One Piece - O anime infinito que virou série

 One Piece - O anime infinito que virou série

Eu assisti à segunda temporada de One Piece antes de Emergência Radioativa; contudo, fiquei tão impactado por esta obra que só estou postando esta resenha agora. Eu assisti à primeira temporada em meados de 2024, sendo que ela é do ano anterior. Gostei bastante, mas não estava num bom momento para escrever para o blog. Se vocês tivessem noção do tanto de coisa que assisto e não coloco aqui… Convenhamos que, por tratar isso aqui como um hobby, algumas vezes os acasos da vida tomam o tempo que dispenso para escrever. Já vou avisando que pretendo fazer resenhas em formato de vídeos no Instagram. Só preciso vencer a minha questão com aparecer em vídeos. Muita terapia ainda para ajudar.

Para dizer que não conhecia One Piece, eu já tinha ouvido falar da série animada e estava ensaiando assistir. O mangá, eu realmente não sabia que era a origem de tudo. Quando soube a quantidade de episódios que o anime possui — até o fim de 2025 eram 1.155 episódios —, eu desisti. Ou, no mínimo, posterguei. Eu até comecei a assistir a alguns episódios, acho que cheguei ao oitavo; como já tinha iniciado o live-action, migrei para ele. E, obviamente, o tom cartunesco foi um pouco abandonado em relação ao anime. Contudo, a segunda temporada parece ter recuperado um pouco desse tom, sem perder a tentativa de manter o que é possível ser “real”.

A primeira temporada apresentou os atores e seus personagens principais, e eu fiquei chocado com como acharam alguém tão certo, com a cara e a energia do Monkey D. Luffy: Iñaki Godoy. Os demais atores — Emily Rudd como Nami, Taz Skylar como Sanji, apesar dele ter que aprender em tempo recorde cozinhar e lutar, o bonitão Mackenyu como Zoro e Jacob Gibson como Usopp — também ajudam muito com a caracterização. Mas o Luffy precisava de muito mais. A inocência e a determinação, junto aos trejeitos típicos de animações japonesas, acabam sendo um desafio para se transportar para uma produção estadunidense, e isso não seria fácil. E acharam o ator ideal para tal dinâmica. Sem ele, a história não daria certo. Iñaki é o próprio Luffy.

E uma curiosidade sobre o ator de Zoro: Mackenyu é filho do venerado ator japonês Sonny Chiba, que atua em um dos meus filmes favoritos, Kill Bill (os dois volumes). Pelo pouco que assisti da série animada, o live-action conseguiu captar o espírito da saga que o criador do mangá, Eiichiro Oda, incutiu em sua criação. E vamos combinar: ele conseguiu um trabalho vitalício, pois não há previsão de término. Oficialmente, a primeira temporada terminou recentemente. E, se a série seguir esse caminho, teremos umas oitenta temporadas, talvez?

As atuações são bem caricatas, o que não é demérito; pelo contrário. O que chama muito a atenção é a direção de arte, que conseguiu deixar os cenários baseados nos desenhos bem adaptados para o formato de série. E os arcos de história são bem desenvolvidos, mesmo que simples. Eles tiveram uma sacada boa ao trazer informações que, no anime, estão bem mais à frente, para contextualizar um pouco um arco que está ocorrendo na segunda temporada — por exemplo, a história da baleia Laboon. Eles fazem um flashback para introduzir sua história com os Piratas Rumbar. Algumas adaptações também ocorrem para melhor execução da série.

A série é muito divertida e só está pecando pelo tempo de produção de uma temporada para a outra. Aprendam: isso não dá certo. Stranger Things já provou isso.

Contacto: vinimotta2012@gmail.com

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English

The original text was written without the use of any AI tools; however, the translation was carried out by ChatGPT, as the author does not yet master English grammar. Perhaps one day.

If there is anything that may be difficult to understand or that seems unclear to the reader, this may be due to certain textual constructions, sentence structures, or even references specific to regional Brazilian Portuguese and the culture of Brazil.

All subsequent texts will include this notice.

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One Piece – The Infinite Anime That Became a Series

            I watched the second season of One Piece before Radioactive Emergency; however, I was so impacted by this work that I’m only posting this review now. I watched the first season around mid-2024, even though it’s from the year before. I liked it a lot, but I wasn’t in a good place to write for the blog. If you had any idea how much stuff I watch and don’t post here… Let’s be honest: since I treat this as a hobby, sometimes life’s randomness takes up the time I would otherwise dedicate to writing. I’ll say it now—I plan to start doing reviews in video format on Instagram. I just need to overcome my issue with appearing on camera. Still a lot of therapy to help with that.

            To say I didn’t know One Piece wouldn’t be accurate—I had heard about the animated series and was meaning to watch it. The manga, however, I truly didn’t know was the origin of everything. When I found out how many episodes the anime has—by the end of 2025 it had 1,155 episodes—I gave up. Or at least postponed it. I even started watching a few episodes, I think I got to the eighth; but since the live-action had already started, I switched to it. And, obviously, the cartoony tone was somewhat toned down compared to the anime. However, the second season seems to have brought some of that tone back, without losing the attempt to keep things as “real” as possible.

            The first season introduced the actors and their main characters, and I was shocked at how they found someone so perfect, with the exact look and energy of Monkey D. Luffy: Iñaki Godoy. The other actors—Emily Rudd as Nami, Taz Skylar as Sanji (despite having to learn cooking and fighting in record time), the handsome Mackenyu as Zoro, and Jacob Gibson as Usopp—also contribute a lot to the characterization. But Luffy needed much more. His innocence and determination, along with the typical mannerisms of Japanese animation, are a challenge to translate into an American production, and that wouldn’t be easy. And yet, they found the perfect actor for that dynamic. Without him, the story wouldn’t work. Iñaki is Luffy.

            And a fun fact about the actor who plays Zoro: Mackenyu is the son of the revered Japanese actor Sonny Chiba, who appears in one of my favorite films, Kill Bill (both volumes). From what little I’ve seen of the animated series, the live-action managed to capture the spirit of the saga that the manga’s creator, Eiichiro Oda, instilled in his work. And let’s be honest: he landed himself a lifetime job, since there’s no end in sight. Officially, the first season wrapped up recently. And if the series keeps going this way, we might get eighty seasons, maybe?

          The performances are quite exaggerated, but that’s not a flaw—on the contrary. What really stands out is the art direction, which managed to adapt the settings from the drawings very well into a series format. The story arcs are well developed, even if they are simple. They made a smart move by bringing in information that, in the anime, appears much later, to help contextualize certain arcs happening in the second season—for example, the story of the whale Laboon. They use a flashback to introduce its story with the Rumbar Pirates. Some adaptations also occur to better fit the series format.

            The series is very fun, and its only flaw so far is the production time between seasons. Learn this: it doesn’t work. Stranger Things has already proven that.

Emergência Radioativa - O maior desastre radiológico fora de uma usina nuclear foi aqui

 

Emergência Radioativa - O maior desastre radiológico fora de uma usina nuclear foi aqui

            Em 1987, em Goiânia, no Estado de Goiás, dois catadores entram em uma clínica abandonada e acham um artefato de chumbo e, depois de tentar abri-lo, levam para vender num ferro-velho de um conhecido. E lá abrem de vez o artefato, que possuía um pozinho dentro que brilhava como uma luz azulada no escuro. Isso é algo amplamente conhecido na nossa história brasileira. Talvez só os mais jovens não saibam dessa tragédia. Agora, todos que tinham um mínimo de capacidade de entender o mundo à sua volta nesse ano com certeza ouviram falar do caso, que foi o maior acidente nuclear fora de uma usina que se tem registro. Foi um escarcéu, inúmeras pessoas foram contaminadas, primeiro gerou comoção municipal, logo galgou para estadual e virou uma crise ambiental nacional. Chegou-se ao cúmulo de cogitar colocar o lixo radioativo em uma terra indígena no Pará. Por sensatez, não o fizeram.

    O artefato era os restos negligenciados de um aparelho de radioterapia, e o pozinho que brilhava azulado no escuro era o Césio-137. Nas semanas seguintes, quatro pessoas morreram, vítimas da contaminação radiológica que afetava diretamente o DNA de seres humanos e animais. Cães de rua que andavam pelo local tiveram que ser sacrificados. E, por inúmeros fatores, estima-se que centenas de pessoas foram contaminadas. Gerou cerca de seis mil toneladas de lixo radioativo e, pasmem, uma quantidade estimada de 19 gramas do pozinho causou esse estrago.

  A série Acidente Radioativo faz uma reconstituição de época assustadoramente convincente. Principalmente quem morou em bairros populares nessa época vai se lembrar dos carros, das cores e modelos de ônibus circular, roupas, molecada com bermudinha encardida pela rua, e etc. E, se em 1990, o filme Césio 137 - O Pesadelo de Goiânia tinha atores de novelas consagrados das novelas e, em vários outros especiais ou programas de reconstituição de crimes, a história foi revisitada com baixo orçamento, a série investiu bem e deu uma cara mais verossímil aos personagens envolvidos. O elenco é quilométrico. E o que mais gostei, que outras produções pecam, é que eles se preocuparam com o sotaque goiano. Isso é fundamental. Por resquícios do domínio no audiovisual por parte do Sudeste muitos não se preocupam com o sotaque regional de onde se filma. Quando o fazem, é de uma forma caricata e desrespeitosa. Nessa série só quem é do Rio de Janeiro possui sotaque carioca na trama. Quem é goiano solta seus deliciosos "ocê" e tantas outras preciosidades linguísticas.

    A série tem apenas cinco episódios  de mais ou menos uma hora de história densa e pesada. Nós, que sabemos de antemão o que houve, só vamos acompanhando a sucessão de erros, desconhecimentos, pressão popular e política e o desespero dos envolvidos, que de início não entendiam nada do que estava acontecendo. A série teve bastante liberdade para contar a história. Ela manteve os fatos, seguindo historicamente as etapas que aconteceram. E o que ela faz magistralmente, pois outras produções deixaram de lado, é dar uma luz na equipe técnica e científica. Especialistas em energia nuclear, médicos, enfermeiros, policiais e o próprio governador e sua equipe, que ajudaram muito. Eu não sabia muito dessa parte, mas o governador colaborou bem e até interferiu relativamente pouco; mesmo quando tentou levar o lixo para fora de seu estado, ao receber o decreto federal que o impedia, ele aceitou e direcionou o que os especialistas recomendavam. Evidentemente, todos os nomes foram trocados, e alguns personagens foram criados, condensando várias pessoas reais que estavam envolvidas. E só uma curiodidade para nós, existe uma fala, que o rotreiro colocou na boca do governandor que é uma fala que nós fomos obrigados a ouvir no meio da pandemia que era sobre a "economia não poder parar". Percebam...

    Eu não consegui desgrudar da tela enquanto não terminava. É uma produção da Netflix em que as equipes de produção, direção, roteiristas e atores conseguiram um feito exemplar: uma história que informou, entregou atuações ótimas e ainda trouxe uma história real ficcionada com uma carga de tensão digna do mestre do suspense Alfred Hitchcock.

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Radioactive Emergency - The largest radiological disaster outside a nuclear power plant happened here

In 1987, in Goiânia, in the state of Goiás, two scavengers enter an abandoned clinic and find a lead artifact and, after trying to open it, take it to sell at a scrap yard owned by an acquaintance. There, they finally manage to open the artifact, which contained a powder that glowed with a bluish light in the dark. This is something widely known in Brazilian history. Perhaps only younger people are unaware of this tragedy. Now, everyone who had even a minimal ability to understand the world around them at that time certainly heard about the case, which became the largest nuclear accident outside a power plant. It was an uproar—countless people were contaminated. It first caused a municipal commotion, quickly escalated to the state level, and turned into a national environmental crisis. It even reached the point where there were discussions about placing the radioactive waste in Indigenous land in the state of Pará. Fortunately, that did not happen.

The artifact was the neglected remains of a radiotherapy device, and the powder that glowed bluish in the dark was Cesium-137. In the following weeks, four people died, victims of radiological contamination that directly affected the DNA of humans and animals. Stray dogs that wandered through the area had to be euthanized. And, for various reasons, it is estimated that hundreds of people were contaminated. The disaster generated around six thousand tons of radioactive waste and, astonishingly, just 19 grams of that powder caused all this damage.

The series Radioactive Accident delivers a frighteningly convincing period reconstruction. Those who lived in working-class neighborhoods at the time will especially remember the cars, the colors and models of city buses, clothing, and so on. And while the 1990 film Cesium-137 - The Nightmare of Goiânia featured well-known soap opera actors and, in several other specials or crime reenactment programs, the story was revisited on a low budget, the series clearly invested more and gave a more believable face to the people involved. The cast is extensive. And what I appreciated most—something many regional productions fail at—is their attention to the Goiás accent. This is essential. Due to the lingering dominance of the Southeast in audiovisual production, most productions that hire actors from Rio often fail to properly respect regional speech identity. When they do try, it often comes off as caricatured and disrespectful. Only characters from Rio have a Rio accent in the series. Characters from Goiás speak with their delightful “ocê” and many other linguistic gems.

The series has only five episodes and, make no mistake, each one delivers nearly an hour of dense and heavy storytelling. Those of us who already know what happened simply follow the chain of mistakes, ignorance, public and political pressure, and the growing despair of those involved, who at first had no idea what was happening. The series took some creative freedom in telling the story, but it preserves the facts, following the historical sequence of events. And what it does masterfully—something other productions often overlook—is shed light on the technical and scientific teams. Nuclear energy specialists, doctors, nurses, police officers, and the governor himself, along with his team, all played important roles. I wasn’t very familiar with this aspect, but the governor cooperated well and interfered relatively little; even when he tried to move the waste out of the state, upon receiving the federal decree that prevented it, he accepted it and followed the experts’ recommendations. Naturally, all names were changed, and some characters were created by combining several real individuals involved.

I couldn’t take my eyes off the screen until it was over. It’s a Netflix production in which the team—producers, directors, writers, and actors—achieved something remarkable: a story that informs, delivers strong performances, and presents a fictionalized version of real events with a level of tension worthy of the master of suspense, Alfred Hitchcock.

Vladimir: Onde se ganha o pão não se come carne

 

Vladimir: Onde se ganha o pão não se come carne

Mais uma série da Netflix que se apoia em um livro que adapta para o formato do streamer. O livro é Vladimir, de Julia May Jonas, que me era desconhecido até então. Eu vi a indicação no Instagram com uma mulher que eu fiz questão de bloquear. Eu nem assisti ao vídeo todo, pois o povo nas redes sociais está com a mania de comentar um filme ou série contando o final ou dando qualquer spoiler importante sem aviso nenhum. Eu perdi a paciência com isso e todos os vídeos que entregam fim de filmes e séries, ou desvelam alguma coisa importante para a trama, eu vou lá nos três pontinhos, abrindo a aba de recursos, e clico em “Não tenho interesse”. Eu gosto muito de acompanhar quem faz um trabalho com conteúdos bons, mas não dá para ficar com gente que só quer o coraçãozinho às custas de entregar o final de algo que teria que ser surpresa em vários casos. Com Stranger Things foi um caos: fiquei uma semana sem entrar em redes sociais até conseguir assistir sem descobrir nada antes por esses tipos de conteúdos.

O que me chamou atenção, no pouco que vi do vídeo com o qual tive contato, antes de bloquear, foi que a série era com a maravilhosa Rachel Weisz e havia a quebra da quarta parede. A comentarista até falava que não gostava disso. Quando bem feito, é algo que deixa o conteúdo bem interessante. Até hoje Fleabag é uma das minhas séries preferidas e faz uso magistral desse recurso.

Em Vladimir eu tive um misto de sentimentos a esse respeito. Me enervou um pouco; contudo, acho que a história toda, para além da quebra da quarta parede, me deixou um pouco tenso. E tem talvez um motivo pessoal demais por trás: tudo se passa com o pano de fundo entre professores e seu ambiente de trabalho. Claro que eu fui professor de ensino médio e a série se passa em uma universidade. Acreditem, os dramas docentes são praticamente os mesmos.

Eu não li o livro, então só vou poder falar da série mesmo. A história basicamente é sobre uma professora em crise no casamento e na própria vida, pois se percebe — ou melhor, se acha — velha e acaba se apaixonando por um colega de trabalho mais novo e bonitão.

Contudo, não é algo simplório que está acontecendo à volta da personagem principal, que em momento algum tem o nome revelado. Além da sua crise sobre o declínio de sua juventude, ela é escritora, que não escreve há tempos, e sua carreira na universidade está abalada, pois seu marido John (John Slattery) foi acusado de assédio por parte de muitas alunas. Eles tinham um combinado em sua relação que é mais ou menos o que entendemos como um casamento aberto. Eram alunas universitárias, então se entende que eram maiores de idade. E aparece esse professor bonitão, Vladimir (Leo Woodall), que mexe com o desejo da personagem principal, que vai quebrando a quarta parede e falando o que se passa em sua cabeça. Para ajudar, Vladimir é casado com Cynthia (Jessica Henwick), que teve alguns problemas sérios que são abordados no decorrer da história. E outras pequenas situações críticas vão se somando a tudo isso e deixando tudo muito absurdo em certo momento.

Vou fazer uma leve digressão: eu, desde criança, na escola, percebi que ficar com alguém da sala era problema. A amizade era sempre abalada. Notei primeiro na relação de colegas que ficavam entre si e o clima ficava pesado. E no trabalho a mesma coisa. Comigo aconteceram algumas vezes situações de me envolver com quem eu estudava ou trabalhava e sempre foi desconcertante quando a relação não foi para frente. E um ditado popular me foi dito uma vez e ficou na cabeça: “Onde se ganha o pão não se come a carne”. Seguir isso foi muito sensato sempre, quando o fiz. E depois que me formei em Letras mantive esse lema como normativa em minha vida profissional. Ainda mais em colégio de ensino médio, em que tudo é motivo para os alunos fofocarem. E nem vou dizer sobre o absurdo que é se envolver com alunos adultos — e nem vou cogitar a possibilidade de se tentar algo com menores de idade.

E se envolver com colegas também é espinhoso. Repetindo o ditado: “Onde se ganha o pão não se come a carne”. E a série Vladimir é sobre o total oposto. A personagem da Rachel Weisz quer meter a boca na carne de qualquer jeito. E está tentando achar um jeito de fazer isso, afinal ela tem na sua frente uma deliciosa peça de picanha suculenta dando mole. E ela nos torna cúmplices ao quebrar a barreira imaginária que existe entre nós, espectadores, e ela mesma — a personagem —, nos confidenciando suas ideias e ações nem um pouco éticas em vários momentos.

Vou confessar que eu fiquei aflito em vários momentos, mas ria, de nervoso, em todos. E, sem dar spoiler — critiquei tanto quem faz isso, imagina se solto um agora —, o final foi muito interessante. Realmente não esperava o que aconteceu. Uma série curta de oito episódios de meia hora, mais ou menos. As atuações estão boas e ver Rachel Weisz atuando é sempre bom. Ela é perfeita. Até hoje lembro do papel dela em O Jardineiro Fiel, que lhe rendeu o Oscar de melhor atriz coadjuvante. Que interpretação e história poderosa. Aqui sua força interpretativa está a cargo do humor de uma história de um descontrole causado pelo desejo, e ela manda bem.

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Vladimir: Where You Earn Your Bread, You Don’t Eat the Meat

Another Netflix series based on a book that has been adapted to the streamer format. The book is Vladimir, by Julia May Jonas, which I had never heard of until then. I saw it recommended on Instagram by a woman I made a point of blocking. I didn’t even watch the whole video, because people on social media have developed the habit of commenting on movies or series by revealing the ending or dropping major spoilers without any warning. I lost my patience with that, and whenever I see videos that give away the ending of films or shows, or reveal something important about the plot, I go to the three dots, open the options tab, and click “Not interested.” I really enjoy following people who produce good content, but I can’t deal with those who just want a little heart reaction at the cost of spoiling something that, in many cases, should remain a surprise. With Stranger Things it was chaos: I stayed off social media for a whole week until I managed to watch it without discovering anything beforehand because of that kind of content.

What caught my attention, in the little bit of the video I saw before blocking it, was that the series starred the wonderful Rachel Weisz and that it broke the fourth wall. The commentator even said she didn’t like that. When it’s well done, though, it makes the content much more interesting. To this day Fleabag is one of my favorite series, and it uses this device masterfully.

With Vladimir, I had mixed feelings about it. It irritated me a bit; however, I think the whole story, beyond the fourth-wall breaking, left me somewhat tense. And there might be a very personal reason behind that: everything unfolds against the backdrop of teachers and their work environment. Of course, I was a high school teacher and the series takes place at a university. Believe me, the dramas of teaching are practically the same.

I haven’t read the book, so I can only talk about the series. The story is basically about a professor in crisis in her marriage and in her own life, because she realizes—or rather, believes—she is getting old and ends up falling for a younger, handsome colleague.

However, what is happening around the main character is far from simplistic, and at no point is her name revealed. Besides her crisis about the decline of her youth, she is also a writer who hasn’t written anything in a long time, and her academic career is shaken because her husband John (John Slattery) has been accused of harassment by several students. They had an arrangement in their relationship that resembles what we would call an open marriage. They were university students, so one assumes they were adults. Then this handsome professor appears—Vladimir (Leo Woodall)—who stirs the main character’s desire, and she starts breaking the fourth wall, telling us what goes on inside her head. To complicate things further, Vladimir is married to Cynthia (Jessica Henwick), who has had some serious issues that are gradually revealed throughout the story. And other small critical situations keep piling up, making everything increasingly absurd at a certain point.

Let me make a brief digression: since childhood, at school, I realized that getting involved with someone from your own class was trouble. Friendships were always shaken. I first noticed it among classmates who dated each other and how the atmosphere would always become tense afterward. At work it’s the same thing. I’ve had situations where I got involved with people I studied or worked with, and it was always awkward when the relationship didn’t work out. There is a popular saying someone once told me that stuck in my mind: “Where you earn your bread, you don’t eat the meat.” Following that rule was always very sensible when I managed to do it. And after graduating in Literature, I kept that principle as a kind of professional guideline. Especially in high school, where everything becomes gossip material for students. And I won’t even comment on the absurdity of getting involved with students—even adult ones—let alone consider the possibility of something with minors.

Getting involved with colleagues is also thorny. Repeating the saying: “Where you earn your bread, you don’t eat the meat.” And the series Vladimir is about the complete opposite of that. Rachel Weisz’s character wants to sink her teeth into the meat no matter what. And she’s trying to figure out how to do it, after all she has in front of her a delicious, juicy piece of picanha practically begging for it. She makes us accomplices by breaking the imaginary barrier between us—the viewers—and herself, the character, confiding in us her ideas and actions that are far from ethical in several moments.

I’ll confess that I felt anxious in several scenes, but I laughed nervously through all of them. And, without giving spoilers—I criticized people who do that so much, imagine if I dropped one now—the ending was very interesting. I really didn’t expect what happened. It’s a short series of eight episodes, about half an hour each. The performances are good, and watching Rachel Weisz act is always a pleasure. She is perfect. To this day I remember her role in The Constant Gardener, which earned her the Oscar for Best Supporting Actress. What a performance, and what a powerful story. Here, her interpretative strength is devoted to the dark humor of a story about losing control under the force of desire—and she delivers.

O jovem Sherlock: Aditivado

 

O jovem Sherlock: Aditivado

Em 2009 e 2011 Guy Ritchie fez uma adaptação aditivado de Sherlock Holmes com sua continuação nesses respectivos anos. Esses dois filmes foram com o Robert Downey Jr. como o famoso detetive e seu amigo, Dr. Watson, feito pelo Jude Law. Deu certo, e houve um terceiro filme que já não estava com esse diretor. Até então, por mais perspicaz que o personagem fosse, ele nutria uma certa letargia que não combinava com os "tóchicos" que ele consumia. Sim, o ilustre detetive, apesar de não ser um aspirador de pó, tomava, na forma intravenosa, substâncias ilícitas. E, não passando pano para ele, era algo comum na época em que vivia. Melhor, em que foi criado esse personagem, ele não existe para poder viver. Anos depois que foram proibir o consumo de alguns desses entorpecentes, outros, como a nicotina e o álcool, são lícitos ainda, por exemplo, até hoje. Talvez por isso que era tão enérgico nos livros. E, como disse, nos outros filmes ele estava sempre daquele jeito sóbrio, até que esses filmes do Ritchie deram o devido ânimo nas interpretações.

Pelo que entendi temos os livros de Andrew Lane, que escreve histórias do detetive, e a série é baseada nesses livros com algumas diferenças, como a idade que são representados.

A série parece usar e abusar dos ingredientes que os filmes citados acima iniciaram: trilha sonora contemporânea e frenética; apesar da boa construção de época, há inúmeros anacronismos que ajudam muito o enredo, o ritmo frenético e cheio de reviravoltas, que quase não deixa fôlego para assimilar a informação e já parte para o próximo episódio. Afinal é o mesmo diretor que encabeça a série e deixa tudo muito instigante. Temos, nessa primeira temporada, oito episódios de 40–50 minutos que passam voando por causa disso.

Aqui obviamente não temos o Watson, pelo menos nessa temporada não se conhecem ainda. Temos o desenvolvimento das relações, um tanto complexas, da família Holmes: o pai cientista distante (Joseph Fiennes), a mãe com a sanidade mental abalada e presa num hospício (Natascha McElhone) e um amigo inusitado, Moriarty (Dónal Finn). E há um turbilhão de acontecimentos em que os irmãos Holmes se enfiam, após Mycroft (Max Irons) libertar Sherlock (Hero Fiennes Tiffin) da cadeia e o colocar como faxineiro na universidade de Oxford, por ter perdido suas oportunidades ao ser preso. Moriarty, no meio de tudo isso, ao conhecer o detetive tenta achar seu lugar longe da coadjuvância, que ele inevitavelmente se percebe.

O balaio de gato se inicia com uma princesa chinesa (Zine Tseng) que chega à universidade em que Holmes e Moriarty estão, um estudando com bolsa, outro limpando. Até que acontece um atentado com uma bomba, desencadeando acontecimentos que levam à morte de alguns professores e à expulsão de ambos e, posteriormente, à acusação de Holmes como autor dos atentados e assassinato.

Como disse acima, o ritmo é frenético e a história é bem interessante, dando uma motivação familiar para muitos dos costumes do personagem título. Ele ainda não é o exímio detetive, mas está bem perto de ser. Sua genialidade já o acompanha de perto. E, como nada é simples, vamos acompanhar o desenrolar desse emaranhado de eventos.

Uma curiosidade que não tem relação com a história do filme, mas vale a menção, é que, além de Hero Fiennes Tiffin ser sobrinho de Ralph Fiennes, ele foi a criança Tom Riddle em O Enigma do Príncipe, da saga Harry Potter, quando Dumbledore vai até o orfanato conhecê-lo. E manda muito bem, não mais como o sombrio "fiote de cruz-credo", mas como um bom jovem aspirante a ser o melhor detetive do mundo anglófono.

Eu gostei bastante de assistir a essa série, é um divertido passatempo para não se pensar muito nos problemas. E que problemas estamos tendo nesses tempos. Deixemos isso de lado no momento e fiquemos com uma boa série de ação e investigação aos moldes antigos.

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Young Sherlock: Turbocharged

In 2009 and 2011, Guy Ritchie released a turbocharged adaptation of Sherlock Holmes and its sequel in those respective years. Both films starred Robert Downey Jr. as the famous detective, with Jude Law playing his friend, Dr. Watson. It worked well, and a third film was later made, though no longer with that director. Until then, as perceptive as the character might be, he carried a certain lethargy that didn’t quite match the “pick-me-ups” he used. Yes, the illustrious detective, although not exactly a vacuum cleaner for substances, did take illicit drugs intravenously. And, not making excuses for him, that was something fairly common in the time in which he lived. Or rather, the time in which the character was created—after all, he doesn’t actually exist in order to live. Years later, some of those narcotics would be banned, while others, such as nicotine and alcohol, remain legal even today, for example. Perhaps that’s why he seemed so energetic in the books. And as I said, in other film versions he was always portrayed in that sober, restrained way, until Ritchie’s films finally injected some proper vitality into the character’s interpretations.

From what I understand, there are the books by Andrew Lane, who writes stories about the detective, and the series is based on those books, though with some differences, such as the age at which the characters are portrayed.

The series seems to make full use of the ingredients those films mentioned above introduced: a contemporary and frenetic soundtrack; despite the careful period setting, there are countless anachronisms that actually help the story along; and a fast-paced rhythm packed with twists that barely gives you time to process one piece of information before launching you straight into the next episode. After all, it’s the same director at the helm of the series, keeping everything very engaging. This first season has eight episodes of around 40–50 minutes each, and they fly by because of that.

Here, of course, we don’t yet have Watson—at least in this season they haven’t met. Instead we get the development of the somewhat complex relationships within the Holmes family: the distant scientist father (Joseph Fiennes), the mother with fragile mental health confined in an asylum (Natascha McElhone), and an unusual friend, Moriarty (Dónal Finn). A whirlwind of events unfolds as the Holmes brothers get themselves into trouble after Mycroft (Max Irons) frees Sherlock (Hero Fiennes Tiffin) from prison and places him as a janitor at Oxford University, since he lost his opportunities after being arrested. Moriarty, caught up in the middle of all this, upon meeting the young detective, tries to find his place beyond being a mere supporting player—a role he inevitably realizes he has been occupying.

The whole tangled mess begins with a Chinese princess (Zine Tseng) arriving at the university where Holmes and Moriarty are—one studying on a scholarship, the other working as a cleaner. Then a bombing takes place, setting off a chain of events that leads to the deaths of several professors, the expulsion of both of them, and later the accusation that Holmes himself carried out the attacks and the murders.

As I mentioned above, the pace is frenetic and the story is quite interesting, giving a family motivation to many of the habits associated with the title character. He is not yet the master detective we know, but he is very close to becoming one. His genius is already right there beside him. And since nothing is ever simple, we get to follow the unfolding of this tangled web of events.

A curious detail that isn’t directly related to the story but is worth mentioning: besides Hero Fiennes Tiffin being the nephew of Ralph Fiennes, he also played the child version of Tom Riddle in Harry Potter and the Half-Blood Prince, in the scene where Dumbledore visits the orphanage to meet him. And he does a great job here—not as the sinister little creep we saw there, but as a promising young man on his way to becoming the greatest detective in the English-speaking world.

I really enjoyed watching this series. It’s an entertaining way to pass the time when you don’t want to think too much about life’s problems—and goodness knows we’ve had plenty of those lately. Let’s set that aside for now and enjoy a good old-fashioned action-and-mystery series instead.

Marty Supreme e Clarice Lispector

Marty Supreme  e Clarice Lispector

Para nós brasileiros o nome de Clarice Lispector virou meme. Frases atribuídas a ela dariam para escrever mais meia dúzia de livros. Eu mesmo, gostando tanto de ler e festejar nossa cultura literária, ainda não tinha lido essa fantástica autora. Só fui ler A hora da estrela em 2023 e eu percebi a magnificência desse texto. Eu nunca em minha vida vou conseguir escrever com a profundidade psicológica, simbólica e, de quebra, existencialista que ela tem. Ela é totalmente além de um patamar literário que muitos jamais alcançariam. Dito isso, nesse livro tem uma personagem, a Macabéa, que é escrita muito bem e sua história desenrola de forma tão marcante que houve uma adaptação para o cinema de 1985. E a atriz Marcélia Cartaxo, com esse material para compor a personagem, arrancou elogios e prêmios nacionais. E a questão que quero abordar é essa, não há o que criticar no livro nem no filme. O problema, que é pessoal meu, é que eu achei a pergonagem insuportável. Explicando melhor, não foi a atriz, não foi a escritora, não foi o livro nem o filme, a personagem me tocou num lugar de antipatia a ela. E isso faz parte da arte. Nem sempre vamos gostar, individualmente, de tudo. E por vezes, nossos traumas e outras experiências não nos farão amar um personagem. E vejam, isso não quer dizer que achei o filme, e especialmente o livro, ruins, pois não são. 

Venho para Marty Supreme, gostei da resconstituição de época, as atuações dos coadjuvantes estão ótimas. Me surpreendi em ver a Fran Drescher fazendo a mãe do Marty para longe dos maneirismos de suas personagens extravagantes. Odessa A'zion como Rachel, grávida e se metendo nas presepadas do Marty, também está ótima. A história é redondinha e cheia de reviravoltas. E a jornada do herói que não mede as consequências para alcançar seus objetivos e se mete em muitos problemas está bem escrito e dirigido. O Timothée Chalamet, como o personagem título do filme, mostra uma energia e potência de atuação também fora da curva. Se não tivessemos o Michel B. Jordan e o Wagner Moura e o Leonardo DiCaprio eu realmente acharia que ele ganharia fácil. Como não assisti o filme do Ethan Hawke não posso dizer de sua atuação. Esses que consegui prestigiar estão fora da curva. E por qual motivo eu comecei falando da obra da Clarice? Evidentemente, em primeiro lugar, é bom falar de nossos artistas sempre que podemos, em segundo, Marty é para mim insuportável asism como Macabéa. Psicologicamente eles tocaram em algo em mim que não me faz gostar deles de forma alguma. E isso, sendo autocrítico, talvez fale mais de mim do que desses personagens. Depois trato isso na terapia se conseguir. 

E percebam, por menos que esses personagens tenham me agradado eu jamais direi que A hora da Estrela e Marty Supreme são ruins, pois não são. São, cada um a sua forma e estilo, obras primas. Ouso dizer, que Clarice Lispector é melhor. Para além de um protecionismo a algo nosso, realmente não há comparação. Um é livro outro é filme com linguagens, público e intenções diversas. E nem posso dizer que a interpretação do Chalamet está ruim, não está. Está muito boa. Contudo, eu comecei a escrever essa resenha um dia após a fatídica fala desse ator sobre Ópera e Balé. "Ninguém mais se importa com isso." teria dito em um programa nos EUA. E isso me faz lembrar da Millie Bobby Brown também dando declaração sobre não gostar de assistir filmes. E isso abre questionamentos enormes

Entre não gostar de uma manifestação artística e ter uma postura desrespeitosa com elas há um abismo enorme. Entre meu gosto pessoal e reconhecimento da importância e necessidade de se prestigiar as manifestações artísticas eu fico com essa última sempre. 

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English

Marty Supreme and Clarice Lispector

The original text was written without the use of any AI tools; however, the translation was carried out by ChatGPT, as the author does not yet master English grammar. Perhaps one day.

If there is anything that may be difficult to understand or that seems unclear to the reader, this may be due to certain textual constructions, sentence structures, or even references specific to regional Brazilian Portuguese and the culture of Brazil.

All subsequent texts will include this notice.

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            For us Brazilians, the name Clarice Lispector has become a meme. Quotes attributed to her could easily fill another half dozen books. I myself, despite loving to read and celebrate our literary culture, had not yet read this fantastic author. I only read The Hour of the Star in 2023, and I realized the magnificence of that text. I will never in my life be able to write with the psychological, symbolic, and, on top of that, existential depth that she possesses. She is completely beyond a literary level that many would never reach. That said, in this book there is a character, Macabéa, who is written extremely well, and her story unfolds in such a striking way that it led to a film adaptation in 1985. And the actress Marcélia Cartaxo, with this material to shape the character, earned praise and national awards. The point I want to address is this: there is nothing to criticize in either the book or the film. The problem, which is a personal one of mine, is that I found the character unbearable. To explain it better: it wasn’t the actress, it wasn’t the writer, it wasn’t the book or the film — the character touched a place of antipathy in me. And that is part of art. We will not always like everything on an individual level. Sometimes our traumas and other experiences will prevent us from loving a character. And notice that this does not mean I thought the film, and especially the book, were bad, because they are not.

          Now to Marty Supreme. I liked the period reconstruction; the supporting actors are excellent. I was surprised to see Fran Drescher playing Marty’s mother, far removed from the mannerisms of her more extravagant characters. Odessa A’zion, as Rachel — pregnant and getting involved in Marty’s misadventures — is also excellent. The story is tight and full of twists. The hero’s journey, in which he does not measure the consequences in order to achieve his goals and ends up getting into many problems, is well written and directed. Timothée Chalamet, as the film’s title character, shows an energy and acting power that are also exceptional. If we didn’t have Michael B. Jordan, Wagner Moura, and Leonardo DiCaprio in the running, I would really think he would win easily. Since I haven’t seen Ethan Hawke’s film, I can’t comment on his performance. The ones I did watch are outstanding. And why did I begin by talking about Clarice’s work? Obviously, first of all, it is always good to talk about our artists whenever we can. Secondly, Marty is, to me, just as unbearable as Macabéa. Psychologically, they touched something in me that prevents me from liking them in any way. And that, being self-critical, perhaps says more about me than about these characters. I’ll deal with that later in therapy, if I manage to.

            And notice that, even though these characters did not please me, I would never say that The Hour of the Star and Marty Supreme are bad, because they are not. They are, each in their own form and style, masterpieces. I would even dare say that Clarice Lispector is better. Beyond any protective instinct toward something of our own, there is really no comparison. One is a book, the other is a film, with different languages, audiences, and intentions. And I cannot say that Chalamet’s performance is bad — it is not. It is very good. However, I began writing this review one day after that actor’s unfortunate comment about opera and ballet: “No one cares about that anymore,” he reportedly said on a TV program in the United States. That also reminds me of Millie Bobby Brown giving statements about not liking to watch movies. And that opens up enormous questions.

            There is a huge gap between not liking an artistic expression and adopting a disrespectful attitude toward it. Between my personal taste and the recognition of the importance and necessity of supporting artistic expressions, I will always stand with the latter.

Bridgerton – Sua novelinha em formato de série - Primeira temporada

 

Bridgerton – Sua novelinha em formato de série

Eu me rendi à novelinha picante da Netflix. E é uma delicinha. Deixando claro que só vi a primeira temporada por enquanto. A história é aquela bem manjada. A mocinha, que é popular e uma promessa de ótimo partido para casar, conhece o mocinho, que é um bad boy, no caso um rico duque e bon-vivant que suprime seus traumas e desprezo aos costumes do pai se enfiando em jogatinas, bordéis, mulheres do entretenimento adulto... Aquela desculpa de sempre para não se cobrar tanto pelo fato de gostar da esbórnia. Como se conhecem sem as máscaras sociais, criam antipatia um pelo outro. E, em comum acordo, decidem se autobeneficiarem com um flerte assistido falso. Ambos se cortejavam publicamente de forma pudica e aceitável, e ambos teriam os benefícios que almejavam: ele, não ser importunado e forçado a casar com ninguém; ela, chamar mais atenção e dobrar o número de candidatos bons, sendo que ele já era o ideal. Adivinha? O que acaba acontecendo? Se apaixonam. E foi só casar que o Duque começa a não prestar atenção na esposa e se preocupa com os aldeões que estavam sendo esfolados vivos por seu contabilista, que até então cuidava de tudo seguindo suas ordens. Que nobre de bom coração ele, melhor que um nobre só um capitalista generoso com seus lucros (Ou que combate o crime que ajudou a criar com uma roupa preta se camuflando de morcego). Que graça, Sua Graça!

Pelo que pesquisei, a série tomou carona nos livros da Julia Quinn, que já divertiam um bom público, e acertou na adaptação. Com quatro temporadas já executadas no streaming e autorizada a mais duas, Bridgerton acerta num público-alvo que é realmente cativo e fiel: mulheres.

A produção é bem cuidadosa, não há um rigor histórico e sim uma interpretação proposital da época, através de escolhas contemporâneas que acabam dando um charme a mais.

Uma coisa curiosa foi que assisti a As Loucuras do Rei George (1994), que é justamente o contexto histórico em que se passa Bridgerton. Se no filme quem fazia a Rainha Charlotte, em português Carlota, era Helen Mirren, na série temos Golda Rosheuvel. E são intenções de roteiro totalmente diferentes e nem tem como comparar. Se o filme apelava para o drama histórico do rei que enlouquece, aqui a nobreza é pano de fundo para algumas presepadas que a hipocrisia dos costumes promovia nas relações e jogos de interesse que eram os casamentos, de forma bem leve e em tom de fofoca, pois temos uma narradora oculta com a alcunha de Lady Whistledown, que publica jornaizinhos com suas ponderações sobre os escândalos que os envolvidos tentam esconder. Ela sabe de tudo, e a voz é da fabulosa Julie Andrews.

A mocinha, Daphne Basset, feita pela linda e Phoebe Dynevor, tem como irmão o Lord Bridgerton (Jonathan Bailey) e como par romântico Regé-Jean Page, que faz o Duque de Hastings, que é o pretendente improvável para desposar Daphne, e tantos outros personagens que ficam quase impossíveis de citar sem esquecer de alguém.

Sendo a história bem piegas e docinha, eu até assustei com a noite de amor do casal titular dessa temporada, dando uma camada picante ao açucarado enredo. Eu fico de cara que no Brasil isso viraria uma novela, mas o povo dos EUA adora uma série. Todos ganham, pois novelas são longas demais. E série é realmente um formato mais interessante para assistir, que parece perfeito a uma nova modalidade que surgiu com o advento dos streamings: o maratonar série. E convenhamos, estamos com uma leve crise de roteiristas e autores de novelas por aqui. Fiquemos com as séries mesmo.

Não espere profundidade histórica, não espere reconstituição perfeita do período, das roupas, há uma certa releitura mais refrescante e alegre dessas, do comportamento, até existe uma competência bem planejada em tudo isso, espere diversão. Eu já comentei em outras resenhas que por vezes um respiro de filmes ou séries pesadas é necessário. E mesmo fazer um contraponto de algo de uma qualidade técnica e artística soberba com algo mais neutro, ou mesmo clichê descontraído. Eu saí de uma safra de umas dez produções muito boas e algumas bem profundas, e Bridgerton é um respiro despretensioso que me ajuda a não só valorizá-los como me diverte sem perder tempo com algo que não vale a pena.

Agora vou fazer uma digressão, como se já não fizesse isso o tempo todo, vou levantar uma lebre. Não sei das intenções da autora dos livros, contudo os produtores não são inocentes. Na maioria das vezes o ator é escalado intencionalmente para passar uma camada ao personagem que não está no texto. Contudo o subtexto permite fazer leituras. Eu só vou jogar algumas informações e vocês tomem suas conclusões. Na época que é retratada essa história temos o advento dos dândis, que eram homens vaidosos que se preocupavam muito com suas roupas e com as artes. Eram cultos, adoravam toda manifestação artística, se casavam mais pela imposição da sociedade e preferiam os clubes para homens, a que mulheres não eram convidadas por causa da reputação. E quem ia? Outro tipo de mulher e homens. E quem é um expoente conhecido dos dândis com uma obra que até hoje faz sucesso? Oscar Wilde, que escreveu o perversamente delicioso O Retrato de Dorian Gray. Pronto, era isso que eu queria pontuar sem causa de juízo. Como quem não quer nada. 

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English

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Bridgerton – Your Little Soap Opera in Series Form

                I gave in to Netflix’s spicy little soap opera. And it’s delicious. Just to be clear, I’ve only watched the first season so far. The story is that familiar old chestnut. The heroine, who is popular and considered an excellent marriage prospect, meets the hero — a classic bad boy, in this case a wealthy duke and bon vivant who suppresses his traumas and resentment toward his father’s values by drowning himself in gambling, brothels, and women from the “entertainment” world… The usual excuse not to feel too guilty about enjoying a life of debauchery.

              Since they meet without their social masks, they instantly develop a mutual dislike. So, by common agreement, they decide to benefit themselves through a staged courtship. They publicly court each other in a proper and socially acceptable way, and both get what they want: he avoids being pressured into marriage; she draws more attention and doubles the number of suitable suitors — even though he was already the ideal one. Guess what happens? They fall in love.

            And the moment they marry, the Duke suddenly starts neglecting his wife and worrying about the villagers being metaphorically skinned alive by his accountant, who had been running everything according to his orders. What a noble, kind-hearted man he is — and as we all know, better than a nobleman is only a generous capitalist sharing his profits (or one who fights the crime he helped create while dressed in black, disguised as a bat). How delightful, Your Grace!

            From what I researched, the series rides on the success of Julia Quinn’s novels, which had already entertained a sizable audience, and the adaptation hits the mark. With four seasons already released on streaming and two more approved, Bridgerton clearly targets a truly loyal and captive audience: women.

          The production is carefully crafted. There’s no strict historical accuracy; instead, there’s a deliberate reinterpretation of the era through contemporary choices that add an extra layer of charm.

             One curious thing: I recently watched The Madness of King George (1994), which portrays the very historical context in which Bridgerton is set. In the film, Queen Charlotte (known in Portuguese as Carlota) was played by Helen Mirren, while in the series she’s portrayed by Golda Rosheuvel. The narrative intentions couldn’t be more different, and they’re hardly comparable. While the film leans into the historical drama of a king descending into madness, here the nobility serves as a backdrop for light mischief born from the hypocrisy and social maneuvering that defined marriage arrangements — all told in a breezy, gossip-like tone.

            We even have a hidden narrator under the alias Lady Whistledown, who publishes pamphlets with her observations about the scandals the characters try to conceal. She knows everything — and she’s voiced by the fabulous Julie Andrews.

            The heroine, Daphne Basset, played by the beautiful Phoebe Dynevor, has as her brother Lord Bridgerton (Jonathan Bailey), and as her romantic counterpart Regé-Jean Page, who plays the Duke of Hastings — the unlikely suitor to marry Daphne — along with so many other characters that it’s almost impossible to mention them all without forgetting someone.

               Since the story is quite sugary and sentimental, I was actually surprised by the couple’s love scene, which adds a spicy layer to the otherwise saccharine plot. I’m always amazed that in Brazil this would easily become a telenovela, while Americans love a series. Everybody wins, since soap operas are far too long. The series format is truly more appealing, especially for what streaming platforms have popularized: binge-watching. And let’s be honest, we seem to be facing a mild crisis of soap opera writers around here. Let’s stick with series.

                Don’t expect historical depth or perfect period reconstruction in terms of costumes and behavior. There’s a lighter, fresher reinterpretation at play here — and yes, it’s carefully executed. Expect entertainment. I’ve mentioned in other reviews that sometimes you need a break from heavy films or series. Sometimes it’s even refreshing to contrast a technically and artistically superb work with something lighter, even a relaxed cliché.

                I had just come out of a streak of about ten very strong productions, some of them quite profound, and Bridgerton feels like an unpretentious breather — something that not only helps me appreciate the others more but also entertains me without feeling like wasted time.

               Now let me digress — as if I didn’t do that constantly already. Let me raise a little hare and see who chases it. I don’t know what the author’s intentions were, but the producers are not naïve. Very often, an actor is intentionally cast to add a layer to a character that isn’t explicitly on the page. The subtext allows for interpretation.

          I’ll just drop a few pieces of information and let you draw your own conclusions. In the era portrayed in the series, we see the rise of the dandies — vain men deeply concerned with fashion and the arts. They were cultured, devoted to artistic expression, often married out of social obligation, and preferred male-only clubs where women were not welcome for the sake of “reputation.” And who did attend? A different kind of woman — and men.

            And who is one of the most famous exponents of dandyism, with a work that remains popular to this day? Oscar Wilde, author of the perversely delightful The Picture of Dorian Gray.

            That’s all I wanted to point out — no judgment intended. Just casually.

King Cobra: Sobre uma indústria de filmes recreativos masculinos

            King Cobra: Sobre uma indústria de filmes recreativos masculinos

*Nota explicativa: esse texto era um pouco mais "explicito" e fiz algumas alterações pois o Blogger considerava conteúdo inapropieado e colocava um aviso. Então editei tudo, para tirar o que pudesse ser considerado por eles como conteúdo adulto. E Aviso também que esse texto foi escrito em sua integra em 07 de dezembro de 2015, vou acabar repostando e perdendo o engajamento que possa ter dado. Necessidades e reformulações para uma nova etapa. E foi antes dos escândalos envolvendo o James Franco. 

        Sabe aquele ator que faz grandes produções e ao mesmo tempo é tão descolado, descolado de verdade, que não sabemos em que banda o apito dele toca? Então, James Franco é esse cara. Ele esteve em grandes produções hollywoodianas de destaque, e até ganhadoras do Oscar nos últimos anos e ao mesmo tempo deu uma parada para se dedicar aos estudos e voltou com um viés político e social bem diversificado. Digamos assim para não colocar qualquer causa de juízo no garoto. Fez uma produção um pouco underground que está disponível na Netflix chamada de “Interior. Leather Bar” que fala de trechos perdidos de um filme com o Al Pacino, “Parceiros da Noite” (1980), um tanto controverso sobre um assassino em série que mata homens que gostam de se divertir com outros homens.

        Então entendem a ambiguidade de Franco? Se a resposta for não, deixa pra lá! E nessa empreitada ele decidiu, entre outros filmes, fazer King Cobra que narra um pouco da história de sucesso do início da carreira de Brent Corrigan (bem interpretado por Garrett Clayton). Quem não sabe quem é Corrigan, só digo que foi um ator das indústrias de filmes adultos para homem de sucesso nos fins dos anos 1990 e início de 2000 quando a internet era bem diferente do que é hoje. Um mundo onde não havia o aqueles sites que disponibiliza conteúdos adultos gratuitamente. 

       Bom, voltando ao filme, Corrigan foi descoberto pelo produtor Stephen (o ótimo Christian Slater) que patenteou o nome do garoto, então com 17 anos, e ganhou muito dinheiro com seus vídeos. E na mesma medida logo recebeu um processo de Corrigan que não se sentia contente em ganhar tão pouco. Nessa já rocambolesca situação entram o produtor rival Joe (James Franco) e seu namorado e estrela maior de seus filmes Harlow (Keegan Allen). Porém os dois têm merda na cabeça e resolvem dar um jeito em Stephen para poder lucrar com o garoto Corrigan.

        Um destaque para fãs é a presença da diva Alicia Silvestone. E uma que só reconheci depois que fui ver os créditos, pelo nome, a Molly Ringwald, que também está longe do rosa-choque que ajudou a ficar conhecida. Ambas fazem respectivamente a mãe de Corrigan e a irmã de Stephen.

        Baseada na história verdadeira de um produtor pornô gay o roteiro não tem nenhuma inovação. Apesar de cenas mais picantes e outras um tanto bizarras só sendo um homem hetero, cis, de família tradicional e de bem para se escandalizaria.” Ahãn, Senta lá Cláudia!” Se o “XVideos” exigisse CPF e divulgasse todos os anos sua lista de consumidores e o que eles assistem. Adivinha quem estaria nessa lista?

        Enfim, o filme não é dos melhores. Meio acelerado em alguns pontos e com uns vácuos em outros não dá nenhuma emoção. É uma história gay contada para um público conservador e com umas cenazinhas para chocá-los. Apesar do elenco ser bem competente o único destaque garantido é Slater. Vem se mostrando ótimo depois que perdeu a carinha de moleque revoltado que tinha.

        Porém vale assistir para tomar um pouco de ciência do mundo das produções de filmes adultos para homens que gostam de fazer amor com o bumbum de outro homem. 

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King Cobra: On the Male Adult Film Industry

Author’s note: This text was originally more explicit, but I made some adjustments after Blogger flagged it as inappropriate and added a warning. So I edited anything that could be interpreted as adult content. It was originally written in full on December 7, 2015, and I’ll be reposting it now — likely losing whatever engagement it once had. New phase, necessary revisions. It was also written before the scandals involving James Franco came to light.

            You know that actor who stars in major productions and at the same time is so genuinely cool and unpredictable that you can’t quite figure out what side he’s on? That’s James Franco. He’s been in major Hollywood productions — even Oscar-winning ones — in recent years, and at the same time he stepped away to focus on his studies, only to return with a more politically and socially layered approach to his work. Let’s just leave it at that without putting any labels on the guy. He also did a somewhat underground project available on Netflix called Interior. Leather Bar., which revisits supposedly lost footage from Cruising (1980), the controversial film starring Al Pacino about a serial killer targeting men who enjoy the company of other men.

             So do you get Franco’s ambiguity? If not, never mind. In this particular venture, among other projects, he decided to produce King Cobra, which tells part of the early success story of Brent Corrigan (convincingly played by Garrett Clayton). For those unfamiliar with Corrigan, he was a successful performer in the gay adult film industry in the late 1990s and early 2000s — back when the internet was a very different place. A world without today’s free streaming adult sites.

        Back to the film: Corrigan was discovered by producer Stephen (a terrific Christian Slater), who trademarked the young man’s stage name — Corrigan was only 17 at the time — and made a lot of money from his videos. Not long after, Corrigan filed a lawsuit, unhappy with how little he was actually earning. Into this already tangled situation step rival producer Joe (James Franco) and his boyfriend and top performer Harlow (Keegan Allen). Unfortunately, the two aren’t exactly masterminds, and they decide to “take care of” Stephen in order to profit from Corrigan themselves.

            A highlight for fans is the presence of Alicia Silverstone. Another familiar face I only recognized after checking the credits was Molly Ringwald — far removed from the neon-pink teen icon image that made her famous. They play Corrigan’s mother and Stephen’s sister, respectively.

            Based on the true story of a gay adult film producer, the script doesn’t offer much in terms of innovation. Despite some steamy scenes and a few rather bizarre moments, you’d have to be a straight, conservative, self-proclaimed “family values” type to act shocked. “Sure, Jan.” If a site like XVideos required users to register with their real names and published an annual list of viewers and what they watched, who do you think would show up on it?

            In the end, the film isn’t exactly outstanding. It feels rushed in some parts and oddly empty in others, never quite building real tension. It’s a gay story told with a conservative audience in mind, sprinkled with a few scenes clearly meant to provoke them. Although the cast is solid, the real standout is Slater, who has been delivering consistently strong performances since shedding his former “angry young man” image.

            Still, it’s worth watching if only to gain some insight into the world of adult films made for men who are attracted to other men.