of any AI tools; however, the translation was carried out by ChatGPT, as the author does not yet master English grammar. Perhaps one day.

If there is anything that may be difficult to understand or that seems unclear to the reader, this may be due to certain textual constructions, sentence structures, or even references specific to regional Brazilian Portuguese and the culture of Brazil.

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***Note: This text discusses subjects that are very particular to Brazilian culture, and perhaps some terms, expressions, or even facts mentioned here are common knowledge nationally. However, a foreign reader who is not familiar with the culture here may not understand any of it. If that is the case, feel free to leave a comment or even send me an email. I would really like to know. Thank you for supporting the blog.

Disgrace and Masculinity

In a direct way or merely by hinting at it, I have already made clear my desire to do other things and perhaps even shut down the Blog to dedicate myself to videos on YouTube or even Instagram, and I have been studying and organizing myself for that. However, I run into my camera shyness. I never really liked appearing in videos and I also have some resistance to exposing myself, my own paranoia. This aversion to “appearing” gets to the point of greatly hindering this desire of mine to dedicate myself to content creation. I really enjoy writing, preparing, and I need to have my own content. And we know how limited writing on Blogger is. While I do nothing about it, I continue posting gigantic texts here. At most I make a card to post on Instagram informing people that there is a new review about a movie or series.

Another thing I would really like is to diversify my texts with subjects relevant to what I enjoy doing, not only films and a little bit of television series. Talking about art, literature, everyday life, whatever appealed to me: general culture. I even think about a bold project that would combine my degree in Literature to talk about writing, books, and the lifestyle of someone trying to reconcile all of this with earning daily bread. I have plenty of ideas, what is lacking is execution. I cannot forget that my current life context is somewhat troubled, at the moment I live in a small city in the countryside of São Paulo, believe me, if there is one place where culture is fading away, it is here. I will not go down the road of complaining about how much I cannot stand being here, otherwise the whining would never end. However, I have to admit that this sacrifice will be beneficial for me. That does not make anything easier, but I am here for a good reason. Once things are resolved, I would move back to São Paulo the very next day.

Anyone who does not know me from previous times can take a look at my text where I talked about my beginnings on this Blog and will understand a little about some things I am going to address here without going too deep.

I am a white guy from the countryside of São Paulo, from a city that strengthened and grew through the controversial arrival of Italians in Brazil as part of the whitening of the country. By speaking about this, I am stepping onto very unstable ground. Many people do not know the country’s history and end up feeling uncomfortable when certain subjects are brought up. As much as Europeans were seeking better living conditions and fleeing war, coincidentally our political leaders were worried about replacing enslaved labor, since abolition had happened only a few decades earlier, and also, the worst and most harmful concern of all, whitening the population. Every kind of absurdity at the time was used to justify this disgrace. Because of that, there was no historical reparation for the formerly enslaved people and their descendants, on the contrary, in many regions of the country the state paid compensation to the owners of those people, who claimed they had been harmed by losing their enslaved human property after Abolition. Even today, talking about this gives me a knot in my throat.

In the countryside of São Paulo, racial mixing was much smaller, because there were not as many descendants of enslaved people as in other places. I myself met very few Black classmates at school. And I had to learn many things that were never taught at school or at home. My own grandfather, for whom I had enormous affection, was the first person who drew my attention to the skin color of a boy who was my friend. It is not that I could not notice that someone’s skin tone was different from mine. I clearly noticed it, but I had no idea that this was supposed to be a reason for me to differentiate myself and see myself as superior. My grandfather did. And even so, despite disagreeing with him, I internalized many prejudices that I still struggle hard not to let influence me today.

Through this regional background I also inherited Catholicism as my birth religion. There was even a time when I flirted with atheism and perhaps agnosticism, but for those who read the text I mentioned, I became a seminarian of the Catholic Church. Those were bad times... However, this allowed me to live in other cities and get to know other ways of life besides the narrow-minded countryside lifestyle of São Paulo. I lived in Jaú, São Carlos, and Campinas. I had the opportunity to live in Nova Iguaçu, Seropédica, and Piranema, in the state of Rio de Janeiro, and I was always around the state capital. Whatever I could experience, I experienced. And here begins a turning point in my understanding that is relevant to everything I am writing. I had my first contacts with non-Catholic religions through people who practiced them while also attending church. And it was there that my perception of religious sense awakened. I myself found everything I lived in the seminary very rational and dry. First we studied Philosophy for three years, and then I moved on to Theology, depending on the place there are some variations in time and in other courses. Life there, until I moved to Rio, lacked mystical meaning but was intellectually rich. And later, when I abandoned the seminary for good, that is to say, when I was expelled for the third time, I decided to live my life away from religion. Someone would always appear in my life with whom I became involved who ended up being connected to Spiritism, Umbanda, Candomblé, or other denominations. And although I did not feel much mysticism within Catholicism, I studied a great deal about religious sense, obviously through a Catholic lens. And I was astonished to realize that religious sense was the same in any person who believed in something. It sounds obvious, but for me it was not. What I call religious sense was the same, only the particularities of each religion changed. And whenever possible, I went wherever I could to get to know those places. And I saw and learned things, many things, all with the academic confidence of having attended a university that gave me a scientific basis to observe the events I witnessed.

This Sunday I heard Anitta somewhere with one of the songs from her new album Equilibrium and, since some music videos had already been released, out of curiosity I wanted to know what people outside Brazil were thinking and saying about them. Here she is doing well, even if evangelicals are criticizing her. So I watched some reaction videos, some YouTuber reacting to something. And I watched many of those videos, several people adore and are intrigued by this phase. Since they do not understand the language, they focus on the aesthetics and the melody. Some did research and discovered that the videos are highly symbolic, full of references to Anitta religion, Candomblé. Saying it like that is overly simplistic, she indeed brings many elements from that religion, but she also brings elements from Umbanda, regional popular religiosity, and even a little from Indigenous culture.

In times of fragile masculinity, with men attending retreats in the mountains with names that evoke an ideal of manhood, or taking courses to realign themselves with the image of the provider “masculine” man, the video for *Disgrace* hit evangelicals right on target, as they judged there to be a real spiritual incorporation of Exu in the dancer from the video. They simply disregarded the knowledge surrounding the situation. First of all, a professional dancer has techniques, and it is very clear in the video that these are not terreiro dances, they are inspired by certain terreiro movements, and the choreography is full of techniques belonging to the universe of dance itself. And even if there is some outside influence, an entity incorporating outside a ritual is not considered correct. It can happen in a very special situation. But that was a filming set. With all the pauses for makeup, adjusting lights, repositioning scenery elements, there is no entity with the patience to wait for that. And an entity does not do what a director wants whenever he wants it. The entity does what it has to do and leaves.

I think, and here this is a mental exercise based on everything I have seen, read, learned, and experienced, that the evangelical world, and before them the Protestants, in trying to distance themselves from Catholicism ended up removing the feminine from the equation. While Catholics inherited the Jewish foundation of a patriarchal divinity, which in ancient times displaced matriarchal divinities, they recovered the feminine in the maternal figure of Mary. She was not elevated to divine status, but she was given reverence because of her role within the religion. Protestants dethroned her from that pedestal. And then we lost one side of the primordial divine trinity, the great mother. Having only the great father and the son does not complete the equation. And remembering a little of Lévinas the encounter with the other should not reduce the other to myself. So the masculine pole, without the other pole, the feminine, loses its perception of itself. How can you know you are different from the other if you removed the other from your existence? Using what I am discussing in this text, how does someone know they are the masculine side if there is no feminine side to perceive themselves as completely different from? Do you realize the crisis caused by not having representation within your religious field?

If within Catholicism, even diminished, we still have the figure of the mother, in Candomblé and other African-rooted religions this is intrinsic. The primordial family is the foundation: woman, man, and offspring. And because this is clearly embedded in worship and mythology, nobody needs to take courses to understand masculinity. And, as Anitta’s video shows, if someone is somewhat confused about this, the energies of the entities are very well defined, whether they are orixás, Exus, or Pombagiras, which are not part of the same cult, and I will not go into that explanation here. Desgraça and Meia Noite are Exu and Pombagira ceremonies artistically reproduced according to the vision of the album’s creator. So it is even amusing to realize that what evangelicals claimed was a real incorporation is actually an artistic spark of masculinity embodied in a popular ritual through the figure of Exu.

I recommend that anyone who wants to feel what it means to be masculine, or even feminine, in a powerful way, attend an Exu ceremony. And that does not mean that people from Umbanda or Candomblé do not have problems with misogyny, machismo, and others. However, they understand this dynamic a little better and do not embarrass themselves acting like “alpha males” among other “alpha males” shouting “Raul, raul, rauuul.” Like life itself, a ceremony is for everyone regardless of biological sex. On the other hand, it will not always be an Exu that descends into a provider “macho” man. Respect it!

O Diabo Veste Prada 2 - Continuação satisfatória

 O Diabo Veste Prada 2 - Continuação satisfatória 

A indústria cinematográfica tem interesse econômico e não gosta de ficar produzindo novidades que possam gerar prejuízos e isso justifica o tanto de clichês e continuações que acabam por facilitar a vida dos produtores. Até meados dos anos de 1990 o cuidado com as continuações  eram bem reduzido, pelo menos do que eu assistia. Muitos filmes apenas reproduziam o primeiro roteiro com um elemento diferente. Esqueceram de mim foi bem isso, mesma história só mudou o ambiente e a pessoa assustadora que o personagem principal tinha preconceito. Quando a história mudava todo o roteiro a essência dos personagens principais mudava também. Acertar o tom do personagem em uma segunda vez nem sempre se conseguia. Contudo, percebi que começou-se a ter um pouco mais de cuidado com continuações por volta dos anos 2000. E em vários casos as continuações perdem o fôlego da novidade e precisam se ajeitar de outras formas. E cada dia que passa eu reconheço mais a importância do roteiro. Um bom roteiro faz diferença em tudo. Tanto que a primeiria coisa que  fazem para revitalizar alguma franquia é correr atrás de um bom roteirista. Quem não o  faz isso cai nos erros do live action da Branca de Neve. 

Me parece que era justamente isso que estava travando a execução de O Diabo Veste Prada 2. Os produtores e os roteiristas não encontravam uma justificativa para a continuidade de uma história com um arco fechado como foi. O primeiro filme foi lançado em 2006 e fez muito sucesso. E o de agora precisou ser todo reelaborado para se adequar ao mundo que estamos vivendo, sem revistas físicas e muita internet com seus sites de fofocas e redes sociais. Para quem não lembra a personagem de Anne Hathaway foi trabalhar numa renomada revista de moda e encontra o próprio diabo como sua chefe, a Meryl Streep, e conta com a ajuda de um laborioso Stanley Tucci com uma nervosa e grossa Emily Blunt, respectivamente seus personagens são: Andrea, Miranda, Nigel e Emily. 

Agora temos que levar em consideração que o primeiro filme foi baseado no livro escrito por Lauren Weisberger que fez uma continuação que se chama A Vingança Veste Prada que não foi considerado para essa sequência. Escreveram um roteiro independente. Afinal, para um filme desses que ficou autônomo em relação a autora original não faz sentido nenhum usar o material original, não é mesmo? Hollywood e suas letras miúdas nos contratos!

E como disse acima, o grande problema é achar o mesmo tom de todos no filme e tirando, talvez, a interpretação da Meryl Streep que está um pouco mais caricata, e sei que isso pode ser tido como uma heresia, mas é uma percepção minha que senti, pois no primeiro era mais séria, neste nem tanto. Contudo percebo também uns altos e baixos com essa personagem que se mostra mais atenta ao que o RH pede e não ao seu costumeiro mando despótico que aprendemos a adorar.  O restante do elenco está bem afiado e cumprindo todo o beabá do que foi feito no primeiro filme. Só acho que as atrapalhadas da Andrea eram simpáticas no primeiro filme, no segundo, deixa ela infatilizada. Tirando esses derrapões, todo o mais configura uma boa continuação e uma história que agrada o público que quer mais do mesmo ao mesmo tempo que quer novidades. As roupas estão impecáveis e só corroboram que tudo que deixam cair na mídia antes do filme ser exibido não deve ser levado em conta, até fizeram o trocadilho de que no segundo filme o Diabo vestiria Zara. O que não se confirmou. Fica a dica para o povo que está criticando A Odisseia do Nolan sem ter visto o filme, e pior, destilando todo racismo com a Lupita Nyong'o e também uma certa transfobia com o Elliot Page. Espera o filme gente.

No geral gostei bastante de o Diabo Veste Prada 2, usando um termo bem apropiado e usado no momento, ele é "satisfatório" em sua execução e finalização. E ver o desfile de celebridades e artistas convidados para aparecer no filme é algo que faltou muito no primeiro. Contudo sabemos que houve um leve boicote da toda poderosa "Diaba" da moda global, Anna Wintour. Fofocas à parte tudo termina bem na comédia romântica. Só não temos uma música que caiu tanto no gosto popular como foi Suddenly I See, de KT Tunstall que bombou em tudo que era lugar desse país: nas rádios, academias, lojas,  fone de ouvidos e afins. Admito que eu estou limitado nesse momento e não ando pelos lugares que as músicas de real sucesso tocam, baladas. Runway com Lady Gaga e Doechii está indo bem pelo que sei, o clipe é digno do que o filme propõe, contudo não ouvi em outros lugares além de meu celular em casa. 

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The Devil Wears Prada 2 — A Satisfying Sequel

            The film industry is driven by economic interests and does not enjoy taking risks on new ideas that might lead to financial losses, which explains the endless wave of clichés and sequels that make producers’ lives easier. Up until the mid-1990s, at least from what I used to watch, there was very little care put into sequels. Many films simply recreated the first script with one different element. Home Alone was exactly that: the same story, only the setting and the “scary” person the main character feared had changed. And when the story did change completely, the essence of the main characters often changed as well. Capturing the right tone for a character a second time is not always easy. Still, I noticed that around the 2000s, sequels started being handled with a little more care. In many cases, sequels lose the freshness of novelty and need to find other ways to stand on their own. And with every passing day, I recognize more and more the importance of screenwriting. A good script changes everything. So much so that the first thing studios do when trying to revive a franchise is search for a strong screenwriter. Those who fail to do so end up making the same mistakes as the live-action Snow White.

            It seems that this was precisely what delayed the production of The Devil Wears Prada 2. The producers and writers simply could not find a convincing reason to continue a story whose arc had already been fully resolved. The first film was released in 2006 and became a huge success. This new one had to be entirely reworked to fit the world we live in now — a world without print magazines and overflowing with internet gossip sites and social media. For those who may not remember, Anne Hathaway’s character begins working at a prestigious fashion magazine and encounters the devil herself as her boss, played by Meryl Streep, while also relying on the help of the hardworking Stanley Tucci and the perpetually stressed and abrasive Emily Blunt. Their characters, respectively, are Andrea, Miranda, Nigel, and Emily.

            Now, we also have to consider that the first movie was based on the novel written by Lauren Weisberger, who later wrote a sequel titled Revenge Wears Prada, which was not used as the basis for this continuation. Instead, they created an entirely original screenplay. After all, for a film franchise that has become autonomous from its original author, using the source material apparently makes no sense anymore, right? Hollywood and its fine print contracts.

            And as I mentioned above, the biggest challenge is finding the exact same tone for all the characters. Aside from perhaps Meryl Streep’s performance, which feels a bit more caricatured this time around — and I know some people may consider that statement heresy, but it is simply my perception — she felt more serious in the first movie, whereas here she does not. At the same time, I also noticed some interesting ups and downs in the character, who now seems more attentive to what Human Resources demands instead of relying solely on the despotic command style we learned to love. The rest of the cast is sharp and perfectly executes the same formula established in the original film. I just think Andrea’s clumsy moments were charming in the first movie, while in the sequel they occasionally make her feel pathetically infantilized. Aside from these small stumbles, everything else forms a solid continuation and a story that pleases audiences who want more of the same while still craving something new. The costumes are impeccable and only reinforce the fact that everything leaked online before the movie’s release should not be taken seriously. There was even a joke suggesting that, in the sequel, the Devil would be wearing Zara. Thankfully, that never happened.

            A good reminder for the people already criticizing The Odyssey without even seeing the film — and worse, using it as an excuse to unleash racism toward Lupita Nyong'o as well as a certain degree of transphobia toward Elliot Page. Wait for the movie first, people.

            Overall, I really enjoyed The Devil Wears Prada 2. Using a very appropriate modern term, it is “satisfying” in both execution and conclusion. And seeing the parade of celebrity cameos and guest artists throughout the film is something the first movie sorely lacked. Of course, we all know there was a slight boycott from the all-powerful “Devil” of the global fashion industry herself, Anna Wintour. Gossip aside, everything ends well in this romantic comedy.

The only thing missing is a song that captured popular culture the way Suddenly I See by KT Tunstall did back then. That song exploded everywhere in Brazil: on the radio, in gyms, inside stores, through headphones, and beyond. I admit I may be somewhat limited these days and no longer spend time in the places where truly massive hits are played — clubs and parties. Runway by Lady Gaga and Doechii seems to be performing well from what I know, and the music video certainly matches the film’s proposal. Still, I have not heard it anywhere beyond my own cellphone at home.

Pela Metade: uma relação no mínimo distorcida

Pela Metade: uma relação no mínimo distorcida

****Observação: eu assisti o episódio 04 nesse fim de semana e saibam, que episódio que é um soco no estômago. Eu não sei por qual motivo eu insisto em escrever antes de assistir a temporada toda, tanto que saiu meio mixuruca essa resenha. Deixa finalizar a exibição do último capítulo e me comprometo a fazer uma nova reflexão sobre o assunto, que seja só desse último episório que assisti que já vale a resenha. Mas por enquanto fiquem com essa, e perdão, deveria ter sido melhor. (Vigamo - 18/05/26)

Pela Metade é uma série criada e roteirizada pelo Richard Gadd que também fez a aclamada Bebê Rena, , roteiro e atuação,  que não assisti, pois me causou gatilhos. Quem já teve stalker,  e anda se tratando por causa de ansiedade, não necessariamente causada por essa situação, talvez entenda. Pela Metade tem uma temporada com seis episódios sendo que só três foram disponibiliados até o momento pela Max. Sei que já prometi não fazer resenha antes de terminar uma temporada, mas quem somos nós senão seres contraditórios e que adora morder a própria língua? Até o momento está muito interessante.

Basicamente a série foca na relação, no mínimo distorcida, de dois rapazes que são meio irmãos por parte de mães que tem uma relação amorosa. Contudo, enquanto Niall (Jamie Bell) é tímido, confuso com sua sexualidade e um "bom garoto" Ruben (Gadd) é seu oposto, "malvado", esteve preso por arrancar o nariz de um cara a dentadas, agressivo, mas é bonitão e tem personalidade. Ambos, por necessidade inicial são obrigados a dividir o próprio quarto. Contudo a relação fica muito desconfortável em vários sentidos. Niall cria uma dependência emocional tamanha com o Ruben e a cada fase da vida dos dois limites são totalmente extrapolados. 

Essa situação complexa e pautada no domínio de Ruben perpassa toda a relação dos dois. Contudo, isso não é spoiler, pois faz parte da primeira cena, Niall, já mais velho, está no dia do seu casamento tranquilo quando Ruben aparece para bagunçar a vida dele e quebrar seu nariz. Antes da cerimônia em si os dois vão tirar a limpo essa estranha relação e para entendermos como chegou até ali aquilo tudo inicia-se o flashback para nos mostrar como os dois viveram e o que levou até ali. 

Até o presente momento a série tem entregado bastante com as atuações nervosas de Bell e do bravo e irritadiço Gadd. Eu não estava reconhecendo o Bell e fui dar uma olhada no que ele fez e me surpreendi que ele foi o sensível Billy Elliot (2000) e deu a voz, na adaptação animada, a Tintim e estrelou uma parcela de filmes com relativo sucesso, Rocketman, King Kong, Expresso do Amanhã, enfim, inúmeras produções. 

Gadd é a primeira vez que vejo a atuando. Por mais desprezível que seja seu personagem possui um certo carisma. Não sei dizer se vai finalizar satisfatóriamente essa temporada ou se haverá outra. Imagino que seja uma série de uma história fechada. Como não está interiamente disponibilizada promete bastante. Se continuar para o caminho que está propondo a série vai ser bem interessante. 

Reforço minha opinião contradiótia que coloquei acima, eu não assisti inteira, mas está  bem interessante até o momento. Ela flerta com o desconforto. Ao contrário de Bebê Rena, eu estou conseguindo assistir sem me causar crises de ansiedade, mesmo sendo um tema delicado para muitos. 

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*********Note: I watched episode 04 this weekend and, believe me, what an absolute punch to the gut of an episode. I honestly don’t know why I insist on writing before finishing the whole season, which is probably why this review came out a little weak. Let the final episode air, and I promise I’ll write a new reflection on the subject — honestly, that last episode alone already deserves its own review. But for now, this is what I’ve got, and I’m sorry… it should have been better. (Vigamo - 05/18/26)

Halfway There: a relationship that is, at the very least, distorted.

            Halfway There is a series created and written by Richard Gadd, who also made the acclaimed Baby Reindeer — writing and starring in it as well — which I have not watched because it triggered me. Anyone who has ever had a stalker, and is undergoing treatment for anxiety, not necessarily caused by that situation, might understand. Halfway There has one season with six episodes, though only three have been released so far on Max. I know I already promised not to review a show before finishing a season, but who are we if not contradictory beings who love biting our own tongues? So far, it has been very interesting.

            Basically, the series focuses on the deeply distorted relationship between two young men who are half-brothers through their mothers, who are romantically involved. While Niall (Jamie Bell) is shy, confused about his sexuality, and a “good boy,” Ruben (Gadd) is his complete opposite: cruel, aggressive, and once imprisoned for biting a man’s nose off — but he is handsome and charismatic. Due to circumstances at first, the two are forced to share a bedroom. However, the relationship becomes deeply uncomfortable in many ways. Niall develops an overwhelming emotional dependency on Ruben, and with each stage of their lives, boundaries are completely shattered.

            This complex dynamic, centered around Ruben’s dominance, runs throughout their relationship. Still, this is not a spoiler, since it happens in the very first scene: an older Niall is calmly preparing for his wedding day when Ruben suddenly appears to destroy his peace and break his nose. Before the ceremony itself, the two try to settle this strange relationship once and for all, and to understand how things reached that point, the story dives into a flashback showing how they lived and what led them there.

            So far, the series has delivered strong performances from Bell and from the fierce and irritable Gadd. I did not even recognize Bell at first, so I looked into his career and was surprised to remember he was the sensitive Billy in Billy Elliot. He also voiced Tintin in the animated adaptation and has starred in several relatively successful films such as Rocketman, King Kong, and Snowpiercer, among many others.

            This is the first time I have seen Gadd acting. As despicable as his character may be, he still carries a certain charm. I cannot yet say whether this season will end satisfactorily or if there will be another one. I imagine it is meant to be a self-contained story. Since the full season has not been released yet, it still holds a lot of promise. If it continues down the path it is proposing, the series could become something truly compelling.

            I will reinforce the contradictory opinion I mentioned earlier: I have not finished watching it, but it has been very interesting so far. The show constantly flirts with discomfort. Unlike Baby Reindeer, I have been able to watch this one without triggering anxiety attacks, even though it deals with a delicate subject for many people.