Pela Metade - Parte 2: Refeito Como Merece

Pela Metade - Parte 2: Refeito Como Merece

           ************************ CONTÉM MUITOS SPOILERS **************************

Contém muitos spoilers

Eu fiz uma "resenha" bem simples para uma série tão complexa quanto essa. Eu ainda insisto em fazer resenhas quando começo a assistir, e o correto é ir até o fim e depois escrever. Mordi a língua mais uma vez. Se na resenha anterior deixei entrever que era uma boa série, agora, com esta, eu falo que é uma ótima série.

Do episódio 1 ao 3 vemos a adolescência de Ruben e Niall sendo obrigados a manter uma convivência, mas já estabelecendo a dinâmica do que viria a ser a "relação" dos dois. E vamos usar os termos que estão tão em moda na boca dos homens brasileiros, e das mulheres também: um macho alfa e um betinha. Os dois representam a melhor coisa que pode acontecer na vida de alguém e, de partir o coração, a pior coisa também. Para essa fase temos Stuart Campbell, como Ruben, e Mitchell Robertson, como Niall. E já vemos a construção do personagem Ruben flertando com a homoerotização e impondo ao Niall escolher entre orbitar aquele universo de testosterona e ser sempre eclipsado e controlado por ele, ou realmente admitir que pode estar apaixonado e assumir sua homossexualidade ao improvável meio-irmão. Esse, imagino, que além de ser o caminho mais fácil, seria também o que possivelmente aconteceria no mundo real. Contudo, estamos numa obra artística, comercial, mas artística, que não quer desenvolvimento e finais fáceis. Então, Niall, por sua personalidade titubeante e confusa, resolve performar uma masculinidade que talvez não tenha para não só impressionar o Ruben, como para disfarçar a atração que nem ele mesmo entende naquele momento.

Suas mães moram juntas em uma relação estável em uma cidade próxima a Glasgow, na Escócia. Aqui, do lado de cá dos trópicos, os ânimos são diferentes e, se os homens fazem suas broderagens quando novos e levam a vida como se nada tivesse acontecido, reprimindo algum desejo homoerótico e, vez ou outra, aliviando essa pressão com alguma situação propícia, seja com vídeos, seja com sexo escondido na encolha, por lá a mentalidade pode ser um pouco diferente. Ainda hoje o assunto gera incômodo entre garotos, mesmo havendo uma tolerância um pouco maior que na época retratada. Eles estão em meados dos anos 1980 quando jovens. E é interessante que, no último episódio, questionado pelo Niall sobre estar bravo por ele estar se assumindo gay, Ruben fala que ele não era homofóbico. A mãe dele era lésbica, não tinha como ele ser homofóbico. Era o próprio Niall que era homofóbico consigo mesmo.

E aqui temos um ponto. Já cansei de ler isso no Instagram: "Pessoas confusas machucam pessoas" e, sinceramente, eu não sei se o Niall é confuso ou só burro mesmo, acho que os dois. Ruben não é só um adolescente problemático, ele é totalmente cheio de uma coisa que eu vou chamar de sensualidade, por falta de termo na minha cabeça. Ele transparece sua masculinidade só de existir. Ele vive por sua vontade e se encrenca muito por isso. Já muito novo, ele consegue ser quem realmente é, com o preço alto de exacerbar sua raiva, que não sabemos de onde vem. E como a maioria tende a julgar, ele é um homem com H maiúsculo em formação. Ou ainda a coisa mais idiota a se dizer: "ele tem muita testosterona", por isso faz o que faz. E antes de cair nessa mentira que é "homem de verdade é assim", não, somos educados para não sair socando ninguém por aí ou, no caso dele, pisando na cabeça dos outros em um acesso de fúria. Queremos às vezes? Querer não é poder, lembrem-se. Respiramos fundo e guardamos nosso réu primário para uma necessidade realmente necessária, o que não acontece com o Ruben. Ele se descontrola por uma coisa tão idiota que é quase um atestado de burrice maior que o Niall, que, por sua vez, reprime tudo o que começou a sentir, no caso a sua homossexualidade, para se provar tão homem quanto o Ruben, que acaba só fazendo tanta merda quanto o Ruben, mas a dele é daquelas que se empurra com a barriga, vai levando em banho-maria e se estende por anos. Ruben paga por seu crime, mas antes tenta se safar com uma mentira do Niall, que, na última hora, não consegue sustentar e entrega a verdade ao juiz.

E esse é o estopim para toda a burrada que acontece na segunda parte com os personagens adultos. Niall fica com tanto pavor de virar o próximo alvo da fúria do Ruben que vive em estado de pânico extremo e, como é uma pessoa não muito firme com os próprios sentimentos, decide fazer o que muitos fazem: continua reprimindo a sua homossexualidade, mas se entrega ao sexo desequilibrado e às drogas. Sua vida deteriora tanto que ele não se reconhece mais, do garoto estudioso que foi e com um futuro brilhante, a alguém passando dificuldades e sendo chantageado por ser filmado em atos obscenos em um banheiro de uma biblioteca pública. E obviamente, como é incapaz de assumir a própria culpa, joga nas costas de Ruben, que acaba saindo da cadeia e arrumando um bom emprego, consegue uma boa casa, um bom carro e uma esposa que o ama. E adivinha? Quem não se conforma com isso?

E aqui vemos o incrível episódio 4, com a atuação da fase adulta do Niall feita pelo fantástico Jamie Bell e Ruben sendo o próprio criador da série, Richard Gadd. É um embate de duas atuações poderosas. De um lado, o raivoso, explosivo e obsceno Ruben e, do outro, não menos obsceno, mas num polo oposto, um rancoroso e invejoso Niall. Dois atores e um ótimo texto despejando o fel que a masculinidade cultivou em todos aqueles anos de convivência, real ou imaginária. Tudo o mais é acessório. Os dois se rasgam em cena, metaforicamente, e depois desse duelo existe o impensável: uma centelha de compreensão entre os dois.

Vejam bem, antes de dizer que algum deles é realmente culpado ou não, ou um é isso e o outro aquilo, temos que ver que cada um, a seu modo e de acordo com sua personalidade, é vítima de um sistema cultural machista que não só coloca o homem como privilegiado de todos os direitos possíveis, como também o massacra sob um peso insuportável de um ideal de ser que é impossível de alcançar. E aqui pegamos o que a série quer discutir sobre o universo masculino no que tem de mais íntimo e criticável: essa busca em ser homem que não se sustenta com cursinho, com retiro, com vivência bíblica, com o que quer que o próprio homem decida fazer. Mesmo que tente fugir dessa imagem negando os próprios desejos ou reprimindo-os, só piora a situação. É a machosfera em seu pior sendo retratada nos dois personagens principais. Os dois caminhos que os dois personagens tomam não dão certo, pois essa masculinidade construída é uma mentira. Externalizando ou reprimindo essa masculinidade, ela só se mostrou tóxica e inviável. Sustentou-se antes por questões históricas, repressão social e até da mulher. Geralmente as produções mostram o resultado negativo numa relação machista com alguma mulher. Raramente o tema é abordado mostrando o homem na sua intimidade, o que pode gerar essa vivência de masculinidade forjada e doentia no próprio homem. Ruben chega até a fingir que está trabalhando e se enterra em dívidas para manter a sua aparência de homem provedor. Niall se afunda nas drogas primeiro por medo da vingança do meio-irmão, depois por não querer assumir que gosta de fazer sexo com homens, coisa que faz da pior forma possível, praticando sexo em parques, saunas e lugares públicos, escondido de si mesmo, mas no fundo se importando somente com o Ruben descobrir, pois todos os demais já sabem que ele é gay. Só ele mesmo não quer admitir isso. E nesse processo arruma uma namorada e a engravida. É uma tentativa de se autoafirmar e, ao que parece, se afirmar com o Ruben fictício que criou. Em paralelo, Ruben descobre ser estéril. Achando que a esposa o está traindo, em novo acesso de fúria, causado talvez propositalmente por Niall inventar que a esposa de Ruben saiu com outro cara, sendo que foi ele quem acabou fazendo sexo com ela, Ruben, em novo acesso de raiva, pisoteia o suposto amante e vai preso mais uma vez.

É um pandemônio de escolhas e ações péssimas guiadas por essa obsessão de ser homem. E, com essa prisão, Niall finalmente se apruma e consegue escrever sua história, ou melhor, a do seu meio-irmão. E o livro faz sucesso. Tanto sucesso que ele, como autor, é diminuído, pois ninguém quer saber dele e sim do personagem do livro, que é totalmente baseado em Ruben. E a luta dos dois continua, o submisso que tenta se impor ao dominante sem conseguir. Ele quer ser dominado e não quer ao mesmo tempo, então se pune e, nessa autopunição, acaba afetando o dominador, que tem seus próprios problemas para lidar. E a única coisa que o Niall realmente queria era a atenção e o reconhecimento do Ruben. E Ruben não tem como dar isso, pois era o próprio Niall que tinha essas travas na cabeça e dependia da aprovação do Ruben, sendo que o único que precisava se aprovar para si mesmo era o Niall. E ao mesmo tempo o invejava por ele conseguir ser quem era, por ele nunca ter conseguido ser.

E quando Niall se liberta de tudo isso, ele acaba apunhalando o Ruben nas costas, contando que saiu com a mulher que ele amava e a engravidou. Ruben achou que talvez fosse seu aquele filho, tinha a esperança de que fosse, pois, na cabeça de um homem, ter filho te faz um homem. E tudo isso depois deles se abrirem um ao outro de forma sincera e como desabafo. E vislumbramos o motivo da raiva exagerada de Ruben: ele foi abusado pelo pai e, sem entender, em vários momentos teve prazer enquanto a situação acontecia. Isso, sem o acompanhamento adequado, gerou mais confusão em sua mente, que se manifestava num sentimento de não ser um homem por inteiro, só pela metade, daí o nome da série.

E é interessante, esses modelos de homens não podem existir, apesar deles existirem, de várias formas, em vários países e culturas diferentes. Mas, sabiamente, Gadd, ao escrever seu roteiro, dá o final necessário a eles. Esses dois tipos de homens representados por Niall e Ruben literalmente se matam. E a vida lá fora continua.

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E-mail: vinimotta2012@gmail.com ( e PIX, ajudem o escritor, sempre presicamos de incentivo) 

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The original text was written without the use of any AI tools; however, the translation was carried out by ChatGPT, as the author does not yet master English grammar. Perhaps one day.

If there is anything that may be difficult to understand or that seems unclear to the reader, this may be due to certain textual constructions, sentence structures, or even references specific to regional Brazilian Portuguese and the culture of Brazil.

All subsequent texts will include this notice.

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Half Man – Part 2: Redone the Way It Deserves

I wrote a very simple "review" for a series as complex as this one. I still insist on writing reviews when I start watching something, when the right thing to do is to finish it first and only then write about it. Once again, I had to eat my words. If, in my previous review, I hinted that it was a good series, now I can say it plainly: it is a great series.

From episodes 1 through 3, we see Ruben and Niall's adolescence, forced into coexistence while already establishing the dynamic that would define their future "relationship." And let's use the terms currently so popular among Brazilian men, and women too: an alpha male and a beta male. Together, they represent both the best thing that can happen in someone's life and, heartbreakingly, the worst. For this phase, we have Stuart Campbell as Ruben and Mitchell Robertson as Niall. We can already see Ruben's character flirting with homoeroticism while forcing Niall to choose between orbiting that testosterone-filled universe and remaining forever eclipsed and controlled by it, or admitting that he might be in love and embracing his homosexuality with his unlikely half-brother. I imagine that, besides being the easier path, it would also be the one most likely to happen in real life. However, we are dealing with a work of art, commercial but still artistic, one that does not seek easy development or easy endings. So Niall, because of his hesitant and confused personality, decides to perform a masculinity he may not actually possess, not only to impress Ruben but also to disguise an attraction that he himself does not yet understand.

Their mothers live together in a stable relationship in a town near Glasgow, Scotland. Here, on this side of the tropics, attitudes are different. Men engage in their "brotherhood experiments" when young and then go on with their lives as though nothing happened, repressing homoerotic desires and occasionally relieving that pressure through convenient opportunities, whether through videos or secretive sexual encounters. Over there, the mindset may be somewhat different. Even today, the topic still causes discomfort among boys, despite there being slightly greater tolerance than during the period portrayed in the series. They are in the mid-1980s when young. It is interesting that, in the final episode, when Niall asks whether he is angry about him coming out as gay, Ruben replies that he was not homophobic. His mother was a lesbian; how could he be homophobic? It was Niall who was homophobic toward himself.

And here we reach an important point. I have lost count of how many times I've read this on Instagram: "Confused people hurt people." Honestly, I don't know if Niall is confused or simply stupid. I think he's both. Ruben is not merely a troubled teenager; he is overflowing with something I will call sensuality, for lack of a better term. He radiates masculinity simply by existing. He lives according to his own will and gets into trouble because of it. At a very young age, he manages to be who he truly is, paying the high price of amplifying a rage whose origins we never fully understand. And, as most people would judge, he is a capital-M Man in the making. Or, to use the most ridiculous explanation possible, "he has a lot of testosterone," therefore he does what he does. Before anyone falls for the lie that "real men are like that," no, we are taught not to go around punching people or, in Ruben's case, stomping on other people's heads during a fit of rage. Do we sometimes want to? Wanting is not the same as being able to. We take a deep breath and preserve our clean criminal record for an actual necessity, something Ruben never does. He loses control over something so absurdly trivial that it almost serves as a certificate of stupidity greater than Niall's. Meanwhile, Niall represses everything he begins to feel, namely his homosexuality, in order to prove himself as much of a man as Ruben. In the end, he creates just as much destruction as Ruben, except his damage is the kind that gets postponed, slowly simmering for years. Ruben pays for his crime, but first attempts to escape punishment through a lie told by Niall, who at the last moment cannot maintain it and tells the truth to the judge.

That becomes the spark for every bad decision that follows in the second half with the adult characters. Niall becomes so terrified of being the next target of Ruben's fury that he lives in a state of extreme panic. Since he is not particularly secure in his own feelings, he chooses the path many people do: he continues repressing his homosexuality while surrendering himself to reckless sex and drugs. His life deteriorates so drastically that he no longer recognizes himself. The studious boy with a bright future becomes someone struggling to survive and being blackmailed after being filmed performing obscene acts in the bathroom of a public library. And, naturally, because he is incapable of accepting responsibility, he places the blame on Ruben, who has left prison, found a good job, acquired a nice house, a good car, and a wife who loves him. And guess who cannot accept that?

Here we get the incredible Episode 4, featuring the adult Niall portrayed by the fantastic Jamie Bell and Ruben played by the series' creator himself, Richard Gadd. It is a clash of two powerful performances. On one side, the furious, explosive, and obscene Ruben. On the other, no less obscene, though at the opposite pole, the resentful and envious Niall. Two actors and an excellent script pouring out all the poison that masculinity has cultivated through years of coexistence, whether real or imagined. Everything else is secondary. The two metaphorically tear each other apart on screen, and after this duel, the unthinkable happens: a spark of understanding emerges between them.

Before declaring one of them guilty or innocent, or labeling one this and the other that, we must recognize that each, in his own way and according to his personality, is a victim of a patriarchal cultural system that not only places men in a privileged position but also crushes them beneath the unbearable weight of an impossible ideal. Here we reach what the series truly wants to discuss about the male experience in its most intimate and criticizable form: this relentless pursuit of manhood that cannot be sustained through courses, retreats, biblical experiences, or whatever methods men invent for themselves. Even when they try to escape this image by denying or repressing their desires, they only make things worse. The manosphere, at its worst, is embodied by these two protagonists. Neither path works because the masculinity they pursue is a lie. Whether externalized or repressed, it proves toxic and unsustainable. Historically, it survived through social repression and even through women's participation in maintaining those structures. Most productions show the harmful effects of sexism through its impact on women. Rarely do they explore what this forged and unhealthy masculinity does to men themselves.

Ruben even pretends to be working and buries himself in debt to maintain the appearance of being a provider. Niall sinks into drugs, first out of fear of his half-brother's revenge, then because he refuses to admit that he enjoys having sex with men. He pursues this in the worst possible way, seeking encounters in parks, saunas, and public spaces, hiding from himself while ultimately caring only about whether Ruben discovers it, because everyone else already knows he is gay. He is the only one who refuses to admit it. During this process, he gets a girlfriend pregnant. It is another attempt at self-affirmation and, apparently, at proving himself to the fictional version of Ruben he has created in his mind. Meanwhile, Ruben discovers he is sterile. Believing that his wife is cheating on him, in another fit of rage, perhaps deliberately provoked by Niall claiming that Ruben's wife had gone out with another man, when in fact Niall himself had slept with her, Ruben brutally attacks the supposed lover and ends up in prison once again.

It is a pandemonium of terrible choices and terrible actions driven by this obsession with being a man. And with this imprisonment, Niall finally pulls himself together and manages to write his story, or rather, his half-brother's story. The book becomes a success. Such a success, in fact, that he is diminished as an author because nobody cares about him. They care about the character, who is entirely based on Ruben. And so their struggle continues: the submissive man attempting to dominate the dominant one and failing. He wants to be dominated and does not want it at the same time, so he punishes himself. In doing so, he ends up affecting the dominator, who has his own problems to deal with. The only thing Niall truly wanted was Ruben's attention and recognition. Ruben could never provide that because those barriers existed only inside Niall's mind. He depended on Ruben's approval when the only approval he truly needed was his own. At the same time, he envied Ruben for being able to be himself, something Niall never managed to do.

And when Niall finally frees himself from all of this, he stabs Ruben in the back by revealing that he slept with the woman Ruben loved and got her pregnant. Ruben had hoped that child might be his. He wanted to believe it was because, in a man's mind, having children makes you a man. And all of this happens after they have opened up to each other sincerely, sharing their deepest confessions. It is then that we glimpse the source of Ruben's overwhelming rage: he was abused by his father and, without understanding it, experienced pleasure during parts of the abuse. Without proper support, this only deepened the confusion in his mind, manifesting as a feeling that he was not a whole man, only half a man, hence the title of the series.

It is interesting because these models of masculinity should not exist, despite existing in countless forms across different countries and cultures. Yet Gadd, wisely, gives them the ending they require. These two types of men, represented by Niall and Ruben, literally destroy each other. And life outside goes on.

Quentin Tarantino: Estilo bem pessoal e marcante

 

Quentin Tarantino: Estilo bem pessoal e marcante.

Como são caros os anos que se acumulam nesta decrépida carcaça. Eu trabalhava em uma locadora de fitas VHS quando conheci Pulp Fiction e, consequentemente, o Quentin Tarantino. Virou uma das fitas mais retiradas por um bom tempo. Todo mundo queria assistir a esse filme. Era um vigor novo aos filmes policiais. Apesar de que o qualificar nesse único gênero é simplista. Tarantino nasceu no Tennessee e, para minha ilusão de seguir o mesmo caminho, ele também chegou a trabalhar numa locadora. Só que, ao contrário dele, que assistia a vários títulos seguidamente enquanto trabalhava, minha patroa tinha uma compulsão por limpeza e eu e a outra funcionária, Michaela, inclusive ainda mantenho contato com ela. Até WhatsApp tenho e mando um oi vez ou outra. A dona maníaca espero ter morrido com o cu cheio de terra, que era o que ela vivia dizendo que sentia cheiro toda vez que ia lá.  Nós podíamos ter acabado de lavar ou limpar as caixas de fitas alguns minutos antes, ela mandava recomeçar. A maldita mania do patrão brasileiro que acha que, por estar pagando o empregado, ele tem que ser explorado até o último minuto com trabalho incessante, mesmo que seja desnecessário. Eu e a Michaela vivíamos limpando as fitas com pano úmido e álcool. Incessantemente. Acabava de repassar todas as fitas, talvez esperávamos dois dias só espanando, mas logo a desgramenta da patroa vinha com: "Ain, que cheiro de terra!!!" Beijos Michaela por dividir cominto um ódio comum...  

Quando lançou Pulp Fiction: Tempo de Violência (1994), eu estava acostumado com filmes lineares e fiquei muito admirado com o formato totalmente "bagunçado" do filme. E, no meio do caminho, personagens importantes morrendo de forma um tanto banal, e as cenas de violência que, para a época, eram bem pesadas. Até hoje lembro a cabeça estourada no banco de trás de um carro em movimento. E como uma coisa aparentemente aleatória desembocava em outra. E quantas cenas icônicas. O discurso final do personagem de Samuel L. Jackson até hoje me deixa de boca caída. Só perdoo ele ter perdido, pois quem levou foi Martin Landau interpretando Bela Lugosi. A sodomia à qual o personagem Marcellus, de Ving Rhames, foi submetido, e o personagem Butch, de Bruce Willis, o salvando de coisa pior e sua dívida é perdoada. A dança da Mia e do Vincent Vega, respectivamente Uma Thurman e John Travolta, que garantiu o retorno estrondoso desse ator que estava totalmente esquecido. É um roteiro cheio de coisa boa, por isso mereceu o Oscar naquele ano. É um elenco estelar e todos estão bem. 

Jackie Brown (1997). Foi numa época pré-internet acessível, então eu não estava preparado para o que era. Quando assisti, eu não entendi a proposta do filme, realmente achei sem graça. Eu não fazia ideia do peso que a Pam Grier tinha no cinema com  o blaxploitation, que foi um gênero que colocava mulheres fortes na tela como heroínas improváveis para salvar algum ente querido. Não era comum pessoas negras serem representadas como heroicas nas telas, e principalmente mulheres. Contudo, o gênero caiu na hiperssexualização da mulher negra. Tudo isso sedimentado pela minha falta de conhecimento do cinema dos anos de 1970 e minha pouca idade soava velho, pesadão e não tinha o frescor do filme anterior para mim. Mal sabia o quão cult era e eu que não consegui captar. De forma geral, eu gostei, mas realmente essa questão histórica, na época, me faltou. Preciso assistir de novo para tirar a prova. 

Kill Bill: Volume 1 (2003): Esse, quando estreou, eu estava sendo expulso de um estilo de vida que julgava ser o ideal para mim só pelo fato de um escândalo econômico iminente estar para estourar, onde estudava, e o responsável me usou, e a meus colegas, para levantar poeira e desviar as atenções do que estava vindo à tona.  Deu certo, fui mandado embora de onde estava com mais cinco amigos e ele ficou lá achando que ia tomar a direção e comando do lugar. Não cheguei a contar essa história ainda em lugar algum. Pretendo, não sei como e nem quando, mas quem acompanha outros textos pode imaginar onde era esse lugar. Na dúvida, leia "Meus Primórdios Nesse Blog. A história em si do filme foi tão diferente na época e ligada a um sentimento que eu estava almejando na época, vingança, que eu amei de cara tudo o que vi. E dessa vez eu tinha uma noção melhor de filmes antigos e sabia das inspirações do Tarantino, e lembrava vagamente de ter assistido a alguns filmes de luta quando criança. Mal sabia eu que minhas lembranças eram uns dois por cento de tudo que estava lá. E foi gostoso descobrir as coisas num garimpo de informações. E ele ser em dois volumes, vindo no ano seguinte Kill Bill: Volume 2 (2004), foi algo inusitado. Ver a Noiva de amarelo com uma espada samurai, a listinha de morte... Fiz uma igual colocando aquele horrendo ser rastejante que tramou contra mim e meus amigos no topo, mas ao invés de Kill Bill, na minha tinha "Kill Biltela"... Era o apelido do ser do esgoto que merecia algo até pior que a morte. E, pelo que sei, teve... Mas, protegido que era, ficou onde estava, num posto rebaixado. Percebam que minha terapia está fazendo milagres... Antes eu sequer falava disso... Acompanhar a história de vingança e destruição que a Noiva, interpretada pela atriz fetiche do diretor, Uma Thurman, foi fantástico. E quem não lembra que gerou um fruto inusitado, a música "The Killer Song", da Carolina Marquez, que tenho certeza que quem conheceu nessa época, só de ler o nome agora, vai ressoar no cérebro o resto do dia, principalmente o assovio da Elle Driver, da Daryl Hannah, que foi uma vilã impagável entre tantas outras personagens fortes e inesquecíveis. 

Bastardos Inglórios (2009) foi um filme que fui assistir meio sem vontade, mesmo sendo um Tarantino. É um filme de guerra. E, por mais que o nazismo tenha sido um horror para a humanidade, acho que filme de guerra só pelo ponto de vista de um povo perseguido já deu, né? Não acho que devamos parar de fazer filmes de guerra, mas vamos pôr na tela os povos que também foram  sacrificados e que não eram judeus. E são tantos, os gays, os poloneses, que de seis milhões mortos, três milhões foram civis não judeus, ciganos, pessoas com algum tipo de deficiência. O que me cansa nos filmes de guerra é ver só um lado dos perseguidos e nunca os outros, que foram muitos. Dito isso, Bastardos Inglórios é fenomenal. Eu achava que depois do discurso do Jules em Pulp Fiction seria difícil outro discurso tão eloquente e foda. E Tarantino vem e faz o personagem Hans Landa, excepcionalmente executado pelo irretocável Christoph Waltz. Ele ganhou o Oscar de Melhor Ator Coadjuvante por causa disso. E olha, o discurso onde ele desmonta o cara que escondia a família de Shosanna e acaba descobrindo eles escondidos no seu porão foi aterrador. Tanto o texto quanto a interpretação. Fantástico. E as mensagens que ele passa, tirando aqui e ali um sarro de algumas coisas, são fenomenais. E que personagens foram os do Fassbender e do Eli Roth. Até o Brad Pitt se mostrou bem no papel, mesmo sendo um pouco mais caricato. Outro filme irretocável, mesmo com seu final que deu uma versão alternativa aos fatos históricos. 

Django Livre (2012): Admito que fiquei um pouco entediado no meio do filme. E essa revisão histórica com um escravo alforriado que vira um vingador me soou um pouco anacrônica. E, para variar, quem estava equivocado? Com muito custo e graças às melhorias do Google e também à universalização do acesso à internet, consegui colocar de vez na cabeça que assistir a Quentin Tarantino é uma aula de resgate e referências do cinema. E, no caso, dos filmes que ele tanto admirava na sua juventude. Depois de entender isso, seus filmes tomam outra dinâmica e realmente Django Livre não é nem um pouco entediante. 

Os Oito Odiados (2015): Entra na mesma linha dos de cima, ficando mais evidentes as referências, pois eu assisti a muitos faroestes. Não é meu gênero favorito. É de um "masculinismo" muito idealizado. E sabemos há muito tempo que nem tudo é assim do jeito que contam. E tudo bem. E aqui, novamente recontando a história do seu modo, Tarantino acrescenta a esse faroeste elementos que não são comuns ao gênero. Se já começa com um cenário não corriqueiro de nevasca branca que quase cega a câmera, já nos tira o chão daquela aridez seca e poeirenta que estávamos acostumados a ver de fundo na paisagem. Ele também acrescenta dois tipos de pessoas que eram excluídas ou relegadas a uma coadjuvância do personagem principal, uma mulher e uma pessoa negra. Faroestes não são exemplos de filmes em que negros estejam presentes. Por que será, não é mesmo? Nem precisa ser um detetive muito bom para entender. E, como disse, mulher raramente era principal ou até mesmo uma baderneira. O faroeste sempre, forçadamente, era muito homem bruto representado mulher na maioria das vezes só cabia como interesse amoroso/sexual. E a jornada vai desenrolando com oito personagens que se engalfinham numa cabana presos por uma nevasca. E o título é bem literal, não tem um que mereça nossa empatia. Chega uma hora que nós ficamos torcendo para que todos se matem de vez mesmo. 

Era uma Vez em... Hollywood eu comecei a assistir e parei. E nem foi por não gostar da história em si. Só aconteceu de deixar para depois e o depois não chegou até agora. É uma das coisas que só o streaming proporciona. No cinema você fica até o fim para fazer valer até o último centavo o preço altíssimo do ingresso. Em casa tudo pode ser interrompido: alguém no portão, uma briga dos seus gatos ou mesmo a vontade de comer uma feijoada e começar a fazê-la do zero. Tarantino é um de meus diretores favoritos e pena ele dizer que está se aposentando da direção. Espero que continue pelo menos como roteirista, que é dos bons, por sinal. Estilo próprio e marcante de uma forma bem marcante.

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Quentin Tarantino: A Very Personal and Distinctive Style

How expensive the years are as they pile up on this decrepit carcass. I was working at a VHS rental store when I discovered Pulp Fiction and, consequently, Quentin Tarantino. It became one of the most rented tapes for quite some time. Everybody wanted to watch that movie. It brought a new energy to crime films. Although reducing it to that single genre is an oversimplification.

Tarantino was born in Tennessee and, feeding my illusion of following the same path, he also worked at a video rental store. The difference was that, unlike him, who watched one title after another while working, my boss had a cleaning obsession. Michaela and I, the other employee, spent our days dealing with it. In fact, I still keep in touch with her. We even have each other on WhatsApp and exchange greetings from time to time. As for that maniac of a boss, I hope she died with her ass full of dirt, since that was what she always claimed to smell whenever she showed up. We could have just cleaned the tape cases minutes earlier and she would make us do it all over again. That damned habit some Brazilian bosses have of thinking that because they pay an employee, they must squeeze every last second of labor out of them, even when it's completely unnecessary.

Michaela and I spent our days cleaning tapes with damp cloths and alcohol. Relentlessly. We would finish going through every tape and maybe spend two days just dusting, but before long the damned boss would show up again with her usual complaint: "Oh my God, it smells like dirt in here!!!"  Kisses, Michaela, for sharing a common hatred with me...

        When Pulp Fiction (1994) came out, I was used to linear storytelling, so I was amazed by the film's completely "messy" structure. Important characters dying in such casual ways, and those violent scenes that were pretty shocking for the time. I still remember the exploded head in the backseat of a moving car. And how one apparently random event would lead into another. And what a collection of iconic scenes.  Samuel L. Jackson's final speech still leaves me speechless. I only forgive him for losing because Martin Landau won for playing Bela Lugosi. The sodomy Marcellus, played by Ving Rhames, is subjected to, and Butch, played by Bruce Willis, saving him from something even worse, leading to his debt being forgiven. Mia and Vincent Vega's dance, performed by Uma Thurman and John Travolta respectively, helped bring about Travolta's spectacular comeback after he had been largely forgotten. The screenplay is packed with great moments, which is why it deserved the Oscar that year. The cast is stellar and everyone delivers.

Jackie Brown (1997). This was before widespread internet access, so I wasn't prepared for what it was. When I watched it, I didn't understand what Tarantino was trying to do and honestly found it boring. I had no idea how important Pam Grier was to cinema through blaxploitation, a genre that placed strong women on screen as unlikely heroines trying to save someone they cared about. It wasn't common to see Black people portrayed as heroes on screen, especially Black women. However, the genre eventually fell into the hypersexualization of Black women. Combined with my lack of knowledge about 1970s cinema and my young age, the film felt old-fashioned, heavy, and lacked the freshness of Tarantino's previous work. Little did I know how much of a cult classic it was. I simply failed to grasp it. Overall, I liked it, but at the time I lacked the historical context necessary to fully appreciate it. I need to watch it again and see if my opinion changes.

Kill Bill: Vol. 1 (2003). When this one came out, I was being pushed out of a lifestyle that I believed was ideal for me because a major financial scandal was about to erupt where I studied. The person responsible used me and my classmates as distractions to stir up dust and divert attention from what was coming to light. It worked. I was kicked out along with five friends, while he stayed behind believing he would take control of the place. I have never fully told that story anywhere. I intend to someday. I don't know how or when, but anyone who follows my writing can probably guess where this happened. If in doubt, read "My Early Days on This Blog." (The text is in Portuguese and I did not translate it because it ended up being more of an expression of my Brazilian identity, and many passages would require a more refined translation. At the moment, I only use ChatGPT for that purpose.) 

The story itself was so different at the time and connected to a feeling I desperately wanted then: revenge. I instantly loved everything I saw. This time I also had a better understanding of older films and knew about Tarantino's influences. I vaguely remembered watching martial arts movies as a child. Little did I know those memories represented maybe two percent of what was actually there. It was enjoyable discovering all those references through my own information scavenger hunt. The fact that it came in two parts, with Kill Bill: Vol. 2 arriving the following year, was unusual. Seeing the Bride dressed in yellow carrying a samurai sword and her death list... I made one myself, placing that horrible crawling creature who plotted against me and my friends right at the top. But instead of "Kill Bill," mine was called "Kill Biltela." (Bitela = heifer. In Brazilian Portuguese, almost any insult can be used for both men and women, depending on how offensive the speaker wants to be. Yes, our insults can be very cruel, harsh, and genuinely offensive. And when you add the right tone of voice, everything becomes even worse. An interesting detail is that the very same insult can take on a completely different meaning, even while still carrying an offensive connotation. It's complex, which is why I didn't translate the text I mentioned above.)   .That was the nickname of that sewer creature who deserved something worse than death. And, from what I know, he got it. Still, being protected as he was, he remained where he was, only in a demoted position. Notice what therapy can do. I couldn't even talk about this before. Following the Bride's path of revenge and destruction, portrayed by the director's favorite actress, Uma Thurman, was fantastic. And who doesn't remember the unexpected legacy it produced with Carolina Marquez's "The Killer Song"? I'm sure that anyone who lived through that period only needs to read the title and it will echo in their head for the rest of the day, especially because of Elle Driver's whistle. Daryl Hannah was an unforgettable villain among so many strong and memorable characters.

Inglourious Basterds (2009) was a film I watched somewhat reluctantly, even though it was Tarantino. It's a war movie. And while Nazism was unquestionably one of humanity's greatest horrors, I sometimes feel we've reached the point where war films focusing solely on one persecuted group have become repetitive. I'm not saying we should stop making war films, but let's also put other victims on screen. There were so many: gay people, Poles, Roma people, disabled individuals. Of the six million Poles who died during the war, three million were non-Jewish civilians. What tires me is seeing only one side of persecution while many others remain largely invisible. That said, Inglourious Basterds is phenomenal. I thought it would be impossible to top Jules' speech in Pulp Fiction. Then Tarantino created Hans Landa, masterfully portrayed by Christoph Waltz. His Oscar for Best Supporting Actor was fully deserved.  The scene where he psychologically dismantles the farmer hiding Shosanna's family and discovers them beneath the floorboards is terrifying. The writing is extraordinary and so is the performance. The film's themes, combined with its occasional mockery and dark humor, are outstanding. Fassbender's character was excellent, Eli Roth's as well. Even Brad Pitt worked surprisingly well, despite being somewhat more caricatured. Another nearly flawless film, even with its alternate-history ending.

Django Unchained (2012). I admit I became a little bored in the middle. This revisionist history involving a freed slave turned avenger initially struck me as somewhat anachronistic. And once again, who was wrong? Me. Thanks to better internet access, Google's improvements, and a broader understanding of film history, I finally realized that watching Quentin Tarantino is essentially taking a class in cinema history and film references, especially the movies he adored in his youth. Once you understand that, his films take on an entirely different dimension. Django Unchained is not boring at all. 

The Hateful Eight (2015) follows the same path, with the references becoming even more apparent because I had seen many westerns. It's not my favorite genre. It carries a highly idealized form of masculinity. We have known for a long time that reality was never quite as those stories presented it. Here Tarantino once again reshapes history in his own way, adding elements uncommon to the genre. Beginning with a blinding white snowstorm immediately removes us from the dusty, sun-scorched landscapes traditionally associated with westerns. He also gives meaningful space to two groups usually excluded or relegated to supporting roles: a woman and a Black man. Westerns are hardly known for featuring Black characters prominently. I wonder why. It doesn't take a great detective to figure that out. And women were rarely protagonists or troublemakers. Most often they existed merely as romantic or sexual interests for the leading man. The story unfolds with eight characters trapped together in a cabin during a snowstorm. The title is quite literal. Not one of them deserves much sympathy. Eventually, you find yourself rooting for all of them to kill each other.

Once Upon a Time in Hollywood, I started watching and then stopped. Not because I disliked it. I simply put it aside for later, and later never arrived. That's one of the things streaming allows. In a movie theater, you stay until the end because you paid a ridiculous amount for the ticket. At home, anything can interrupt you: someone at the gate, your cats fighting, or the sudden urge to make a pot of feijoada completely from scratch. 

Tarantino is one of my favorite directors, and it's unfortunate that he says he's retiring from directing. I hope he continues writing screenplays, because he is exceptionally good at it. A truly distinctive style, memorable in every sense of the word.

The Boroughs: Idosos e Ficção Científica combinam muito bem

 

The Boroughs: Idosos e Ficção Científica combinam muito bem

Essa produção é dos FDPs dos Irmãos Duffer. E isso já me deixou um pouco desconfiado. Para quem não sabe, esses dois homens, Matt e Ross, foram responsáveis pelo maior sucesso da Netflix nos últimos anos: Stranger Things. Essa série foi absurdamente bem até a primeira parte da última temporada. O restante foi de uma falta de respeito com o público, tudo malfeito e executado. Até o momento não houve nenhuma manifestação dos dois pelo que aconteceu com o fim da série. Até hoje há teorias sobre a quebra de ritmo e furos enormes no roteiro e nenhuma solução. Eu me recusei a fazer uma resenha desse último desastre que fomos obrigados a aceitar como término de uma história que começou tão bem, empolgou e reviveu a nostalgia da década de 1980. 

Tirando o ódio que ainda persiste, esse foi o único comentário que fiz e vou fazer daquele final escabroso, a não ser que algo aconteça que me contradiga. Esta história eles só produziram, a criação é de outros que realmente não conheço, Jeffrey Addiss e Will Matthews, que também assinam o roteiro dos episódios principais. E é uma ótima história. Divertida e com começo, meio e fim coerentes com tudo que foi escrito até ali, aprendam, irmãos...

Uma das coisas que realmente me desanimam ao assistir séries é ela ser cancelada do nada ou ainda se perder totalmente só para ficar agradando fã. Ela mingua e nunca termina. Só quando espremem todas as ideias mais estapafúrdias, que nem fazem sentido para aqueles personagens, só para prorrogar o fim. Então tenho preferido séries de uma temporada só para assistir. Nem sempre retorno para a segunda temporada se a primeira não me intrigou o suficiente. E The Boroughs parte dessa percepção. Ela tem uma história fechada, com um fim que até permite uma continuidade, o que é bem justo, caso queiram, sem interferir na história que já foi contada.

A história homenageia os filmes "Sessão da Tarde" dos anos de 1980, mesmo se passando no tempo atual. The Boroughs é uma casa de repouso diferenciada, literalmente forma pequenos bairros, daí o nome em inglês, com casas particulares para idosos se sentirem como se estivessem na sua própria casa e não num asilo sofisticado. Isso é abordado o tempo todo pelo roteiro e também a questão parental de se deixar um pai ou mãe em um lugar desses. Outra coisa que se aborda é como eles são esquecidos e desacreditados só por serem o que são, idosos. Isso é usado pela história, pois aparece uma criatura estranha durante a noite atacando uma senhorinha. Essa já é a cena inicial e evidentemente é escondida pelo CEO esquisito do lugar, Blaine (Seth Numrich). Com a casa vaga, eles logo a disponibilizam para um novo morador, que vai ser Sam (Alfred Molina), que está em luto pela recente perda de sua amada esposa. Lá conhece outros moradores, o casal Judy (Alfre Woodard) e Art (Clarke Peters) Daniels, ela jornalista aposentada, ele maconheiro inveterado, Wally (Denis O'Hare), um médico renomado que luta contra um câncer terminal, e Renee, produtora musical aposentada que é interpretada pela maravilhosa Geena Davis, que eu não via atuando há muito tempo. E não posso esquecer Bill Pullman, como Jack, que acaba quebrando um pouco a casca dura que é a armadura emocional de Sam. Conforme a história se desenrola, não vou comentar muito para não dar spoilers dos episódios, mas um gancho em cima do outro vai acontecendo, o que me deixou muito interessado até o fim. Só não maratonei por causa de compromissos que surgiram esses dias. 

Como disse, há homenagens aos filmes da década de 1980 e não tem como não recordar de Cocoon (1985), onde um grupo de idosos descobre que a piscina de um vizinho causa um inesperado rejuvenescimento. Aqui em The Boroughs a pegada é mais pesada e cheia de mistérios que aquele, e sem piscinas. Eu só acho um pouco forçada a sexualização de umas coisas um tanto desnecessárias. Eu não entendo a mentalidade americana de socar sensualidade em momentos esquisitos. Por isso são tão problemáticos com um monte de coisas, pois não há naturalidade em várias situações. A sexualidade existe e é algo natural. E olha que achei válido mostrarem o romance amoroso com direito a uma noite de sexo entre a personagem de Geena Davis e o segurança bonitão Paz (Carlos Miranda), que é usado como o pedaço de corpo sensual a ser mostrado. Em vários momentos a sexualidade de pessoas idosas é abordada, seja por situações engraçadas e inusitadas, os namoros de Jack ou mesmo uma suruba, que só foi citada, numa dependência comum do lugar que eles citam, entre outras coisas. 

A série diverte, traz uma pitada de nostalgia, é leve, mesmo causando um medinho aqui e ali, e tem um final coerente com tudo que foi produzido até aquele momento. E ver atores veteranos como os principais e sustentando um ótimo trabalho de interpretação é uma maravilha.

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The original text was written without the use of any AI tools; however, the translation was carried out by ChatGPT, as the author does not yet master English grammar. Perhaps one day.

If there is anything that may be difficult to understand or that seems unclear to the reader, this may be due to certain textual constructions, sentence structures, or even references specific to regional Brazilian Portuguese and the culture of Brazil.

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The Boroughs: Elderly People and Science Fiction Are a Great Combination

This production comes from those bastards, the Duffer Brothers. And that already made me a little suspicious. For those who do not know, these two men, Matt and Ross, were responsible for Netflix’s biggest success in recent years: Stranger Things. That series was absurdly good until the first part of the final season. The rest was a complete disrespect toward the audience, everything poorly made and executed. Up to this moment there has been no statement from either of them about what happened with the ending of the series. To this day there are theories about the broken pacing and massive plot holes, and no solutions whatsoever. I refused to write a review about that final disaster we were forced to accept as the conclusion of a story that started so well, thrilled audiences, and revived the nostalgia of the 1980s.

Putting aside the hatred that still lingers, this was the only comment I made and will make about that atrocious ending, unless something happens that proves me wrong. In this story they only worked as producers, the creation belongs to other people I honestly do not know, Jeffrey Addiss and Will Matthews, who also wrote the main episodes. And it is a great story. Fun, with a coherent beginning, middle, and ending that respects everything that had been written up to that point. Learn from that, brothers...

One of the things that truly discourages me when watching series is when they get canceled out of nowhere or completely lose themselves just to keep pleasing fans. The story slowly withers away and never ends. Only after squeezing out every absurd idea imaginable, ideas that no longer make sense for those characters, just to delay the ending. Because of that, I have been preferring single-season series lately. I do not always return for a second season if the first one did not intrigue me enough. And *The Boroughs* comes from that exact perception. It has a self-contained story with an ending that still allows room for continuation, which feels fair if they decide to continue it, without interfering with the story that has already been told.

The story pays tribute to the “afternoon session” movies of the 1980s, even though it takes place in the present day. The Boroughs is a very different retirement home. It literally forms small neighborhoods, hence the English title, with private houses so elderly residents can feel as if they are still living in their own homes rather than in a luxurious nursing home. This is constantly addressed throughout the script, along with the parental dilemma of leaving a father or mother in a place like that. Another theme explored is how elderly people are forgotten and discredited simply because they are old. The story uses this very well, because a strange creature appears during the night attacking an elderly woman. That is already the opening scene and it is obviously covered up by the creepy CEO of the place, Blaine (Seth Numrich). Once the house becomes vacant, they quickly make it available to a new resident, Sam (Alfred Molina), who is grieving the recent loss of his beloved wife. There he meets other residents, the couple Judy (Alfre Woodard) and Art (Clarke Peters) Daniels, she a retired journalist, he a lifelong pot smoker, Wally (Denis O'Hare), a renowned doctor fighting terminal cancer, and Renee, a retired music producer played by the wonderful Geena Davis, whom I had not seen acting in a very long time. And I cannot forget Bill Pullman as Jack, who ends up breaking through the emotional armor surrounding Sam. As the story unfolds, I will not comment too much to avoid spoilers for the episodes, but one hook after another keeps happening, which kept me deeply interested until the very end. I only did not binge-watch it because of commitments that came up over the past few days.

As I said, there are tributes to 1980s movies, and it is impossible not to remember Cocoon (1985), where a group of elderly people discovers that a neighbor’s swimming pool causes unexpected rejuvenation. Here in *The Boroughs* the tone is heavier and filled with more mysteries than that film, and without any swimming pools. I just find the sexualization of certain unnecessary moments a bit forced. I do not understand the American mentality of shoving sensuality into awkward situations. That is why they become so problematic about so many things, because there is no naturalness in several situations. Sexuality exists and it is something natural. And honestly, I thought it was valid to show the romance, including a sex scene between Geena Davis’s character and the handsome security guard Paz (Carlos Miranda), who is clearly used as the sensual eye candy of the show. In several moments the sexuality of elderly people is explored, whether through funny and unusual situations, Jack’s relationships, or even an orgy, which was only mentioned, in one of the common areas of the place, among other things.

The series is entertaining, brings a touch of nostalgia, feels light even while delivering some creepy moments here and there, and has an ending coherent with everything that had been built until that point. And seeing veteran actors taking the lead and carrying such a strong acting performance is wonderful.

Mother Mary: É Michaela Coel

 Mother Mary: É Michaela Coel

Mother Mary tem Anne Hathaway, fantástica, “recém-saída” de um lançamento mundial muito aguardado, que foi O Diabo Veste Prada 2. Ela nesse filme que me parece ser  um clickbait  de alto luxo para captar nossa atenção e ir assistir esse filme. O que não é errado, longe disso. Se tem uma coisa que Anne provou foi que faz bem o papel de sofredora chorana, sua Fantine em Os Miseráveis, até lhe rendeu um Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante, merecidíssimo.  E somente assistindo ao filme, depois de fisgados por essa isca de luxo, percebemos a coisa mais maravilhosa e surpreendente que a própria: Michaela Coel. Esse filme é dela. Por mais que a mídia incense Hathaway, é com Michaela que a tensão se forma, se condensa pelas paredes de nossa cabeça e escorre pelo nosso assoalho da psique causado não só o efeito de estranheza, como também de fascínio. O tempo todo seu olhar forte e intenso nos conduz na trama.   

Nem vou falar da produção toda diferentona que somente os estúdios da produtora A24 poderiam executar e da direção bem pontuada David Lowery, que também assina o roteiro. Também não vou falar das construções de figurino que não só trazem beleza, mas a essência do que é trabalhado no roteiro. E também, por fim, mas não menos importante, não tem como falar da trilha sonora, que conta com várias participações na produção das músicas, entre elas, Jack Antonoff,  Charli XCX  e FKA Twigs que está fazendo uma participação através de uma médium inverossímil.  

Temos uma estrela da música em crise, a própria Mother Mary, Hathaway. Em um surto de aparente estrelismo, ela some, vai embora da produção  nas vésperas de um show importante e vai parar nas portas da estilista Sam, Coel. Aos poucos, vamos descobrindo qual a relação das duas, qual o motivo do surto da grande estrela da música pop e daquela mulher misteriosa. É aqui que vemos que, apoiado totalmente pelo roteiro bem escrito, quem dá estofo para a história tomar a proporção de suspense é Michaela. Ela nos deixa tensos. Seu método de entender sua “cliente” é assustador. Ela, com seu olhar quase fanático e sua voz suave, ao mesmo tempo sonora, parecendo um sopro por um caniço maciço e melodioso, causa uma sensação perturbadora. E vamos entendendo o que liga aquelas duas mulheres aparentemente tão diferentes. É uma revelação de uma situação, é uma fala, é uma metáfora usada. É a construção da tensão que faz o fim, totalmente simbólico, fazer sentido. 

Eu não sei se minha brasilidade me deixa muito atento a isso, mas a única coisa de que realmente não gostei foi o “ritual” da médium interpretada pela FKA Twigs em dado momento que é nada mais que uma brincadeira do copo. Não falo que não haja força espiritual nisso. Quem acredita sabe. Esteticamente, como criação narrativa, é algo de fácil assimilação, e imagino que foi uma forma de retratar para o grande público uma ação necessária para desenrolar o que está por vir. Eu, particularmente, não gostei. Tirando o infantiloide e simplório "joguinho do copo" sem copo, acontece um rito muito ancestral nesse filme. Não que se deva se preocupar ao assistir, achando que algo vai se fazer presente, um portal para os infernos será aberto e sua alma vai ser comprometida com isso. Parece ser uma preocupação, esse comprometimento da alma, em alguns grupos religiosos que mais precarizam a psiquê  que a edificam nos seus adeptos. Podem ficar tranquilos, que suas almas já estão comprometidas com outras coisas que não sejam rituais assistidos em filmes, séries, teatro e músicas. Existe, sim, uma representação simbólica de um ritual, não o ritual em si, mas os elementos básicos estão ali para insinuar e não revelar. Tanto que, em um momento, Sam pede para Mother Mary repetir uma fala ritualística da médium, e ela não consegue, e Sam dá de ombros, dando a entender que não importa, somente a intenção basta. E isso com os objetos, que ela pega aleatoriamente, apesar de achar que não foi tão aleatório assim, mas os faz ser representativos. E, sem mostrar, o ritual está lá. Uma dica: quem conhece um pouco a noção de cura e também de axexê do Candomblé pode perceber uma similaridade.  

De mais da metade do filme para diante, temos uma mescla tão forte de realidade, metáforas e simbolismos que pode ficar um pouco confuso para algumas pessoas. E algumas pessoas podem achar chato, pois é um suspense “diferente”, o que, para mim, é uma virtude. Esse roteiro mostra que suspense pode vir de qualquer coisa. Cabe ao senso artístico transformar o que quer que seja em uma experiência estética que cause a emoção ou sensação que pretende. 

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Mother Mary: Michaela Coel

                Mother Mary stars Anne Hathaway, fantastic as always, fresh off the highly anticipated worldwide release of The Devil Wears Prada 2. In this film, she seems to function as a kind of high-end clickbait, drawing us in and making us want to watch. And there’s nothing wrong with that — far from it. If there’s one thing Anne has proven, it’s that she excels at portraying emotionally tormented women. Her Fantine in Les Misérables even earned her a well-deserved Academy Award for Best Supporting Actress.

                But it is only after we’ve been hooked by this luxurious bait that we discover the film’s most wonderful and surprising element: Michaela Coel herself. This is her film. No matter how much the media glorifies Hathaway, it is Michaela who creates the tension, who lets it build and condense against the walls of our minds until it seeps across the floorboards of our psyche, producing not only estrangement but fascination as well. Her powerful, intense gaze guides us through the story at every moment.

                    I won’t even get into the uniquely unconventional production that only A24 studios could pull off, nor David Lowery’s precise direction — he also wrote the screenplay. I also won’t dwell on the costume design, which delivers not just beauty but the very essence of what the script is exploring. And finally, but no less importantly, there’s the soundtrack, which features contributions from several artists, including Charli XCX and FKA twigs, who appears in the film through the role of an implausible medium.

               We follow a music star in crisis — Mother Mary herself, played by Hathaway. In what initially appears to be a fit of diva behavior, she disappears and abandons production on the eve of an important show, eventually arriving at the doorstep of stylist Sam, played by Coel. Little by little, we uncover the connection between these two women, the reason behind the pop star’s breakdown, and the mystery surrounding Sam. It’s here that we realize that, fully supported by the sharp screenplay, it is Michaela who gives the story the substance necessary for the suspense to take shape. She makes us uneasy. Her method of understanding her “client” is frightening. With her almost fanatical stare and her soft yet resonant voice — like air passing through a dense, melodic reed — she creates a deeply disturbing sensation. And gradually we begin to understand what binds these two seemingly different women together. It comes through a revelation, a line of dialogue, a metaphor. It is the slow construction of tension that ultimately makes the completely symbolic ending feel meaningful.

               I don’t know if it’s my Brazilian background that makes me especially sensitive to this, but the one thing I truly disliked was the “ritual” performed at one point by the medium played by FKA twigs, which is essentially just a variation of the “Ouija glass game.” I’m not saying there can’t be spiritual force in such practices — those who believe in it know that. But aesthetically, as a narrative device, it feels too simplistic and easily digestible, likely a way to present a necessary action to mainstream audiences in order to move the plot forward. Personally, I didn’t like it. Aside from the childish and simplistic “cup game” without the cup, however, there is a much more ancestral rite taking place within the film. Not that viewers should worry about accidentally summoning something, opening a portal to hell, or compromising their souls. This obsession with “soul corruption” seems more common in certain religious groups that weaken the psyche of their followers rather than strengthen it. Rest assured: your souls are already committed to things far beyond rituals portrayed in films, series, theater, or music.

            There is indeed a symbolic representation of a ritual here — not the ritual itself — but the basic elements are present, serving to suggest rather than reveal. At one point, Sam asks Mother Mary to repeat a ritual phrase spoken by the medium, and she cannot. Sam simply shrugs, implying that it does not matter; intention alone is enough. The same applies to the objects she picks seemingly at random — though I suspect they were not random at all — transforming them into symbolic instruments. Without ever fully showing it, the ritual is there. A hint for those familiar with it: anyone who understands a bit about the concepts of healing rituals and axexê within Candomblé may notice certain similarities.

            From the second half onward, the film blends reality, metaphor, and symbolism so intensely that it may become confusing for some viewers. Others may even find it boring, since this is a very “different” kind of suspense — which, to me, is precisely its greatest strength. The screenplay demonstrates that suspense can emerge from absolutely anything. It is the artist’s sensibility that transforms whatever material they choose into an aesthetic experience capable of provoking the intended emotion or sensation.

Francis Ford Coppola: um motivo digno de um cancelamento

 

Francis Ford Coppola: um motivo digno de um cancelamento

Eu gosto de dizer que sou cinéfilo, pelo menos eu penso que sou. Só não enveredei numa carreira mais ligada a esse universo porque, pobre, no interior de São Paulo, numa época longínqua, a vida me levou a tentar algo mais pé no chão para minhas condições. Nada me impediu de ser um apreciador e consumidor de cinema na medida do possível. Fiz Filosofia e isso me deu uma boa bagagem para entender textos, narrativas e construções ideológicas e imagéticas, entre outras coisas. A vida me levou ao curso de Letras e comecei a dar aulas como professor de Português e Inglês em escolas públicas. Grande erro. Era o que dava para fazer para pôr comida na mesa. Em 2012 eu resolvi, como um exercício de escrita, já que sonhava em ser escritor, fazer um blog. De início contava narrativas de minha vida num contexto bem estabelecido, depois tive a ideia de escrever sobre filmes e sobre o que mais aparecesse, no caso, livros e séries.

Consumo tudo desse universo. Como CLT, meu tempo nunca foi tão elástico e minhas 24 horas não eram as mesmas que as de outras pessoas. Quantas vezes eu chegava exausto de um dia enfrentando jovens que pareciam possuídos pelo mais puro espírito de pais e mães incompetentes em criar um ser humano minimamente capaz de respeitar alguém que está ali para ensiná-los. É tão absurdo isso que eu tive uma crise tão forte de ansiedade que parei de dar aula no final de 2023 e até hoje não voltei para a sala de aula. Estou me vendo obrigado a voltar por necessidade. Adoraria viver do que eu faço com a escrita, que ainda é pouco. A realidade me empurra e não liga se meu trauma está ou não bem trabalhado e superado em terapia. 

Com relação aos filmes, eu gosto de muita coisa e, por conveniência e por falta de maiores possibilidades, acabo assistindo muita coisa dos EUA, que têm uma indústria insuperável no momento em volume de produções, seja em música, séries ou filmes. Esses dias eu estava ouvindo alguns podcasts e os participantes debatiam sobre os diretores de que eles mais gostavam, quem eles realmente achavam os melhores, e parei um pouco para pensar e tentar elaborar meus preferidos. Me dei conta de que há diretores bons, de que eu gosto muito, com tantos filmes que eu sequer assisti metade do que dirigiram. E aí tive a ideia de apresentar a vocês os diretores pelo meu ponto de vista e os filmes deles que assisti. 

E já começo com uma heresia cinematográfica praticamente imperdoável, digna de um cancelamento: eu só assisti a dois filmes de Francis Ford Coppola. 

Dois, só dois filmes desse grande diretor, produtor e roteirista nascido em Detroit em 1939, que possui produções icônicas na cultura pop atual: Drácula de Bram Stoker e Peggy Sue, Seu Passado a Espera. Este último eu lembro muito pouco, assisti na televisão. E Drácula eu achei o máximo, e só depois descobri as referências e fiquei mais encantado ainda. Contudo, todos os outros filmes têm histórias que não me chamam atenção e eu acabava deixando para depois. E o depois nunca se consumou. Eu vi alguns trechos de Apocalypse Now e, desinteressado, fui dormir. O mesmo aconteceu com a cena da cabeça do cavalo em O Poderoso Chefão, só que esta me deu aflição e dó do bicho. E realmente eu não consigo me conectar com esse gênio artístico que é o Coppola. Falha da minha personalidade cinéfila. 

Não vou me defender em nada, eu sou o errado. E abaixo eu deixo uma imagem com a lista dos filmes que eu assisti e não assisti. Se possível, farei isso com outros grandes diretores.

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Francis Ford Coppola: a reason worthy of cancellation

I like to say that I am a cinephile, or at least I think I am. I just never pursued a career more connected to that universe because, being poor, living in the countryside of São Paulo, in a distant era, life pushed me toward something more grounded for my circumstances. Still, nothing stopped me from being an admirer and consumer of cinema whenever possible. I studied Philosophy, and that gave me a solid background to understand texts, narratives, ideological and visual constructions, among other things. Life eventually took me to a Literature degree, and I started teaching Portuguese and English in public schools. A huge mistake. It was what I could do to put food on the table. In 2012, as a writing exercise, since I dreamed of becoming a writer, I decided to create a blog. At first, I wrote narratives about my own life within a well-defined context, but later I had the idea of writing about films and whatever else came up, mainly books and TV series.

I consume everything from that universe. As a working-class employee, my time has never been elastic, and my 24 hours never seemed to be the same as everyone else’s. So many times I came home exhausted after spending the day dealing with teenagers who seemed possessed by the pure spirit of parents incapable of raising a minimally respectful human being toward someone who is there to teach them. It became so absurd that I had such a severe anxiety crisis that I stopped teaching at the end of 2023, and to this day I have not returned to the classroom. I am being forced to go back out of necessity. I would love to make a living from what I do with writing, even though it is still very little. Reality keeps pushing me forward and does not care whether my trauma has been fully processed and overcome in therapy or not.

When it comes to films, I enjoy many things and, for convenience and lack of broader possibilities, I end up consuming a lot of American productions, since the United States currently has an unmatched entertainment industry in terms of volume, whether in music, television series, or films. A few days ago I was listening to some podcasts in which the participants debated their favorite directors, the ones they genuinely considered the best, and I stopped for a moment to think about my own favorites. That was when I realized there are directors I truly admire, yet I have not even watched half of the films they directed. So I came up with the idea of presenting directors from my own perspective and discussing the films of theirs that I have watched.

And I am already beginning with an almost unforgivable cinematic heresy, something worthy of cancellation: I have only watched two Francis Ford Coppola films.

Two, only two films by this great director, producer, and screenwriter born in Detroit in 1939, a man responsible for productions that became iconic within modern pop culture: Bram Stoker’s Dracula and Peggy Sue Got Married. I barely remember the latter since I watched it on television a long time ago. As for Dracula, I absolutely loved it, and later, when I discovered its references, I became even more fascinated. However, all of his other films revolve around stories that simply do not capture my attention, so I always ended up postponing them. And that “later” never came. I watched a few scenes from Apocalypse Now and, feeling uninterested, went to sleep. The same thing happened with the horse head scene in The Godfather, except that one made me uncomfortable and sorry for the animal. And honestly, I simply cannot connect with the artistic genius that Coppola is. A flaw within my cinephile personality.

I will not defend myself at all, I am the one in the wrong. Below I leave an image with the list of the films I have watched and those I have not. If possible, I will do the same with other great directors.