Quentin Tarantino: Estilo bem pessoal e marcante

 

Quentin Tarantino: Estilo bem pessoal e marcante.

Como são caros os anos que se acumulam nesta decrépida carcaça. Eu trabalhava em uma locadora de fitas VHS quando conheci Pulp Fiction e, consequentemente, o Quentin Tarantino. Virou uma das fitas mais retiradas por um bom tempo. Todo mundo queria assistir a esse filme. Era um vigor novo aos filmes policiais. Apesar de que o qualificar nesse único gênero é simplista. Tarantino nasceu no Tennessee e, para minha ilusão de seguir o mesmo caminho, ele também chegou a trabalhar numa locadora. Só que, ao contrário dele, que assistia a vários títulos seguidamente enquanto trabalhava, minha patroa tinha uma compulsão por limpeza e eu e a outra funcionária, Michaela, inclusive ainda mantenho contato com ela. Até WhatsApp tenho e mando um oi vez ou outra. A dona maníaca espero ter morrido com o cu cheio de terra, que era o que ela vivia dizendo que sentia cheiro toda vez que ia lá.  Nós podíamos ter acabado de lavar ou limpar as caixas de fitas alguns minutos antes, ela mandava recomeçar. A maldita mania do patrão brasileiro que acha que, por estar pagando o empregado, ele tem que ser explorado até o último minuto com trabalho incessante, mesmo que seja desnecessário. Eu e a Michaela vivíamos limpando as fitas com pano úmido e álcool. Incessantemente. Acabava de repassar todas as fitas, talvez esperávamos dois dias só espanando, mas logo a desgramenta da patroa vinha com: "Ain, que cheiro de terra!!!" Beijos Michaela por dividir cominto um ódio comum...  

Quando lançou Pulp Fiction: Tempo de Violência (1994), eu estava acostumado com filmes lineares e fiquei muito admirado com o formato totalmente "bagunçado" do filme. E, no meio do caminho, personagens importantes morrendo de forma um tanto banal, e as cenas de violência que, para a época, eram bem pesadas. Até hoje lembro a cabeça estourada no banco de trás de um carro em movimento. E como uma coisa aparentemente aleatória desembocava em outra. E quantas cenas icônicas. O discurso final do personagem de Samuel L. Jackson até hoje me deixa de boca caída. Só perdoo ele ter perdido, pois quem levou foi Martin Landau interpretando Bela Lugosi. A sodomia à qual o personagem Marcellus, de Ving Rhames, foi submetido, e o personagem Butch, de Bruce Willis, o salvando de coisa pior e sua dívida é perdoada. A dança da Mia e do Vincent Vega, respectivamente Uma Thurman e John Travolta, que garantiu o retorno estrondoso desse ator que estava totalmente esquecido. É um roteiro cheio de coisa boa, por isso mereceu o Oscar naquele ano. É um elenco estelar e todos estão bem. 

Jackie Brown (1997). Foi numa época pré-internet acessível, então eu não estava preparado para o que era. Quando assisti, eu não entendi a proposta do filme, realmente achei sem graça. Eu não fazia ideia do peso que a Pam Grier tinha no cinema com  o blaxploitation, que foi um gênero que colocava mulheres fortes na tela como heroínas improváveis para salvar algum ente querido. Não era comum pessoas negras serem representadas como heroicas nas telas, e principalmente mulheres. Contudo, o gênero caiu na hiperssexualização da mulher negra. Tudo isso sedimentado pela minha falta de conhecimento do cinema dos anos de 1970 e minha pouca idade soava velho, pesadão e não tinha o frescor do filme anterior para mim. Mal sabia o quão cult era e eu que não consegui captar. De forma geral, eu gostei, mas realmente essa questão histórica, na época, me faltou. Preciso assistir de novo para tirar a prova. 

Kill Bill: Volume 1 (2003): Esse, quando estreou, eu estava sendo expulso de um estilo de vida que julgava ser o ideal para mim só pelo fato de um escândalo econômico iminente estar para estourar, onde estudava, e o responsável me usou, e a meus colegas, para levantar poeira e desviar as atenções do que estava vindo à tona.  Deu certo, fui mandado embora de onde estava com mais cinco amigos e ele ficou lá achando que ia tomar a direção e comando do lugar. Não cheguei a contar essa história ainda em lugar algum. Pretendo, não sei como e nem quando, mas quem acompanha outros textos pode imaginar onde era esse lugar. Na dúvida, leia "Meus Primórdios Nesse Blog. A história em si do filme foi tão diferente na época e ligada a um sentimento que eu estava almejando na época, vingança, que eu amei de cara tudo o que vi. E dessa vez eu tinha uma noção melhor de filmes antigos e sabia das inspirações do Tarantino, e lembrava vagamente de ter assistido a alguns filmes de luta quando criança. Mal sabia eu que minhas lembranças eram uns dois por cento de tudo que estava lá. E foi gostoso descobrir as coisas num garimpo de informações. E ele ser em dois volumes, vindo no ano seguinte Kill Bill: Volume 2 (2004), foi algo inusitado. Ver a Noiva de amarelo com uma espada samurai, a listinha de morte... Fiz uma igual colocando aquele horrendo ser rastejante que tramou contra mim e meus amigos no topo, mas ao invés de Kill Bill, na minha tinha "Kill Biltela"... Era o apelido do ser do esgoto que merecia algo até pior que a morte. E, pelo que sei, teve... Mas, protegido que era, ficou onde estava, num posto rebaixado. Percebam que minha terapia está fazendo milagres... Antes eu sequer falava disso... Acompanhar a história de vingança e destruição que a Noiva, interpretada pela atriz fetiche do diretor, Uma Thurman, foi fantástico. E quem não lembra que gerou um fruto inusitado, a música "The Killer Song", da Carolina Marquez, que tenho certeza que quem conheceu nessa época, só de ler o nome agora, vai ressoar no cérebro o resto do dia, principalmente o assovio da Elle Driver, da Daryl Hannah, que foi uma vilã impagável entre tantas outras personagens fortes e inesquecíveis. 

Bastardos Inglórios (2009) foi um filme que fui assistir meio sem vontade, mesmo sendo um Tarantino. É um filme de guerra. E, por mais que o nazismo tenha sido um horror para a humanidade, acho que filme de guerra só pelo ponto de vista de um povo perseguido já deu, né? Não acho que devamos parar de fazer filmes de guerra, mas vamos pôr na tela os povos que também foram  sacrificados e que não eram judeus. E são tantos, os gays, os poloneses, que de seis milhões mortos, três milhões foram civis não judeus, ciganos, pessoas com algum tipo de deficiência. O que me cansa nos filmes de guerra é ver só um lado dos perseguidos e nunca os outros, que foram muitos. Dito isso, Bastardos Inglórios é fenomenal. Eu achava que depois do discurso do Jules em Pulp Fiction seria difícil outro discurso tão eloquente e foda. E Tarantino vem e faz o personagem Hans Landa, excepcionalmente executado pelo irretocável Christoph Waltz. Ele ganhou o Oscar de Melhor Ator Coadjuvante por causa disso. E olha, o discurso onde ele desmonta o cara que escondia a família de Shosanna e acaba descobrindo eles escondidos no seu porão foi aterrador. Tanto o texto quanto a interpretação. Fantástico. E as mensagens que ele passa, tirando aqui e ali um sarro de algumas coisas, são fenomenais. E que personagens foram os do Fassbender e do Eli Roth. Até o Brad Pitt se mostrou bem no papel, mesmo sendo um pouco mais caricato. Outro filme irretocável, mesmo com seu final que deu uma versão alternativa aos fatos históricos. 

Django Livre (2012): Admito que fiquei um pouco entediado no meio do filme. E essa revisão histórica com um escravo alforriado que vira um vingador me soou um pouco anacrônica. E, para variar, quem estava equivocado? Com muito custo e graças às melhorias do Google e também à universalização do acesso à internet, consegui colocar de vez na cabeça que assistir a Quentin Tarantino é uma aula de resgate e referências do cinema. E, no caso, dos filmes que ele tanto admirava na sua juventude. Depois de entender isso, seus filmes tomam outra dinâmica e realmente Django Livre não é nem um pouco entediante. 

Os Oito Odiados (2015): Entra na mesma linha dos de cima, ficando mais evidentes as referências, pois eu assisti a muitos faroestes. Não é meu gênero favorito. É de um "masculinismo" muito idealizado. E sabemos há muito tempo que nem tudo é assim do jeito que contam. E tudo bem. E aqui, novamente recontando a história do seu modo, Tarantino acrescenta a esse faroeste elementos que não são comuns ao gênero. Se já começa com um cenário não corriqueiro de nevasca branca que quase cega a câmera, já nos tira o chão daquela aridez seca e poeirenta que estávamos acostumados a ver de fundo na paisagem. Ele também acrescenta dois tipos de pessoas que eram excluídas ou relegadas a uma coadjuvância do personagem principal, uma mulher e uma pessoa negra. Faroestes não são exemplos de filmes em que negros estejam presentes. Por que será, não é mesmo? Nem precisa ser um detetive muito bom para entender. E, como disse, mulher raramente era principal ou até mesmo uma baderneira. O faroeste sempre, forçadamente, era muito homem bruto representado mulher na maioria das vezes só cabia como interesse amoroso/sexual. E a jornada vai desenrolando com oito personagens que se engalfinham numa cabana presos por uma nevasca. E o título é bem literal, não tem um que mereça nossa empatia. Chega uma hora que nós ficamos torcendo para que todos se matem de vez mesmo. 

Era uma Vez em... Hollywood eu comecei a assistir e parei. E nem foi por não gostar da história em si. Só aconteceu de deixar para depois e o depois não chegou até agora. É uma das coisas que só o streaming proporciona. No cinema você fica até o fim para fazer valer até o último centavo o preço altíssimo do ingresso. Em casa tudo pode ser interrompido: alguém no portão, uma briga dos seus gatos ou mesmo a vontade de comer uma feijoada e começar a fazê-la do zero. Tarantino é um de meus diretores favoritos e pena ele dizer que está se aposentando da direção. Espero que continue pelo menos como roteirista, que é dos bons, por sinal. Estilo próprio e marcante de uma forma bem marcante.

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Obrigado por prestigiar o blog. 

E-mail: vinimotta2012@gmail.com ( e PIX, ajudem o escritor, sempre presicamos de incentivo) 

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The original text was written without the use of any AI tools; however, the translation was carried out by ChatGPT, as the author does not yet master English grammar. Perhaps one day.

If there is anything that may be difficult to understand or that seems unclear to the reader, this may be due to certain textual constructions, sentence structures, or even references specific to regional Brazilian Portuguese and the culture of Brazil.

All subsequent texts will include this notice.

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Quentin Tarantino: A Very Personal and Distinctive Style

How expensive the years are as they pile up on this decrepit carcass. I was working at a VHS rental store when I discovered Pulp Fiction and, consequently, Quentin Tarantino. It became one of the most rented tapes for quite some time. Everybody wanted to watch that movie. It brought a new energy to crime films. Although reducing it to that single genre is an oversimplification.

Tarantino was born in Tennessee and, feeding my illusion of following the same path, he also worked at a video rental store. The difference was that, unlike him, who watched one title after another while working, my boss had a cleaning obsession. Michaela and I, the other employee, spent our days dealing with it. In fact, I still keep in touch with her. We even have each other on WhatsApp and exchange greetings from time to time. As for that maniac of a boss, I hope she died with her ass full of dirt, since that was what she always claimed to smell whenever she showed up. We could have just cleaned the tape cases minutes earlier and she would make us do it all over again. That damned habit some Brazilian bosses have of thinking that because they pay an employee, they must squeeze every last second of labor out of them, even when it's completely unnecessary.

Michaela and I spent our days cleaning tapes with damp cloths and alcohol. Relentlessly. We would finish going through every tape and maybe spend two days just dusting, but before long the damned boss would show up again with her usual complaint: "Oh my God, it smells like dirt in here!!!"  Kisses, Michaela, for sharing a common hatred with me...

        When Pulp Fiction (1994) came out, I was used to linear storytelling, so I was amazed by the film's completely "messy" structure. Important characters dying in such casual ways, and those violent scenes that were pretty shocking for the time. I still remember the exploded head in the backseat of a moving car. And how one apparently random event would lead into another. And what a collection of iconic scenes.  Samuel L. Jackson's final speech still leaves me speechless. I only forgive him for losing because Martin Landau won for playing Bela Lugosi. The sodomy Marcellus, played by Ving Rhames, is subjected to, and Butch, played by Bruce Willis, saving him from something even worse, leading to his debt being forgiven. Mia and Vincent Vega's dance, performed by Uma Thurman and John Travolta respectively, helped bring about Travolta's spectacular comeback after he had been largely forgotten. The screenplay is packed with great moments, which is why it deserved the Oscar that year. The cast is stellar and everyone delivers.

Jackie Brown (1997). This was before widespread internet access, so I wasn't prepared for what it was. When I watched it, I didn't understand what Tarantino was trying to do and honestly found it boring. I had no idea how important Pam Grier was to cinema through blaxploitation, a genre that placed strong women on screen as unlikely heroines trying to save someone they cared about. It wasn't common to see Black people portrayed as heroes on screen, especially Black women. However, the genre eventually fell into the hypersexualization of Black women. Combined with my lack of knowledge about 1970s cinema and my young age, the film felt old-fashioned, heavy, and lacked the freshness of Tarantino's previous work. Little did I know how much of a cult classic it was. I simply failed to grasp it. Overall, I liked it, but at the time I lacked the historical context necessary to fully appreciate it. I need to watch it again and see if my opinion changes.

Kill Bill: Vol. 1 (2003). When this one came out, I was being pushed out of a lifestyle that I believed was ideal for me because a major financial scandal was about to erupt where I studied. The person responsible used me and my classmates as distractions to stir up dust and divert attention from what was coming to light. It worked. I was kicked out along with five friends, while he stayed behind believing he would take control of the place. I have never fully told that story anywhere. I intend to someday. I don't know how or when, but anyone who follows my writing can probably guess where this happened. If in doubt, read "My Early Days on This Blog." (The text is in Portuguese and I did not translate it because it ended up being more of an expression of my Brazilian identity, and many passages would require a more refined translation. At the moment, I only use ChatGPT for that purpose.) 

The story itself was so different at the time and connected to a feeling I desperately wanted then: revenge. I instantly loved everything I saw. This time I also had a better understanding of older films and knew about Tarantino's influences. I vaguely remembered watching martial arts movies as a child. Little did I know those memories represented maybe two percent of what was actually there. It was enjoyable discovering all those references through my own information scavenger hunt. The fact that it came in two parts, with Kill Bill: Vol. 2 arriving the following year, was unusual. Seeing the Bride dressed in yellow carrying a samurai sword and her death list... I made one myself, placing that horrible crawling creature who plotted against me and my friends right at the top. But instead of "Kill Bill," mine was called "Kill Biltela." (Bitela = heifer. In Brazilian Portuguese, almost any insult can be used for both men and women, depending on how offensive the speaker wants to be. Yes, our insults can be very cruel, harsh, and genuinely offensive. And when you add the right tone of voice, everything becomes even worse. An interesting detail is that the very same insult can take on a completely different meaning, even while still carrying an offensive connotation. It's complex, which is why I didn't translate the text I mentioned above.)   .That was the nickname of that sewer creature who deserved something worse than death. And, from what I know, he got it. Still, being protected as he was, he remained where he was, only in a demoted position. Notice what therapy can do. I couldn't even talk about this before. Following the Bride's path of revenge and destruction, portrayed by the director's favorite actress, Uma Thurman, was fantastic. And who doesn't remember the unexpected legacy it produced with Carolina Marquez's "The Killer Song"? I'm sure that anyone who lived through that period only needs to read the title and it will echo in their head for the rest of the day, especially because of Elle Driver's whistle. Daryl Hannah was an unforgettable villain among so many strong and memorable characters.

Inglourious Basterds (2009) was a film I watched somewhat reluctantly, even though it was Tarantino. It's a war movie. And while Nazism was unquestionably one of humanity's greatest horrors, I sometimes feel we've reached the point where war films focusing solely on one persecuted group have become repetitive. I'm not saying we should stop making war films, but let's also put other victims on screen. There were so many: gay people, Poles, Roma people, disabled individuals. Of the six million Poles who died during the war, three million were non-Jewish civilians. What tires me is seeing only one side of persecution while many others remain largely invisible. That said, Inglourious Basterds is phenomenal. I thought it would be impossible to top Jules' speech in Pulp Fiction. Then Tarantino created Hans Landa, masterfully portrayed by Christoph Waltz. His Oscar for Best Supporting Actor was fully deserved.  The scene where he psychologically dismantles the farmer hiding Shosanna's family and discovers them beneath the floorboards is terrifying. The writing is extraordinary and so is the performance. The film's themes, combined with its occasional mockery and dark humor, are outstanding. Fassbender's character was excellent, Eli Roth's as well. Even Brad Pitt worked surprisingly well, despite being somewhat more caricatured. Another nearly flawless film, even with its alternate-history ending.

Django Unchained (2012). I admit I became a little bored in the middle. This revisionist history involving a freed slave turned avenger initially struck me as somewhat anachronistic. And once again, who was wrong? Me. Thanks to better internet access, Google's improvements, and a broader understanding of film history, I finally realized that watching Quentin Tarantino is essentially taking a class in cinema history and film references, especially the movies he adored in his youth. Once you understand that, his films take on an entirely different dimension. Django Unchained is not boring at all. 

The Hateful Eight (2015) follows the same path, with the references becoming even more apparent because I had seen many westerns. It's not my favorite genre. It carries a highly idealized form of masculinity. We have known for a long time that reality was never quite as those stories presented it. Here Tarantino once again reshapes history in his own way, adding elements uncommon to the genre. Beginning with a blinding white snowstorm immediately removes us from the dusty, sun-scorched landscapes traditionally associated with westerns. He also gives meaningful space to two groups usually excluded or relegated to supporting roles: a woman and a Black man. Westerns are hardly known for featuring Black characters prominently. I wonder why. It doesn't take a great detective to figure that out. And women were rarely protagonists or troublemakers. Most often they existed merely as romantic or sexual interests for the leading man. The story unfolds with eight characters trapped together in a cabin during a snowstorm. The title is quite literal. Not one of them deserves much sympathy. Eventually, you find yourself rooting for all of them to kill each other.

Once Upon a Time in Hollywood, I started watching and then stopped. Not because I disliked it. I simply put it aside for later, and later never arrived. That's one of the things streaming allows. In a movie theater, you stay until the end because you paid a ridiculous amount for the ticket. At home, anything can interrupt you: someone at the gate, your cats fighting, or the sudden urge to make a pot of feijoada completely from scratch. 

Tarantino is one of my favorite directors, and it's unfortunate that he says he's retiring from directing. I hope he continues writing screenplays, because he is exceptionally good at it. A truly distinctive style, memorable in every sense of the word.

The Boroughs: Idosos e Ficção Científica combinam muito bem

 

The Boroughs: Idosos e Ficção Científica combinam muito bem

Essa produção é dos FDPs dos Irmãos Duffer. E isso já me deixou um pouco desconfiado. Para quem não sabe, esses dois homens, Matt e Ross, foram responsáveis pelo maior sucesso da Netflix nos últimos anos: Stranger Things. Essa série foi absurdamente bem até a primeira parte da última temporada. O restante foi de uma falta de respeito com o público, tudo malfeito e executado. Até o momento não houve nenhuma manifestação dos dois pelo que aconteceu com o fim da série. Até hoje há teorias sobre a quebra de ritmo e furos enormes no roteiro e nenhuma solução. Eu me recusei a fazer uma resenha desse último desastre que fomos obrigados a aceitar como término de uma história que começou tão bem, empolgou e reviveu a nostalgia da década de 1980. 

Tirando o ódio que ainda persiste, esse foi o único comentário que fiz e vou fazer daquele final escabroso, a não ser que algo aconteça que me contradiga. Esta história eles só produziram, a criação é de outros que realmente não conheço, Jeffrey Addiss e Will Matthews, que também assinam o roteiro dos episódios principais. E é uma ótima história. Divertida e com começo, meio e fim coerentes com tudo que foi escrito até ali, aprendam, irmãos...

Uma das coisas que realmente me desanimam ao assistir séries é ela ser cancelada do nada ou ainda se perder totalmente só para ficar agradando fã. Ela mingua e nunca termina. Só quando espremem todas as ideias mais estapafúrdias, que nem fazem sentido para aqueles personagens, só para prorrogar o fim. Então tenho preferido séries de uma temporada só para assistir. Nem sempre retorno para a segunda temporada se a primeira não me intrigou o suficiente. E The Boroughs parte dessa percepção. Ela tem uma história fechada, com um fim que até permite uma continuidade, o que é bem justo, caso queiram, sem interferir na história que já foi contada.

A história homenageia os filmes "Sessão da Tarde" dos anos de 1980, mesmo se passando no tempo atual. The Boroughs é uma casa de repouso diferenciada, literalmente forma pequenos bairros, daí o nome em inglês, com casas particulares para idosos se sentirem como se estivessem na sua própria casa e não num asilo sofisticado. Isso é abordado o tempo todo pelo roteiro e também a questão parental de se deixar um pai ou mãe em um lugar desses. Outra coisa que se aborda é como eles são esquecidos e desacreditados só por serem o que são, idosos. Isso é usado pela história, pois aparece uma criatura estranha durante a noite atacando uma senhorinha. Essa já é a cena inicial e evidentemente é escondida pelo CEO esquisito do lugar, Blaine (Seth Numrich). Com a casa vaga, eles logo a disponibilizam para um novo morador, que vai ser Sam (Alfred Molina), que está em luto pela recente perda de sua amada esposa. Lá conhece outros moradores, o casal Judy (Alfre Woodard) e Art (Clarke Peters) Daniels, ela jornalista aposentada, ele maconheiro inveterado, Wally (Denis O'Hare), um médico renomado que luta contra um câncer terminal, e Renee, produtora musical aposentada que é interpretada pela maravilhosa Geena Davis, que eu não via atuando há muito tempo. E não posso esquecer Bill Pullman, como Jack, que acaba quebrando um pouco a casca dura que é a armadura emocional de Sam. Conforme a história se desenrola, não vou comentar muito para não dar spoilers dos episódios, mas um gancho em cima do outro vai acontecendo, o que me deixou muito interessado até o fim. Só não maratonei por causa de compromissos que surgiram esses dias. 

Como disse, há homenagens aos filmes da década de 1980 e não tem como não recordar de Cocoon (1985), onde um grupo de idosos descobre que a piscina de um vizinho causa um inesperado rejuvenescimento. Aqui em The Boroughs a pegada é mais pesada e cheia de mistérios que aquele, e sem piscinas. Eu só acho um pouco forçada a sexualização de umas coisas um tanto desnecessárias. Eu não entendo a mentalidade americana de socar sensualidade em momentos esquisitos. Por isso são tão problemáticos com um monte de coisas, pois não há naturalidade em várias situações. A sexualidade existe e é algo natural. E olha que achei válido mostrarem o romance amoroso com direito a uma noite de sexo entre a personagem de Geena Davis e o segurança bonitão Paz (Carlos Miranda), que é usado como o pedaço de corpo sensual a ser mostrado. Em vários momentos a sexualidade de pessoas idosas é abordada, seja por situações engraçadas e inusitadas, os namoros de Jack ou mesmo uma suruba, que só foi citada, numa dependência comum do lugar que eles citam, entre outras coisas. 

A série diverte, traz uma pitada de nostalgia, é leve, mesmo causando um medinho aqui e ali, e tem um final coerente com tudo que foi produzido até aquele momento. E ver atores veteranos como os principais e sustentando um ótimo trabalho de interpretação é uma maravilha.

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The Boroughs: Elderly People and Science Fiction Are a Great Combination

This production comes from those bastards, the Duffer Brothers. And that already made me a little suspicious. For those who do not know, these two men, Matt and Ross, were responsible for Netflix’s biggest success in recent years: Stranger Things. That series was absurdly good until the first part of the final season. The rest was a complete disrespect toward the audience, everything poorly made and executed. Up to this moment there has been no statement from either of them about what happened with the ending of the series. To this day there are theories about the broken pacing and massive plot holes, and no solutions whatsoever. I refused to write a review about that final disaster we were forced to accept as the conclusion of a story that started so well, thrilled audiences, and revived the nostalgia of the 1980s.

Putting aside the hatred that still lingers, this was the only comment I made and will make about that atrocious ending, unless something happens that proves me wrong. In this story they only worked as producers, the creation belongs to other people I honestly do not know, Jeffrey Addiss and Will Matthews, who also wrote the main episodes. And it is a great story. Fun, with a coherent beginning, middle, and ending that respects everything that had been written up to that point. Learn from that, brothers...

One of the things that truly discourages me when watching series is when they get canceled out of nowhere or completely lose themselves just to keep pleasing fans. The story slowly withers away and never ends. Only after squeezing out every absurd idea imaginable, ideas that no longer make sense for those characters, just to delay the ending. Because of that, I have been preferring single-season series lately. I do not always return for a second season if the first one did not intrigue me enough. And *The Boroughs* comes from that exact perception. It has a self-contained story with an ending that still allows room for continuation, which feels fair if they decide to continue it, without interfering with the story that has already been told.

The story pays tribute to the “afternoon session” movies of the 1980s, even though it takes place in the present day. The Boroughs is a very different retirement home. It literally forms small neighborhoods, hence the English title, with private houses so elderly residents can feel as if they are still living in their own homes rather than in a luxurious nursing home. This is constantly addressed throughout the script, along with the parental dilemma of leaving a father or mother in a place like that. Another theme explored is how elderly people are forgotten and discredited simply because they are old. The story uses this very well, because a strange creature appears during the night attacking an elderly woman. That is already the opening scene and it is obviously covered up by the creepy CEO of the place, Blaine (Seth Numrich). Once the house becomes vacant, they quickly make it available to a new resident, Sam (Alfred Molina), who is grieving the recent loss of his beloved wife. There he meets other residents, the couple Judy (Alfre Woodard) and Art (Clarke Peters) Daniels, she a retired journalist, he a lifelong pot smoker, Wally (Denis O'Hare), a renowned doctor fighting terminal cancer, and Renee, a retired music producer played by the wonderful Geena Davis, whom I had not seen acting in a very long time. And I cannot forget Bill Pullman as Jack, who ends up breaking through the emotional armor surrounding Sam. As the story unfolds, I will not comment too much to avoid spoilers for the episodes, but one hook after another keeps happening, which kept me deeply interested until the very end. I only did not binge-watch it because of commitments that came up over the past few days.

As I said, there are tributes to 1980s movies, and it is impossible not to remember Cocoon (1985), where a group of elderly people discovers that a neighbor’s swimming pool causes unexpected rejuvenation. Here in *The Boroughs* the tone is heavier and filled with more mysteries than that film, and without any swimming pools. I just find the sexualization of certain unnecessary moments a bit forced. I do not understand the American mentality of shoving sensuality into awkward situations. That is why they become so problematic about so many things, because there is no naturalness in several situations. Sexuality exists and it is something natural. And honestly, I thought it was valid to show the romance, including a sex scene between Geena Davis’s character and the handsome security guard Paz (Carlos Miranda), who is clearly used as the sensual eye candy of the show. In several moments the sexuality of elderly people is explored, whether through funny and unusual situations, Jack’s relationships, or even an orgy, which was only mentioned, in one of the common areas of the place, among other things.

The series is entertaining, brings a touch of nostalgia, feels light even while delivering some creepy moments here and there, and has an ending coherent with everything that had been built until that point. And seeing veteran actors taking the lead and carrying such a strong acting performance is wonderful.

Mother Mary: É Michaela Coel

 Mother Mary: É Michaela Coel

Mother Mary tem Anne Hathaway, fantástica, “recém-saída” de um lançamento mundial muito aguardado, que foi O Diabo Veste Prada 2. Ela nesse filme que me parece ser  um clickbait  de alto luxo para captar nossa atenção e ir assistir esse filme. O que não é errado, longe disso. Se tem uma coisa que Anne provou foi que faz bem o papel de sofredora chorana, sua Fantine em Os Miseráveis, até lhe rendeu um Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante, merecidíssimo.  E somente assistindo ao filme, depois de fisgados por essa isca de luxo, percebemos a coisa mais maravilhosa e surpreendente que a própria: Michaela Coel. Esse filme é dela. Por mais que a mídia incense Hathaway, é com Michaela que a tensão se forma, se condensa pelas paredes de nossa cabeça e escorre pelo nosso assoalho da psique causado não só o efeito de estranheza, como também de fascínio. O tempo todo seu olhar forte e intenso nos conduz na trama.   

Nem vou falar da produção toda diferentona que somente os estúdios da produtora A24 poderiam executar e da direção bem pontuada David Lowery, que também assina o roteiro. Também não vou falar das construções de figurino que não só trazem beleza, mas a essência do que é trabalhado no roteiro. E também, por fim, mas não menos importante, não tem como falar da trilha sonora, que conta com várias participações na produção das músicas, entre elas, Jack Antonoff,  Charli XCX  e FKA Twigs que está fazendo uma participação através de uma médium inverossímil.  

Temos uma estrela da música em crise, a própria Mother Mary, Hathaway. Em um surto de aparente estrelismo, ela some, vai embora da produção  nas vésperas de um show importante e vai parar nas portas da estilista Sam, Coel. Aos poucos, vamos descobrindo qual a relação das duas, qual o motivo do surto da grande estrela da música pop e daquela mulher misteriosa. É aqui que vemos que, apoiado totalmente pelo roteiro bem escrito, quem dá estofo para a história tomar a proporção de suspense é Michaela. Ela nos deixa tensos. Seu método de entender sua “cliente” é assustador. Ela, com seu olhar quase fanático e sua voz suave, ao mesmo tempo sonora, parecendo um sopro por um caniço maciço e melodioso, causa uma sensação perturbadora. E vamos entendendo o que liga aquelas duas mulheres aparentemente tão diferentes. É uma revelação de uma situação, é uma fala, é uma metáfora usada. É a construção da tensão que faz o fim, totalmente simbólico, fazer sentido. 

Eu não sei se minha brasilidade me deixa muito atento a isso, mas a única coisa de que realmente não gostei foi o “ritual” da médium interpretada pela FKA Twigs em dado momento que é nada mais que uma brincadeira do copo. Não falo que não haja força espiritual nisso. Quem acredita sabe. Esteticamente, como criação narrativa, é algo de fácil assimilação, e imagino que foi uma forma de retratar para o grande público uma ação necessária para desenrolar o que está por vir. Eu, particularmente, não gostei. Tirando o infantiloide e simplório "joguinho do copo" sem copo, acontece um rito muito ancestral nesse filme. Não que se deva se preocupar ao assistir, achando que algo vai se fazer presente, um portal para os infernos será aberto e sua alma vai ser comprometida com isso. Parece ser uma preocupação, esse comprometimento da alma, em alguns grupos religiosos que mais precarizam a psiquê  que a edificam nos seus adeptos. Podem ficar tranquilos, que suas almas já estão comprometidas com outras coisas que não sejam rituais assistidos em filmes, séries, teatro e músicas. Existe, sim, uma representação simbólica de um ritual, não o ritual em si, mas os elementos básicos estão ali para insinuar e não revelar. Tanto que, em um momento, Sam pede para Mother Mary repetir uma fala ritualística da médium, e ela não consegue, e Sam dá de ombros, dando a entender que não importa, somente a intenção basta. E isso com os objetos, que ela pega aleatoriamente, apesar de achar que não foi tão aleatório assim, mas os faz ser representativos. E, sem mostrar, o ritual está lá. Uma dica: quem conhece um pouco a noção de cura e também de axexê do Candomblé pode perceber uma similaridade.  

De mais da metade do filme para diante, temos uma mescla tão forte de realidade, metáforas e simbolismos que pode ficar um pouco confuso para algumas pessoas. E algumas pessoas podem achar chato, pois é um suspense “diferente”, o que, para mim, é uma virtude. Esse roteiro mostra que suspense pode vir de qualquer coisa. Cabe ao senso artístico transformar o que quer que seja em uma experiência estética que cause a emoção ou sensação que pretende. 

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The original text was written without the use of any AI tools; however, the translation was carried out by ChatGPT, as the author does not yet master English grammar. Perhaps one day.

If there is anything that may be difficult to understand or that seems unclear to the reader, this may be due to certain textual constructions, sentence structures, or even references specific to regional Brazilian Portuguese and the culture of Brazil.

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Mother Mary: Michaela Coel

                Mother Mary stars Anne Hathaway, fantastic as always, fresh off the highly anticipated worldwide release of The Devil Wears Prada 2. In this film, she seems to function as a kind of high-end clickbait, drawing us in and making us want to watch. And there’s nothing wrong with that — far from it. If there’s one thing Anne has proven, it’s that she excels at portraying emotionally tormented women. Her Fantine in Les Misérables even earned her a well-deserved Academy Award for Best Supporting Actress.

                But it is only after we’ve been hooked by this luxurious bait that we discover the film’s most wonderful and surprising element: Michaela Coel herself. This is her film. No matter how much the media glorifies Hathaway, it is Michaela who creates the tension, who lets it build and condense against the walls of our minds until it seeps across the floorboards of our psyche, producing not only estrangement but fascination as well. Her powerful, intense gaze guides us through the story at every moment.

                    I won’t even get into the uniquely unconventional production that only A24 studios could pull off, nor David Lowery’s precise direction — he also wrote the screenplay. I also won’t dwell on the costume design, which delivers not just beauty but the very essence of what the script is exploring. And finally, but no less importantly, there’s the soundtrack, which features contributions from several artists, including Charli XCX and FKA twigs, who appears in the film through the role of an implausible medium.

               We follow a music star in crisis — Mother Mary herself, played by Hathaway. In what initially appears to be a fit of diva behavior, she disappears and abandons production on the eve of an important show, eventually arriving at the doorstep of stylist Sam, played by Coel. Little by little, we uncover the connection between these two women, the reason behind the pop star’s breakdown, and the mystery surrounding Sam. It’s here that we realize that, fully supported by the sharp screenplay, it is Michaela who gives the story the substance necessary for the suspense to take shape. She makes us uneasy. Her method of understanding her “client” is frightening. With her almost fanatical stare and her soft yet resonant voice — like air passing through a dense, melodic reed — she creates a deeply disturbing sensation. And gradually we begin to understand what binds these two seemingly different women together. It comes through a revelation, a line of dialogue, a metaphor. It is the slow construction of tension that ultimately makes the completely symbolic ending feel meaningful.

               I don’t know if it’s my Brazilian background that makes me especially sensitive to this, but the one thing I truly disliked was the “ritual” performed at one point by the medium played by FKA twigs, which is essentially just a variation of the “Ouija glass game.” I’m not saying there can’t be spiritual force in such practices — those who believe in it know that. But aesthetically, as a narrative device, it feels too simplistic and easily digestible, likely a way to present a necessary action to mainstream audiences in order to move the plot forward. Personally, I didn’t like it. Aside from the childish and simplistic “cup game” without the cup, however, there is a much more ancestral rite taking place within the film. Not that viewers should worry about accidentally summoning something, opening a portal to hell, or compromising their souls. This obsession with “soul corruption” seems more common in certain religious groups that weaken the psyche of their followers rather than strengthen it. Rest assured: your souls are already committed to things far beyond rituals portrayed in films, series, theater, or music.

            There is indeed a symbolic representation of a ritual here — not the ritual itself — but the basic elements are present, serving to suggest rather than reveal. At one point, Sam asks Mother Mary to repeat a ritual phrase spoken by the medium, and she cannot. Sam simply shrugs, implying that it does not matter; intention alone is enough. The same applies to the objects she picks seemingly at random — though I suspect they were not random at all — transforming them into symbolic instruments. Without ever fully showing it, the ritual is there. A hint for those familiar with it: anyone who understands a bit about the concepts of healing rituals and axexê within Candomblé may notice certain similarities.

            From the second half onward, the film blends reality, metaphor, and symbolism so intensely that it may become confusing for some viewers. Others may even find it boring, since this is a very “different” kind of suspense — which, to me, is precisely its greatest strength. The screenplay demonstrates that suspense can emerge from absolutely anything. It is the artist’s sensibility that transforms whatever material they choose into an aesthetic experience capable of provoking the intended emotion or sensation.

Francis Ford Coppola: um motivo digno de um cancelamento

 

Francis Ford Coppola: um motivo digno de um cancelamento

Eu gosto de dizer que sou cinéfilo, pelo menos eu penso que sou. Só não enveredei numa carreira mais ligada a esse universo porque, pobre, no interior de São Paulo, numa época longínqua, a vida me levou a tentar algo mais pé no chão para minhas condições. Nada me impediu de ser um apreciador e consumidor de cinema na medida do possível. Fiz Filosofia e isso me deu uma boa bagagem para entender textos, narrativas e construções ideológicas e imagéticas, entre outras coisas. A vida me levou ao curso de Letras e comecei a dar aulas como professor de Português e Inglês em escolas públicas. Grande erro. Era o que dava para fazer para pôr comida na mesa. Em 2012 eu resolvi, como um exercício de escrita, já que sonhava em ser escritor, fazer um blog. De início contava narrativas de minha vida num contexto bem estabelecido, depois tive a ideia de escrever sobre filmes e sobre o que mais aparecesse, no caso, livros e séries.

Consumo tudo desse universo. Como CLT, meu tempo nunca foi tão elástico e minhas 24 horas não eram as mesmas que as de outras pessoas. Quantas vezes eu chegava exausto de um dia enfrentando jovens que pareciam possuídos pelo mais puro espírito de pais e mães incompetentes em criar um ser humano minimamente capaz de respeitar alguém que está ali para ensiná-los. É tão absurdo isso que eu tive uma crise tão forte de ansiedade que parei de dar aula no final de 2023 e até hoje não voltei para a sala de aula. Estou me vendo obrigado a voltar por necessidade. Adoraria viver do que eu faço com a escrita, que ainda é pouco. A realidade me empurra e não liga se meu trauma está ou não bem trabalhado e superado em terapia. 

Com relação aos filmes, eu gosto de muita coisa e, por conveniência e por falta de maiores possibilidades, acabo assistindo muita coisa dos EUA, que têm uma indústria insuperável no momento em volume de produções, seja em música, séries ou filmes. Esses dias eu estava ouvindo alguns podcasts e os participantes debatiam sobre os diretores de que eles mais gostavam, quem eles realmente achavam os melhores, e parei um pouco para pensar e tentar elaborar meus preferidos. Me dei conta de que há diretores bons, de que eu gosto muito, com tantos filmes que eu sequer assisti metade do que dirigiram. E aí tive a ideia de apresentar a vocês os diretores pelo meu ponto de vista e os filmes deles que assisti. 

E já começo com uma heresia cinematográfica praticamente imperdoável, digna de um cancelamento: eu só assisti a dois filmes de Francis Ford Coppola. 

Dois, só dois filmes desse grande diretor, produtor e roteirista nascido em Detroit em 1939, que possui produções icônicas na cultura pop atual: Drácula de Bram Stoker e Peggy Sue, Seu Passado a Espera. Este último eu lembro muito pouco, assisti na televisão. E Drácula eu achei o máximo, e só depois descobri as referências e fiquei mais encantado ainda. Contudo, todos os outros filmes têm histórias que não me chamam atenção e eu acabava deixando para depois. E o depois nunca se consumou. Eu vi alguns trechos de Apocalypse Now e, desinteressado, fui dormir. O mesmo aconteceu com a cena da cabeça do cavalo em O Poderoso Chefão, só que esta me deu aflição e dó do bicho. E realmente eu não consigo me conectar com esse gênio artístico que é o Coppola. Falha da minha personalidade cinéfila. 

Não vou me defender em nada, eu sou o errado. E abaixo eu deixo uma imagem com a lista dos filmes que eu assisti e não assisti. Se possível, farei isso com outros grandes diretores.

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Francis Ford Coppola: a reason worthy of cancellation

I like to say that I am a cinephile, or at least I think I am. I just never pursued a career more connected to that universe because, being poor, living in the countryside of São Paulo, in a distant era, life pushed me toward something more grounded for my circumstances. Still, nothing stopped me from being an admirer and consumer of cinema whenever possible. I studied Philosophy, and that gave me a solid background to understand texts, narratives, ideological and visual constructions, among other things. Life eventually took me to a Literature degree, and I started teaching Portuguese and English in public schools. A huge mistake. It was what I could do to put food on the table. In 2012, as a writing exercise, since I dreamed of becoming a writer, I decided to create a blog. At first, I wrote narratives about my own life within a well-defined context, but later I had the idea of writing about films and whatever else came up, mainly books and TV series.

I consume everything from that universe. As a working-class employee, my time has never been elastic, and my 24 hours never seemed to be the same as everyone else’s. So many times I came home exhausted after spending the day dealing with teenagers who seemed possessed by the pure spirit of parents incapable of raising a minimally respectful human being toward someone who is there to teach them. It became so absurd that I had such a severe anxiety crisis that I stopped teaching at the end of 2023, and to this day I have not returned to the classroom. I am being forced to go back out of necessity. I would love to make a living from what I do with writing, even though it is still very little. Reality keeps pushing me forward and does not care whether my trauma has been fully processed and overcome in therapy or not.

When it comes to films, I enjoy many things and, for convenience and lack of broader possibilities, I end up consuming a lot of American productions, since the United States currently has an unmatched entertainment industry in terms of volume, whether in music, television series, or films. A few days ago I was listening to some podcasts in which the participants debated their favorite directors, the ones they genuinely considered the best, and I stopped for a moment to think about my own favorites. That was when I realized there are directors I truly admire, yet I have not even watched half of the films they directed. So I came up with the idea of presenting directors from my own perspective and discussing the films of theirs that I have watched.

And I am already beginning with an almost unforgivable cinematic heresy, something worthy of cancellation: I have only watched two Francis Ford Coppola films.

Two, only two films by this great director, producer, and screenwriter born in Detroit in 1939, a man responsible for productions that became iconic within modern pop culture: Bram Stoker’s Dracula and Peggy Sue Got Married. I barely remember the latter since I watched it on television a long time ago. As for Dracula, I absolutely loved it, and later, when I discovered its references, I became even more fascinated. However, all of his other films revolve around stories that simply do not capture my attention, so I always ended up postponing them. And that “later” never came. I watched a few scenes from Apocalypse Now and, feeling uninterested, went to sleep. The same thing happened with the horse head scene in The Godfather, except that one made me uncomfortable and sorry for the animal. And honestly, I simply cannot connect with the artistic genius that Coppola is. A flaw within my cinephile personality.

I will not defend myself at all, I am the one in the wrong. Below I leave an image with the list of the films I have watched and those I have not. If possible, I will do the same with other great directors.

Desgraça e Masculinidade

 

Desgraça e Masculinidade

De forma direta ou apenas insinuando, eu já deixei clara minha vontade de fazer outras coisas e talvez até encerrar o Blog para me dedicar a vídeos no YouTube ou mesmo Instagram, e ando estudando e me organizando para tal. Contudo, esbarro na minha vergonha de tela. Nunca gostei muito de aparecer em vídeo e também tenho um pouco de restrição em me expor, paranoia minha. Essa aversão em "aparecer" chega ao ponto de me atrapalhar muito essa vontade de me dedicar à produção de conteúdo. Gosto bastante de escrever, preparar e eu sei que preciso ter meu conteúdo próprio. E sabemos como limitado é escrever no Blogger. Enquanto não faço nada a esse respeito, continuo com textos quilométricos por aqui. No máximo faço um card para postar no Instagram informando que há uma resenha nova sobre um filme ou série. 

Outra coisa que gostaria muito é diversificar meus textos com assuntos pertinentes ao que gosto de fazer, não só filmes e um pouco de série. Falar de arte, literatura, cotidiano, o que me apetecesse: cultura geral. Penso até num projeto ousado que juntaria minha formação em Letras para falar de escrita, livros e estilo de vida de quem tenta conciliar tudo isso com o ganhar o pão diário. Ideias tenho de monte, falta execução. Não posso esquecer que meu contexto de vida atual está um tanto conturbado, moro, no momento, numa cidade do interior de São Paulo, acreditem, se tem um lugar onde a cultura está minguando é aqui. Não vou enveredar pelo caminho da reclamação de como não suporto estar aqui, senão o chororô vai longe. Contudo, tenho que admitir que esse sacrifício vai ser benéfico para mim. O que não deixa nada mais fácil, mas estou aqui por um bom motivo. Resolvendo, volto a morar em São Paulo no dia seguinte. 

Quem não me conhece de outros escritos pode dar uma olhada no meu texto em que falei sobre meus primórdios nesse Blog e vai entender um pouco umas coisas que vou abordar aqui sem aprofundar. Quem quiser o link é este aqui:

https://assuntocronicoviniciusmotta.blogspot.com/2026/04/meus-primordios-neste-blog.html

Eu sou um cara branco do interior de São Paulo, de uma cidade que se fortalece e cresce com a controversa vinda dos italianos para o Brasil para embranquecimento do país. Estou pisando aqui, ao falar disso, em um terreno bem movediço. Muitos não sabem da história do país e acabam estranhando quando alguns assuntos são abordados. Por mais que os europeus estivessem em busca de uma melhor condição de vida, fugindo da guerra, coincidentemente nossos líderes políticos estavam preocupados com a substituição da mão de obra escrava, que a libertação tinha ocorrido há algumas décadas, e também, a pior e mais nefasta preocupação, era embranquecer a população. Todo tipo de sandice na época era usada para justificar essa mazela. Com isso, não houve nenhuma reparação histórica para os escravizados e seus descendentes, pelo contrário, em muitas regiões do país o estado pagou indenizações aos donos das pessoas que se acharam lesados ao perder o patrimônio humano escravizado com a Abolição. Isso me dá um nó na garganta ainda hoje ao ter que falar disso. 

No interior de São Paulo onde cresci, a presença negra era muito menos visível socialmente do que em outros lugares que conheci depois. Eu mesmo tive pouquíssimos colegas na escola que eram negros. E eu precisei aprender muita coisa que não era ensinada na escola e em minha casa. Meu avô mesmo, por quem eu nutria um carinho enorme, foi o primeiro que me atentou para a cor da pele de um garoto que era meu amigo. Não que eu não percebesse que o tom de pele de alguém fosse diferente do meu. Eu percebia claramente, mas não tinha noção de que aquilo era motivo para eu me diferenciar e me achar melhor. Meu avô sim. E mesmo assim, não concordando com ele, eu introjetei muitos preconceitos que até hoje eu luto bastante para não influenciar negativamente, e muitas vezes eu traio nessa empreitada.

Por esse viés regional eu também recebi o catolicismo como religião de berço. Até houve um tempo em que flertei com o ateísmo e quiçá o agnosticismo, mas para quem leu o texto que indiquei sabe que eu me tornei seminarista da Igreja Católica. Maus tempos aqueles... Contudo, isso me propiciou morar em outras cidades e conhecer outros modos de viver que não o interiorano tacanho paulista. Cheguei a morar em Jaú, São Carlos e Campinas. Tive a oportunidade de morar em Nova Iguaçu, Seropédica e Piranema, no estado do Rio de Janeiro, e estava sempre pela capital do estado. O que pude conhecer eu conheci. E aqui começa um ponto de virada nos meus conhecimentos que é pertinente a tudo que estou escrevendo. Eu tive meus primeiros contatos com religiões não católicas através de pessoas que eram praticantes ao mesmo tempo que frequentavam a igreja. E foi ali que me despertou a percepção do senso religioso. Eu mesmo achava tudo que eu vivia no seminário muito racional e árido. Primeiro estudamos Filosofia, três anos, e depois fui para a Teologia, dependendo do lugar há alguma variação de tempo e de cursos. A vivência, até eu morar no Rio, era muito sem sentido místico, mas rica intelectualmente. E depois, quando abandonei de vez o seminário, quer dizer, fui mandado embora pela terceira vez, eu resolvi viver minha vida afastado da religião. Sempre aparecia alguém na minha vida com quem eu me relacionava, seja amizade ou no campo amoroso, que era do espiritismo, ou da umbanda, candomblé e outras denominações e até religiões. E, apesar de não sentir tanto a mística dentro do catolicismo, eu estudei bastante sobre o senso religioso, com viés católico, obviamente. E me espantei que o senso religioso era o mesmo em qualquer pessoa que acreditasse em algo. Parece óbvio, para mim não foi. Isso que chamo de senso religioso era o mesmo, mudavam as particularidades de cada religião em si. E sempre que era possível eu fui no que pude ir para conhecer os lugares. E vi e aprendi coisas, muitas coisas, e tudo com a segurança acadêmica de ter feito uma faculdade que me deu base científica para observar os eventos que presenciei. 

Este domingo eu escutei em algum lugar a Anitta com uma de suas músicas do seu álbum novo e, como alguns clipes já estavam lançados, eu quis saber por curiosidade o que o povo de fora do Brasil estava pensando e dizendo sobre ele. Aqui ela vai bem, mesmo que os evangélicos estejam criticando. E fui assistir alguns reacts, reação de algum youtuber ao assistir algo. E vi um monte desses vídeos, vários adoram e estranham essa fase da Anitta. Como eles não entendem a língua, ficam com a estética e com a melodia. Alguns fizeram uma pesquisa e descobriram que são clipes muito simbólicos, cheios de referência à religião dela,  o Candomblé. Falar assim é bem simplista, ela traz sim muitos elementos dessa religião, mas traz também elementos da umbanda, da religiosidade popular regional e até um pouco da cultura indígena. 

Em tempos de masculinidade frágil, homens fazendo retiros em montanhas com nomes que remetem a um ideal de ser verdadeiramente "homem", ou vão atrás de cursos para realinharem-se com o "ser homem" provedor "másculo", o clipe de Meia Noite acertou o alvo dos evangélicos, que julgaram haver uma incorporação real de Exu no dançarino do clipe. Só desprezaram o conhecimento real em torno da situação. Primeiro que um profissional da dança tem técnicas e fica muito claro no vídeo que não são danças de terreiro, são inspiradas em alguns passos de terreiros e a coreografia é cheia de movimentos próprios do universo da dança. E que, por mais que haja uma influência externa, uma entidade incorporar fora de um culto não é o correto. Pode acontecer numa situação muito especial. E ali é um set de filmagem. O tanto que se para para maquiar, regular luz, reposicionar elementos de cena... Não há entidade que tenha paciência para esperar. E entidade não faz o que um diretor quer na hora que quer. A entidade faz o que tem que fazer e vai embora. 

Eu penso, e aqui é um exercício mental baseado em tudo que vi, li, aprendi e vivenciei, que o mundo evangélico, e anterior a ele o protestante, na tentativa de se distanciar do Catolicismo acabou tirando o feminino do jogo. Enquanto os católicos receberam a base judaica de uma divindade patriarcal, que lá nos primórdios desbancou as divindades matriarcais, eles resgataram o feminino na figura materna de Maria. Não foi colocada no status de divina, mas deram uma importância de reverência por seu papel dentro da religião. Os protestantes a destronaram desse pedestal. E aí perderam um lado da trindade divina primordial, a grande mãe. Ao ter só o grande pai e o filho essa conta não fecha. E lembrando um pouco de Lévinas, o encontro com o "outro" não deve reduzi-lo ao "eu-mesmo". Então, comparativamente,  o polo masculino sem o outro polo, o feminino, fica sem uma percepção de si mesmo. Como você pode saber que você é diferente do outro se tirou o outro da sua existência? Usando o que estou abordando nesse texto, como alguém sabe que é o lado masculino se não tem o feminino para se ver e comparar como totalmente diferente? Percebe a crise que não ter uma representatividade no seu campo religioso causa? 

Se no catolicismo, mesmo rebaixada, temos a figura da mãe, no Candomblé e outras religiões de matriz africana isso é intrínseco. A família primordial é a base: mulher, homem e prole. E devido a isso estar claramente inserido no culto e na mitologia ninguém precisa fazer curso para entender a masculinidade. E, como o clipe da Anitta mostra, caso alguém esteja um tanto confuso sobre isso, as energias das entidades são bem definidas, sejam Orixás, sejam Exus e Pombagiras, que não fazem parte do mesmo culto, e aqui não vou entrar nessa explicação. Desgraça e Meia Noite são giras de Exu e Pombagira reproduzidas artisticamente em função do trabalho da idealizadora do álbum. Então é até engraçado perceber que o que os evangélicos disseram ser uma incorporação de verdade é uma centelha artística do masculino encarnado num culto popular na figura de Exu. 

Eu recomendo a qualquer um que queira sentir o que é ser masculino, ou mesmo feminino, de forma contundente, vá numa gira de Exu. E isso não quer dizer que o povo de Umbanda ou Candomblé não tenha problemas de misoginia, machismo e outros. Contudo, eles entendem um pouco mais essa pegada e não passam vergonha sendo "macho" no meio de outros "machos" gritando "Raul, raul, raulll". Como a vida, uma gira é para todos, indiferente ao sexo biológico. Em compensação, nem sempre será um Exu que descerá em um "macho" provedor. Respeita!

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English

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If there is anything that may be difficult to understand or that seems unclear to the reader, this may be due to certain textual constructions, sentence structures, or even references specific to regional Brazilian Portuguese and the culture of Brazil.

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***Note: This text discusses subjects that are very particular to Brazilian culture, and perhaps some terms, expressions, or even facts mentioned here are common knowledge nationally. However, a foreign reader who is not familiar with the culture here may not understand any of it. If that is the case, feel free to leave a comment or even send me an email. I would really like to know. Thank you for supporting the blog.

Disgrace and Masculinity

In a direct way or merely by hinting at it, I have already made clear my desire to do other things and perhaps even shut down the Blog to dedicate myself to videos on YouTube or even Instagram, and I have been studying and organizing myself for that. However, I run into my camera shyness. I never really liked appearing in videos and I also have some resistance to exposing myself, my own paranoia. This aversion to “appearing” gets to the point of greatly hindering this desire of mine to dedicate myself to content creation. I really enjoy writing, preparing, and I need to have my own content. And we know how limited writing on Blogger is. While I do nothing about it, I continue posting gigantic texts here. At most I make a card to post on Instagram informing people that there is a new review about a movie or series.

Another thing I would really like is to diversify my texts with subjects relevant to what I enjoy doing, not only films and a little bit of television series. Talking about art, literature, everyday life, whatever appealed to me: general culture. I even think about a bold project that would combine my degree in Literature to talk about writing, books, and the lifestyle of someone trying to reconcile all of this with earning daily bread. I have plenty of ideas, what is lacking is execution. I cannot forget that my current life context is somewhat troubled, at the moment I live in a small city in the countryside of São Paulo, believe me, if there is one place where culture is fading away, it is here. I will not go down the road of complaining about how much I cannot stand being here, otherwise the whining would never end. However, I have to admit that this sacrifice will be beneficial for me. That does not make anything easier, but I am here for a good reason. Once things are resolved, I would move back to São Paulo the very next day.

Anyone who does not know me from previous times can take a look at my text where I talked about my beginnings on this Blog and will understand a little about some things I am going to address here without going too deep.

I am a white guy from the countryside of São Paulo, from a city that strengthened and grew through the controversial arrival of Italians in Brazil as part of the whitening of the country. By speaking about this, I am stepping onto very unstable ground. Many people do not know the country’s history and end up feeling uncomfortable when certain subjects are brought up. As much as Europeans were seeking better living conditions and fleeing war, coincidentally our political leaders were worried about replacing enslaved labor, since abolition had happened only a few decades earlier, and also, the worst and most harmful concern of all, whitening the population. Every kind of absurdity at the time was used to justify this disgrace. Because of that, there was no historical reparation for the formerly enslaved people and their descendants, on the contrary, in many regions of the country the state paid compensation to the owners of those people, who claimed they had been harmed by losing their enslaved human property after Abolition. Even today, talking about this gives me a knot in my throat.

In the countryside of São Paulo, racial mixing was much smaller, because there were not as many descendants of enslaved people as in other places. I myself met very few Black classmates at school. And I had to learn many things that were never taught at school or at home. My own grandfather, for whom I had enormous affection, was the first person who drew my attention to the skin color of a boy who was my friend. It is not that I could not notice that someone’s skin tone was different from mine. I clearly noticed it, but I had no idea that this was supposed to be a reason for me to differentiate myself and see myself as superior. My grandfather did. And even so, despite disagreeing with him, I internalized many prejudices that I still struggle hard not to let influence me today.

Through this regional background I also inherited Catholicism as my birth religion. There was even a time when I flirted with atheism and perhaps agnosticism, but for those who read the text I mentioned, I became a seminarian of the Catholic Church. Those were bad times... However, this allowed me to live in other cities and get to know other ways of life besides the narrow-minded countryside lifestyle of São Paulo. I lived in Jaú, São Carlos, and Campinas. I had the opportunity to live in Nova Iguaçu, Seropédica, and Piranema, in the state of Rio de Janeiro, and I was always around the state capital. Whatever I could experience, I experienced. And here begins a turning point in my understanding that is relevant to everything I am writing. I had my first contacts with non-Catholic religions through people who practiced them while also attending church. And it was there that my perception of religious sense awakened. I myself found everything I lived in the seminary very rational and dry. First we studied Philosophy for three years, and then I moved on to Theology, depending on the place there are some variations in time and in other courses. Life there, until I moved to Rio, lacked mystical meaning but was intellectually rich. And later, when I abandoned the seminary for good, that is to say, when I was expelled for the third time, I decided to live my life away from religion. Someone would always appear in my life with whom I became involved who ended up being connected to Spiritism, Umbanda, Candomblé, or other denominations. And although I did not feel much mysticism within Catholicism, I studied a great deal about religious sense, obviously through a Catholic lens. And I was astonished to realize that religious sense was the same in any person who believed in something. It sounds obvious, but for me it was not. What I call religious sense was the same, only the particularities of each religion changed. And whenever possible, I went wherever I could to get to know those places. And I saw and learned things, many things, all with the academic confidence of having attended a university that gave me a scientific basis to observe the events I witnessed.

This Sunday I heard Anitta somewhere with one of the songs from her new album Equilibrium and, since some music videos had already been released, out of curiosity I wanted to know what people outside Brazil were thinking and saying about them. Here she is doing well, even if evangelicals are criticizing her. So I watched some reaction videos, some YouTuber reacting to something. And I watched many of those videos, several people adore and are intrigued by this phase. Since they do not understand the language, they focus on the aesthetics and the melody. Some did research and discovered that the videos are highly symbolic, full of references to Anitta religion, Candomblé. Saying it like that is overly simplistic, she indeed brings many elements from that religion, but she also brings elements from Umbanda, regional popular religiosity, and even a little from Indigenous culture.

In times of fragile masculinity, with men attending retreats in the mountains with names that evoke an ideal of manhood, or taking courses to realign themselves with the image of the provider “masculine” man, the video for *Disgrace* hit evangelicals right on target, as they judged there to be a real spiritual incorporation of Exu in the dancer from the video. They simply disregarded the knowledge surrounding the situation. First of all, a professional dancer has techniques, and it is very clear in the video that these are not terreiro dances, they are inspired by certain terreiro movements, and the choreography is full of techniques belonging to the universe of dance itself. And even if there is some outside influence, an entity incorporating outside a ritual is not considered correct. It can happen in a very special situation. But that was a filming set. With all the pauses for makeup, adjusting lights, repositioning scenery elements, there is no entity with the patience to wait for that. And an entity does not do what a director wants whenever he wants it. The entity does what it has to do and leaves.

I think, and here this is a mental exercise based on everything I have seen, read, learned, and experienced, that the evangelical world, and before them the Protestants, in trying to distance themselves from Catholicism ended up removing the feminine from the equation. While Catholics inherited the Jewish foundation of a patriarchal divinity, which in ancient times displaced matriarchal divinities, they recovered the feminine in the maternal figure of Mary. She was not elevated to divine status, but she was given reverence because of her role within the religion. Protestants dethroned her from that pedestal. And then we lost one side of the primordial divine trinity, the great mother. Having only the great father and the son does not complete the equation. And remembering a little of Lévinas the encounter with the other should not reduce the other to myself. So the masculine pole, without the other pole, the feminine, loses its perception of itself. How can you know you are different from the other if you removed the other from your existence? Using what I am discussing in this text, how does someone know they are the masculine side if there is no feminine side to perceive themselves as completely different from? Do you realize the crisis caused by not having representation within your religious field?

If within Catholicism, even diminished, we still have the figure of the mother, in Candomblé and other African-rooted religions this is intrinsic. The primordial family is the foundation: woman, man, and offspring. And because this is clearly embedded in worship and mythology, nobody needs to take courses to understand masculinity. And, as Anitta’s video shows, if someone is somewhat confused about this, the energies of the entities are very well defined, whether they are orixás, Exus, or Pombagiras, which are not part of the same cult, and I will not go into that explanation here. Desgraça and Meia Noite are Exu and Pombagira ceremonies artistically reproduced according to the vision of the album’s creator. So it is even amusing to realize that what evangelicals claimed was a real incorporation is actually an artistic spark of masculinity embodied in a popular ritual through the figure of Exu.

I recommend that anyone who wants to feel what it means to be masculine, or even feminine, in a powerful way, attend an Exu ceremony. And that does not mean that people from Umbanda or Candomblé do not have problems with misogyny, machismo, and others. However, they understand this dynamic a little better and do not embarrass themselves acting like “alpha males” among other “alpha males” shouting “Raul, raul, rauuul.” Like life itself, a ceremony is for everyone regardless of biological sex. On the other hand, it will not always be an Exu that descends into a provider “macho” man. Respect it!